La catégorie “Étude” plonge dans les discussions autour d’un sujet particulier du jeu vidéo pour explorer les dynamiques qui l’entoure.

Temps de lecture d’environ 25 minutes.

Dans l’utilisation courante, le terme tutoriel désigne la ou les phases d’apprentissages qui se déroulent peu après le lancement d’un jeu. Généralement pendant la période d’introduction (ou ‘onboarding’1 en anglais). Cependant, je pense que cette simplification est une des causes principales d’échec de la création d’un apprentissage efficace des systèmes et mécaniques d’un jeu.

Pour cette lecture, je propose de remplacer le sens courant de tutoriel (aka. phase d’apprentissage pendant l’introduction d’un jeu) par introduction tutoriel. Spécifiant ainsi son appartenance à la séquence de la première expérience d’un jeu.

Et de redéfinir tutoriel comme :

L’ensemble des éléments et situations servant à enseigner les fonctionnements d’un jeu.2

La distinction sera importante plus tard.

Mauvaise presse

Un point sur lequel on peut être d’accord, c’est que peu importe à qui vous le demandez : la plupart des gens détestent les phases d’introduction tutoriel.

Aux yeux des joueurs et joueuses, ces phases sont :

• Longues, avant de pouvoir réellement jouer.

[…] Premier chapitre : Lent, ressenti comme un très long tutoriel sur 5-6 heures […]
- Avis Metacritic (traduit)

• Redondantes, pour celles et ceux avec de précédentes connaissances vidéoludiques.

J’ai 32 ans, j’ai joué à tous les jeux de tir multijoueurs ou ‘hero shooter’ qui existent, je n’ai vraiment pas besoin d’un tutoriel obligatoire de 15 minutes, […]
- Discussion Steam (traduite)

• Incompréhensible, pour certains genres de jeux selon certaines catégories de joueurs et joueuses.

[…] à quel point certaines mécaniques sont écrasantes et à quel point les tutoriels sont confus […]
- Avis Metacritic (traduit)

• Non-immersives3.

AVIS : Les deux premiers reproches prennent de l’ampleur, selon moi, avec l’introduction des jeux via les créateurs et créatrices de contenus et la récente tendance autour des démos.

Je connais beaucoup de personnes qui vont d’abord regarder des vidéos du jeu avant de décider si elles vont l’acheter. Pour peu qu’elles regardent un ‘Let’s Play’ ou une découverte en direct sur Twitch le jour de la sortie du jeu ; elles vont visionner une (ou plusieurs) fois la phase de tutoriel, en plus de devoir aussi la traverser après avoir acheté le jeu. Augmentant le sentiment de longueur ou de redondance s’il était déjà présent.

La publication d’une démo de jeu est en train de se normaliser, voire considérée comme essentielle au succès ‘marketing’ de son jeu4. Certains jeux vont choisir de mettre le début de leur aventure comme contenu de la démo. C’est là aussi un gros risque de redondance sur la phase de tutoriel.

Aux yeux des équipes de dév, les tutoriels sont :

• Longs à produire, ils mobilisent beaucoup de temps et d’expertises.

• Inopportuns, généralement réalisés vers la fin de la production, une fois que le reste du jeu est plutôt stable, mais rentrent parfois en conflit avec les tâches de peaufinage, voire les différents retards de production.

Ajoutez à cela leur temps de production et on comprend bien pourquoi les tutoriels ne sont pas aimés.

• Difficiles à concevoir, car l’équipe de développement est devenue vraiment familière avec les différents aspects de son jeu et a parfois du mal à considérer le point de vue des nouveaux joueurs et joueuses.

• Risqués, puisque faire un mauvais tutoriel a des conséquences sur la réception du jeu et sa rétention, en prenant le risque de perdre les joueurs et joueuses ; en plus de venir alimenter la “mauvaise presse” dont souffrent déjà les tutoriels.

Les freins à l’apprentissage

Quels sont les principaux freins à l’efficacité d’un tutoriel ? Qu’est-ce qui empêche les joueurs et joueuses d’apprendre et vient ajouter à leur mauvaise presse ?

• La motivation des joueurs et joueuses à jouer.

• Leurs expériences de jeux passées et leur capacité à transférer des connaissances d’un jeu à l’autre. Autrement appelé “littératie vidéoludique5”.

• Leur charge cognitive, liée à la complexité des mécaniques ainsi qu’à la gradation de l’apprentissage.

1. La motivation

Le plus gros frein aux tutoriels d’introduction, c’est la motivation des joueurs et joueuses à interagir avec le jeu.

Si rien ne les motive à continuer à jouer, il est probable qu’ils vont quitter le jeu pour ne jamais y retourner. Le danger des introductions tutoriels, c’est de vouloir leur apprendre tous les fondamentaux d’un coup, sans leur avoir d’abord donné envie d’en apprendre plus et de progresser dans le jeu. De la même façon qu’un livre, une série doit accrocher son public pour l’inciter à continuer ; un jeu vidéo doit investir ses joueurs et joueuses dans sa fantaisie avant de les ennuyer. Une fois embarqués, ils et elles vont volontairement chercher à en apprendre plus sur les systèmes et les détails du jeu6.

NOTE : Introduire la fantaisie du jeu n’a pas à être exclusivement ‘gameplay’. Certains jeux plus narratifs profitent d’une introduction de leur univers via des cinématiques ou des dialogues. Ce qui est important c’est d’être raccord avec la cible que l’on vise.

AVIS : Je pense également qu’une démo intelligente qui structure sa progression en sautant l’introduction pour montrer, hors contexte, les moments de ‘gameplay’ les plus intéressants7 a plus de chances de motiver celles et ceux qui lanceront le jeu par la suite, car ils savent déjà que le jeu sera cool plus tard.

Cela dit, puisque les personnes jouant aux démos et ajoutant le jeu à leur liste de souhaits ont un faible taux de chevauchement8, il est probable que peu de premiers joueurs et joueuses aient joué à la démo avant de lancer le jeu. Ils peuvent cependant avoir eu un aperçu des moments “cools” chez leur créateur et créatrice de contenu préféré.

Le manque de motivation est la principale cause qui va donner l’impression que l’introduction traîne en longueur. Tout le monde n’est pas toujours investi dès le départ.

Deux biais viennent renforcer cette erreur de jugement :

• Assumer (à tort) qu’un jeu est acheté puis consommé dans une période de temps proche, faisant suite aux campagnes de commercialisation du jeu. Même si la plus grande partie des ventes d’un jeu se fait aux alentours de sa sortie, de nombreux joueurs et joueuses n’y joueront que bien plus tard, voire jamais. Tandis que les autres attendront les prochaines soldes.9

Ce biais nous fait prendre le risque de créer une accroche qui n’est pas indépendante du contexte de sortie du jeu.

• Être trop familier avec le contenu de son propre jeu et oublier que les joueurs et joueuses n’ont pas connaissance de tous les détails que l’on pense “cool” et motivants.

On risque alors de délaisser la création d’une accroche parce qu’on connait déjà notre jeu par cœur.

2. La littératie vidéoludique

Le deuxième point avec beaucoup d’impact sur l’efficacité et l’appréciation des tutoriels est la capacité de reconnaître et d’utiliser notre expérience provenant d’autres jeux dans celui auquel nous jouons actuellement.

Cet héritage, construit par l’expérience, est ce qui va faire la différence entre un joueur occasionnel et une joueuse chevronnée. Il s’agit de l’accoutumance à la pratique des jeux vidéos.

Cette accoutumance va impacter à la fois le sentiment (ou non) de redondance dans les phases de tutoriels. Et à la fois, la bonne compréhension de mécaniques en se basant sur des antécédents. Tous deux vont fortement impacter la motivation : trop redondant et l’ennui arrive ; trop incompréhensible pour leur niveau de littératie et la frustration monte.

ANECDOTE : Le principe de littératie existe dans tous les domaines. Mon exemple le plus flagrant serait sur l’utilisation du numérique. J’ai grandi avec un PC dans la cave sur Windows 95 et j’ai reçu des cours en enseignement primaire et secondaire sur l’utilisation des ordinateurs et d’internet. J’ai donc internalisé les conventions de ces espaces (qui se sont en plus formalisées avec le temps) et je suis aujourd’hui capable de m’y retrouver sur à peu près n’importe quelle interface qui utilise des codes similaires, en piochant dans ma réserve de savoir. Au contraire de mes grands-parents qui n’ont jamais massivement utilisé les ordinateurs et ont seulement été autodidactes dans leur apprentissage. La différence est flagrante, mais elle n’est pas nécessairement due à l’âge ; car j’ai rencontré des jeunes sachant à peine se débrouiller sur un PC et je suis moi-même moins à l’aise pour des manipulations complexes sur téléphone.

C’est le même principe qui s’applique au jeu vidéo. Il crée une distinction forte entre différents niveaux d’habilité, pas seulement entre les joueurs et non-joueurs mais aussi en fonction des genres de jeux10.

Cela a comme conséquence qu’un même tutoriel ne va pas convenir à tous les publics. Et que les frictions qu’il provoque en fonction des niveaux de littératie sont exacerbées si le tutoriel est obligatoire. En même temps, certains joueurs et joueuses vont passer les tutoriels et ne pas comprendre le fonctionnement des mécaniques par la suite. Il est donc difficile de trouver un juste milieu.

3. La charge cognitive

Le troisième point qui vient impacter les tutoriels est la charge cognitive des joueurs et joueuses. Cet aspect est intimement lié à la littératie vidéoludique.

La charge cognitive représente l’effort mental à traiter une information et la retenir en mémoire. Elle est bien connue dans le domaine de l’expérience utilisateur (UX).

Quand [les éléments de jeu] sont complexes ou lorsqu'il y en a trop en même temps, cela peut surcharger la mémoire de travail des joueurs et joueuses (aka. surcharge cognitive). Et quand cela arrive, il leur devient plus difficile de traiter les informations, de prendre des décisions ou de s’impliquer dans le jeu.
- Corey Hobson : UX design Lead11

Le nerf de la guerre est de réduire la charge cognitive en jeu, pour éviter une surcharge, en réduisant la complexité et/ou la multiplicité des éléments présentés aux joueurs et joueuses.

Il existe plusieurs formes de charge cognitive :

• La charge intrinsèque : liée au traitement de la tâche ‘gameplay’ en cours. Qu’il s’agisse des mécaniques, des règles, des objectifs ou du but.

  • Cette charge peut être réduite en supprimant de la complexité dans les activités de jeu.

• La charge extrinsèque : liée à comment les éléments sont présentés à celles et ceux qui la reçoivent. Il s’agit généralement de l’interface, des contrôles, ou de la pléthore de stimuli visuels et sonores.

  • Sa complexité peut être réduite en simplifiant la présentation de l’information.

• Dernièrement, la charge essentielle : représente la construction de schémas mentaux qui seront retenus sur le long terme. Elle se développe par la répétition de tâches en jeu.

  • Elle permet de réduire la charge intrinsèque et extrinsèque à mesure que de nouveaux schémas sont construits et réutilisés dans le futur.

  • Elle participe grandement au développement de la littératie vidéoludique, en retenant des informations sur le long terme.

  • Une bonne motivation à apprendre est essentielle pour faciliter la création de nouveaux schémas mentaux.

La surcharge cognitive a un impact direct sur les capacités d’apprentissages en jeu et son appréciation, car elle peut participer à créer de la frustration et démotiver les joueurs et joueuses.

Récapitulatif

Dans cette partie, nous avons vu que :

• La motivation pendant l’introduction est essentielle pour donner de l’intérêt au jeu, l’envie de comprendre ses mécaniques, et aller s’intéresser aux tutoriels par soi-même.

• Les tutoriels ont différentes efficacités et appréciations entre les groupes de différents niveaux de littératie vidéoludique.

• La charge cognitive a un fort impact sur les performances des joueurs et joueuses, leur apprentissage sur le long terme et leur motivation (‘burnout’12).

Se passer de tutoriels

Puisque les introductions tutoriels sont si controversées et que l’on vient de voir plusieurs aspects de l’apprentissage, la question se pose quand même si on peut se passer de tutoriels dans notre jeu.

• La réponse courte : non. C’est une très mauvaise idée.

• La réponse longue : parfois, sous certaines conditions propres à votre public et votre jeu.

Ces dernières étant le niveau de littératie vidéoludique de vos joueurs et joueuses, et le niveau de charge cognitive des tâches du jeu.

La littératie

Des joueurs et joueuses chevronnés vont déjà utiliser leurs connaissances passées sur des jeux similaires pour les appliquer au vôtre. De ce fait, si l’on respecte les codes instaurés par d’autres jeux du même genre, et que l’on s’assure que notre cible a joué à cesdits jeux, alors il serait possible d’alléger les tutoriels trop basiques.

Sauf qu’en pratique, un jeu va souvent viser un public large et va forcément toucher des joueurs et joueuses non-chevronnés (surtout s’il se vend beaucoup). Donc, ne pas faire de tutoriel est bien une mauvaise idée.

Par contre, cela nous permet de déceler deux nouveaux critères pour améliorer les tutoriels :

• Les mécaniques complexes ou originales ont besoin d’être le centre d’attention de l’apprentissage avec des explications plus approfondies, car même les joueurs et joueuses chevronnés ne vont pas nécessairement pouvoir tirer profit de leur littératie vidéoludique.

• Les mécaniques courantes entre plusieurs jeux seront les plus gros points de friction entre les joueurs et joueuses de différents niveaux de littératie. Certains en ont besoin, d’autres non. Certains vont les trouver ennuyants, d’autres non.

On peut donc catégoriser les tutoriels de mécaniques selon plusieurs niveaux d’accoutumance et :

• Soit prévoir plusieurs parcours d’apprentissage selon les joueurs et joueuses.

• Soit réduire les frictions là où elles arrivent. Par exemple, ne pas mettre en pause le jeu pendant l’apprentissage des déplacements de base du personnage, pour permettre aux chevronnés de plus rapidement passer ces phases-là.

La difficulté cognitive

Il y a encore des débats sur l’efficacité des tutoriels dans des jeux avec des fonctionnalités très simples13. Je pense par exemple à des ‘hypercasual’ ou à certains ‘visual novel’.

Cependant, il est clair qu’un jeu minimaliste dans ses éléments ou son interface va proportionnellement avoir des tutoriels moins longs et moins nombreux. Amenant à une charge cognitive plus basse pour les joueurs et joueuses. Mais je ne pense pas qu’il s’agisse tant d’une volonté de se passer de tutoriels que de la conséquence d’avoir à enseigner moins d’éléments.

Penser de meilleurs tutoriels

Tournons-nous maintenant vers ce que l’on peut concrètement faire pour améliorer nos tutoriels.

Le conseil évident, c’est de faire des les ‘playtests’ pour itérer dessus en fonction des différents problèmes remontés durant l’article. Mais c’est une remarque peu pertinente dans le cas où vous souhaitez des conseils pour justement réduire les contraintes de temps et d’expertise à la conception d’un tutoriel en premier lieu.

À la place, j’aimerais donner quelques conseils qui serviront en amont de la création de tutoriels et peuvent s’appliquer à la phase de réflexion et production.

1. Intéresser dès l’introduction

Comme noté plus tôt, la motivation est un aspect central pour faciliter l’implication des joueurs et joueuses dans l’apprentissage, sur le court et long terme. Comment est-ce que l’on peut générer de l’intérêt dans l’introduction de notre jeu ? Je propose de faire un parallèle avec le concept d’incipit.

Incipit

L’incipit désigne les premiers moments d’une œuvre : les premiers mots (ou pages) pour un livre, les premières images et sons pour un film, les premières planches pour une bande dessinée. Pour un jeu vidéo, je l’associe au démarrage d’un jeu, donc à son introduction vraisemblablement14.

En lettres modernes, l’incipit a pour rôle de :

• Définir le genre littéraire du récit et le point de vue narratif.

• Susciter l’intérêt du lecteur à poursuivre sa lecture.

• Informer sur le contexte initial (parfois futur) du monde, en mettant en place : les lieux, les personnages et la temporalité.

• Immerger le lecteur dans le récit via un angle d’approche : les guider vers la prochaine étape de l’intrigue.

Dans un jeu vidéo, je traduirais ces fonctions en :

• Faire comprendre le genre du jeu :

  • En utilisant les codes connus du genre auquel appartient votre jeu. Jouer sur les ressemblances avec des jeux similaires, pour faciliter l’association mentale des expériences passées et donner un sentiment de familiarité, qui viennent réduire la charge cognitive de la découverte.

• Susciter l’intérêt des joueurs et joueuses :

  • Stimuler leur attention et curiosité pour leur donner envie de continuer à jouer. Je n’ai pas vraiment de conseils à ce sujet, soyez original ou efficace. Il peut s’agir d’une séquence de jeu à haute tension, d’un rebondissement narratif ou ‘gameplay’, d’une ambiance mystérieuse, d’un point d’intérêt dans le lointain, d’une promesse d’expérience dans la progression, etc.

  • Faire comprendre le genre de jeu permet aussi de susciter l’intérêt pour un public averti. S’ils cherchent une expérience horrifique et que vous démontrez des codes du genre, alors ils sauront qu’ils peuvent s’attendre à une bonne frousse en continuant à jouer.

• Introduire (ou non) le contexte narratif du jeu :

  • Poser les bases de votre monde et de la temporalité des personnages. Même des jeux avec un épais voile de mystère sur leur monde ont généralement une courte introduction, comme “VVVVVV”(2010), “Rain World”(2017), “Hollow Knight”(2017), “Little Nightmares“(2017). Les premières images d’un jeu suffisent en général à poser un décor, même sans dialogue d’exposition ou sans narration prononcée.

  • Votre introduction narrative peut aussi servir à susciter de la curiosité pour le jeu, comme le montrent les noms cités ci-dessus.

• Engager les joueurs et joueuses en les faisant prendre en main le jeu :

  • Pour un média interactif comme le jeu vidéo, il est nécessaire d’interagir, de s’impliquer et de prendre des décisions, via le ‘gameplay’, pour réellement prendre part à l’expérience15.

  • La prise en main permet aussi de confirmer, par la pratique, certains codes du genre. Que votre jeu de tir soit plutôt arcade ou tactique, cela se fera surtout sentir dans le maniement des premiers déplacements, pas forcément dans vos cinématiques de début.

Voir votre introduction comme un incipit donne la possibilité de préparer en amont une ébauche pour votre introduction, et d’avoir une vision à partager avec d’autres corps de métiers pour la réaliser.

ASTUCE : Si vous arrivez à convaincre vos collègues et/ou supérieurs qu’améliorer la qualité de l’introduction va aussi servir les tutoriels. Vous pourrez utiliser certains moyens alloués à cet objectif pour créer de meilleurs tutoriels, car ça deviendra un objectif commun et non plus limité à un département spécifique du studio.

2. Étaler l’apprentissage

Il m’arrive encore de jouer à des jeux qui vont introduire beaucoup trop d’éléments dans les premières dizaines de minutes. Que ce soit le résultat de biais, des contraintes de production ou d’un manque de connaissance en expérience utilisateur.

Ce que j’essaye de diffuser avec ma définition de ce qu’est un tutoriel16, et que d’autres contenus abordent avant moi ; c’est que les tutoriels ne sont pas exclusifs à l’introduction d’un jeu et peuvent être répartis sur toute la durée de l’expérience.

En fonction de la classification des mécaniques introduites (importance, niveau de détail, etc.), les tutoriels peuvent êtres :

1. Présentés sous différentes formes.

2. Présentés de façon espacée entre les sessions de jeux.

Une mécanique avec plusieurs niveaux de complexité peut très bien être introduite sommairement en début de jeu, puis, une fois incorporée et utilisée régulièrement, rentrer plus dans les détails lorsque les défis se corseront.17

ANECDOTE : Certains développeurs et développeuses défendent même la non-divulgation de certaines nuances pour laisser de la place à la découverte par exploration.

Les joueurs et joueuses préfèrent des tutoriels de petites tailles, qui font une distinction claire entre un contenu essentiel et non essentiel dans le contexte présent18, qui permettent une certaine liberté d’expérimentation, ainsi que des ‘feedback’ opportuns à l’apprentissage, et la possibilité d’avoir accès aux ressources tutoriels précédentes par eux-mêmes19.

Étaler ces petits tutoriels à plusieurs moments du jeu, et sur plusieurs niveaux de détails, permet de diviser la charge cognitive de certaines informations en morceaux plus facilement digestes pour les joueurs et joueuses. Et de les inclure de façon plus naturelle dans le rythme du jeu.

3. Proposer plusieurs tutoriels

Plusieurs routes

Pour adapter les tutoriels à différents niveaux de littératie vidéoludique, il serait possible de proposer plusieurs versions avec des explications et points d’attention différents en fonction des niveaux.

• Des joueurs et joueuses chevronnés, sur des jeux similaires, vont préférer des tutoriels implicites20 et se servir de leurs expériences passées pour s’adapter aux mécaniques communes.

• Des joueurs et joueuses novices ont besoin d’un accompagnement plus prononcé sur les basiques pour apprendre à jouer.

• Des joueurs et joueuses intermédiaires vont préférer des tutoriels implicites mais bénéficient mieux de tutoriels explicites pour apprendre, car leur littératie vidéoludique ne leur permet pas encore d’être totalement autonome,.21

Lors de la planification, catégoriser le contenu des tutoriels et leur pertinence en fonction des différents types de joueurs et joueuses servira à préparer une intégration plus minutieuse.

Une autre façon élégante est de proposer un raccourci ou parcours alternatif, pour finir le niveau du tutoriel, qui utilise des mécaniques avancées du jeu. Ainsi les joueurs et joueuses novices n’ont simplement pas les capacités pour emprunter le raccourci et vont choisir le chemin principal, tandis que des chevronnés peuvent s’appuyer sur leur expérience pour finir le niveau plus vite et sentir leur expertise mise en valeur. C’est particulièrement approprié aux jeux utilisant du ‘level design’ dans sa progression.

Le plus gros défaut de cette option c’est l’alourdissement du coût de production pour créer différents tutoriels.

NOTE : L’introduction tutoriel de la campagne de “Titanfall 2”(2016) sert une fonction similaire, mais en proposant un tableau des scores avec le temps écoulé pour avoir complété la salle. Poussant ainsi à battre son propre score et celui des autres pour montrer sa maîtrise ; même si le parcours reste le même pour tous les niveaux.

Une autre façon de faire serait d’étiqueter les paragraphes ou les bulles de didacticiels par catégorie, et d’utiliser la soustraction pour masquer certains éléments en fonction du profil du joueur et de la joueuse. Par exemple, ne pas montrer le panneau didacticiel pour viser avec la souris si la joueuse est déjà habituée aux jeux de tir.

Questionnaire déclaratif

Afin de pouvoir guider les joueurs et joueuses vers la route qui leur convient le mieux, on peut faire un rapide sondage déclaratif au lancement d’une partie. Exemple :

• “Avez-vous déjà joué à un ‘deck building’ ?”22

• “Oui”/ “Non”.

Et changer le type de tutoriel en fonction.

Des jeux comme la série des “Total War”(2022 - 2023) demandent aux joueurs et joueuses s’ils sont familiers avec la série ou non, afin de personnaliser leur première expérience avec le jeu. “Road 96”(2021) propose lui aussi un questionnaire au lancement du jeu, je n’ai aucune idée s’il a un impact sur les premières scénettes qui vous sont présentées ou s’il sert simplement à poser une atmosphère (incipit).

Puisqu’aujourd’hui les jeux grands publics commencent tous par faire défiler certaines options d’accessibilité ou de ‘gameplay’ au lancement d’une partie, il serait possible de rajouter quelques questions pour jauger la littératie vidéoludique du joueur ou de la joueuse en amont.

4. Entretenir la motivation

Dans cette autre publication, je parle des différentes phases d’apprentissages pour enseigner une mécanique de jeu et maintenir la motivation à utiliser ladite mécanique (chapitre 4. L’apprentissage). Je pense que le fait d’entretenir la motivation d’utiliser chaque mécanique est le meilleur moyen de donner envie d’apprendre des utilisations plus complexes en jeu. Ce qui viendra faciliter la digestion des tutoriels liés à cette dernière, encore plus si les tutoriels sont répartis dans la durée comme expliqué dans la partie ci-dessus.

Je ne vais pas réexpliquer en détail ce qui est écrit dans la publication, mais pour être succinct : la courbe d’apprentissage et les différents défis à surmonter sont les outils principaux pour entretenir la motivation d’utiliser une mécanique de jeu. Ils vont graduellement introduire de la complexité avec des défis proportionnels, afin de renouveler l’expérience sur le long terme et d’éviter un épuisement de la mécanique. De bons tutoriels sont aussi nécessaires pour éviter une surcharge cognitive ou une frustration.

5. Boucle de jeu compatible avec l’apprentissage

L’accessibilité dans la boucle de jeu

Un jeu m’a particulièrement surpris l’année dernière dans ce domaine. Il s’agit de “Forestrike”(2025), un Beat Them all ‘roguelike’ 2D.

Sa mécanique principale est la “Préméditation”, qui permet de jouer un écran de combat sans conséquence en cas d’échec. Chaque combat de préméditation est “pour du beurre”, et peut être recommencé à l’infini, jusqu’à ce qu’on se sente prêt à lancer le combat pour de vrai. Cet élément est au cœur du jeu, son ‘gameplay’ et son histoire.

De mon point de vue, il s’agit d’une mécanique d’accessibilité incroyable car elle offre un environnement sûr pour expérimenter avec le ‘gameplay’ de combat et réduire la pression de performance. C’est comme lancer une phase d’entraînement avant chaque combat23. Ce qui en fait un parfait environnement pour faire fructifier l’apprentissage, peu importe le niveau de littératie vidéoludique.

NOTE : Il se différencie des ‘Die and retry’e, comme la série des “Hotline Miami”(2012, 2015), qui propose une réapparition instantanée au début du niveau, permettant d’enchaîner les essais très rapidement ; en supprimant la frustration d’un échec du point de vu des joueurs et joueuses, car la “préméditation” justement ne “compte pas”. C’est une duperie psychologique efficace, qui joue sur une différence de présentation et sur le contraste avec une “vraie défaite”, incarnée par la boucle ‘roguelike’ de recommencer sa partie du début.

Mot de la fin

Derrière mon titre provocateur qui provient d’un ressenti, sans doute pas unanime mais bruyant, des communautés de joueurs et joueuses ; je cherche avant tout à déconstruire certaines préconceptions sur les tutoriels pour établir un environnement de développement plus sain à leur encontre.

Je suis convaincu que l’apprentissage des mécaniques de jeu est un domaine qui va au-delà d’un petit groupe de designers dans leur projet, et qu’il s’agit d’un sujet transversal à toute l’équipe de production, pour peu qu’elle se sente concernée et intéressée par le sujet.

Voici la fin de cette publication. J’espère qu’elle vous aura plu et motivé à tester de nouvelles choses sur vos projets.

Merci pour votre lecture !

Remerciements à UX Explorer pour la relecture.

Jon Ingold est pour moi un pionnier qui a su transformer des concepts littéraires pour créer des structures adaptées à la fiction du jeu vidéo. Cette conférence est une de mes favorites, car elle remet le récit au centre du jeu et fait part d’une réflexion autour d’une structure utilisée (presque) par réflexe chez les designers, pour lui apporter une nouvelle forme et une nouvelle valeur dans l’expérience.

Source

GDC2017 | 27 février - 3 mars 2017

• Jon Ingold : Directeur narratif chez inkle.

Sommaire

• Introduction

• Rencontres VS Quêtes

  • 1. La structure des Quêtes

  • 2. La structure des Rencontres

  • 3.  Implémenter contre toute éventualité 

• Modélisation des états

• Conlusion

Introduction

La série des quatre jeux textuels “Sorcery!”(2013-2016) par inkle est adaptée de la saga de livres “Sorcery!”(1983-1985), écrite par Steve Jackson ; un livre-jeu à choix multiple de la collection “Un livre dont vous êtes le héros”. Chaque jeu de la série évolue différemment dans leur structure.

• “Sorcery!”(2013) : un jeu linéaire1 avec des embranchements.

• “Sorcery! 2”(2014) : un jeu qui se déroule dans une ville, mais avec la possibilité de revisiter des rues ou des quartiers jusqu’à avoir épuisé le contenu.

• “Sorcery! 3”(2015) : un jeu avec une navigation entre plusieurs régions, des contrées sauvages, avec la possibilité de revenir dans une région déjà visitée autant de fois que voulue.

  • Ce troisième jeu, ressemble à un monde ouvert, mais n’en est toutefois pas un. inkle s’est en effet reposé sur le principe ”Ce qui se passe à Vegas, reste à Vegas” : les actions du joueur dans une région n’ont aucun impact sur le fil des évènements dans les autres régions.

• “Sorcery! 4”(2016) : comme “Sorcery! 2”(2014), se déroule dans une seule ville, mais les personnages rencontrés gardent en mémoire vos actions, parlent entre eux et sont au courant des évènements qui se passent dans la ville.

Si la navigation des joueurs et joueuses est “ouverte” et, en apparence “dynamique/adaptative”, inkle ne qualifie pas les “Sorcery!”(2013-2016) de mondes-ouvert. Ces derniers ne suivent pas les codes usuels du genre, à savoir :

• Des lieux ré-visitables à l’infini et dans un ordre libre.

• Des PNJ qui parlent indéfiniment, mais finissent par radoter.

• Le besoin de répéter des tâches pour améliorer son personnage.

inkle considère leurs jeux comme des jeux à embranchement narratif, car la narration est contrôlée de bout en bout par les développeurs. Cela vaut aussi pour “Sorcery! 3”(2015) et 4, car, de leur point de vue, ce sont avant tout des jeux à embranchements qui prennent en compte le fait que le joueur puisse se déplacer librement.

Rencontres VS Quêtes

Pour structurer la narration de leurs jeux, inkle n’utilise pas un systême classique de “Quêtes”. À la place, ils se reposent sur le concept de “Rencontres”.

1. La structure des Quêtes

Voici comment Jon caractérise le déroulé d’une “Quête” :

1. Rencontrer quelqu’un.

2. Aller quelque part.

3. Faire quelque chose / Récupérer quelque chose.

4. Retourner voir le quelqu’un.

5. Recevoir la récompense.

Jon illustre cette structure par un exemple dans “The Witcher 3: Wild Hunt”(2015), qu’il trouve bien écrit, mais rempli de cette structure.

1. Un paysan prévient qu’il y a un loup dans la forêt.

2. Geralt va dans la forêt et tombe sur le loup.

3. Geralt tue le loup et récupère sa tête.

4. Geralt retourne voir le paysan et lui présente la tête.

5. Le paysan offre un poulet en récompense.

Une fois ces étapes complétées, la quête est accomplie, et le récit qui s’y associe a été transmis. Cependant, cette structuration de la narration pose plusieurs problèmes, car elle est rigide :

• Pourquoi le paysan de fait rien au sujet du loup et attend docilement la venue d’un sauveur ?

• Si Geralt décide de ne pas l’aider, pourquoi ne réagit-il pas ?

  • Les joueurs et joueuses sont bien conscients que le jeu attend que les étapes de la quête soient validées pour continuer, mais du point de vue narratif, ils sont obligés de suspendre leur incrédulité pour que l’histoire reste cohérente.

• Pourquoi Geralt ne croise-t-il pas de loup dans la forêt si il s’y rend avant d’avoir parlé au paysan ?

  • Cela est plus ou moins convenu dans les jeux, mais ils courent le risque d’avoir des joueurs et joueuses qui visitent la carte pour ne rien trouver d’intéressant à faire (déception), et vont être réticents à faire une 2eme fois le trajet pour une quête, n’ayant rien découvert par eux-mêmes.

• Pourquoi, mis à part le paysan, personne d’autre ne se soucie du Loup ?

  • La structure d’une Quête exige de commencer par le paysan, car elle se termine par lui. Le système n’autorise pas d’autres PNJs à parler du loup, car la quête ne fonctionne pas avec eux. Ils peuvent seulement diriger les joueurs et joueuses dans la direction du paysan ou y faire allusion.

Le premier jeu “Sorcery!”(2013), résout déjà tous ces problèmes grâce au système dit de “Rencontres”.

2. La structure des Rencontres

Provenant de la conception de jeux-livres et du monde du jeu de rôle, le terme définit un évènement vers lequel les joueurs et joueuses convergent. La rencontre se déroule, puis l’histoire principale continue une fois la rencontre résolue. Dans un embranchement narratif, les joueurs et joueuses vont atteindre cet évènement en venant des chemins différents : ils n’auront pas tous pris la même direction, la même séquence d’évènements.

Dans le cas de l’exemple ci-dessus : les joueurs et joueuses sont soit au courant pour le loup, soit ne le sont pas. Ils vont rencontrer et tuer le loup. Puis le loup n’est plus et l’histoire continue.

Pour créer une narration cohérente à cette quête, il faut créer 2 Rencontres2 : une à la maison du paysan, l’autre dans la forêt avec le loup. Le processus de conception pour étoffer le récit de cet évènement passe par un jeu d’aller-retour sur les différentes possibilités et conditions liées :

1. (chemin initial)

   1. À la maison, on peut rencontrer le paysan qui parlera du loup.

   2. Dans la forêt, on peut avoir rencontré le loup et le tuer.

2. (réflexion sur l’ordre de déroulement) À la maison, on peut rencontrer le paysan et avoir déjà vu le loup si on est passé par la forêt en premier. Quand il nous parlera du loup, on peut lui répondre :

   1. qu’on l’a déjà vu.

   2. qu’on l’a déjà tué.

   3. ou lui présenter la tête coupée du loup si dans l’inventaire.

3. (réflexion sur les actions possibles en forêt) Dans la forêt, on peut rencontrer le loup et choisir de fuir. C’est un choix raisonnable en rencontrant un animal sauvage, surtout sans promesse de récompense à la clé.

• Maintenant, le joueur et la joueuse sont capables de rebondir entre ces deux scènes de façon organique. Si l’on rencontre le paysan après (3.) notre personnage pourra lui répondre (2.a.). Et si le paysan nous parle du loup, qu’on va dans la forêt et que l’on fuit… Ah ! Il faudrait prévoir ce cas.

4. (réflexion sur une nouvelle combinaison) À la maison, on revisite le paysan pour lui dire qu’on n’a toujours pas tué le loup. Le paysan peut commencer à montrer du mécontentement et devenir impatient.

5. (réflexion sur les actions possibles) Dans la forêt, on peut rencontrer le loup une seconde fois. Si on le tue, la narration est déjà couverte (2.b. ou c.). Mais que se passe-t-il si l’on fuit de nouveau et retourne voir le paysan ?

6. (réflexion sur les conséquences de nos actions) Il est temps de finir cet arc narratif qui commence à devenir comique avec tous ces aller-retours : À la maison, peut-être que le paysan n’est plus là. C’est un avantage, car il n’y a pas besoin de créer de nouvelles lignes pour un personnage qui n’est plus.

7. (réflexion sur les conséquences de nos actions) De retour dans la forêt, il n’y a plus de loup et on retrouve le chapeau mâché du paysan sur le sol.

Ces allers-retours ont permis de créer une seconde fin pour le récit. Mais dans les deux cas, le problème du loup a disparu du monde et une histoire a été racontée.

Voici le récapitulatif de la Rencontre à la maison du paysan en forme de schéma. Le rouge correspond à du contenu, le bleu à une condition dans le code.

À noter que même si le paysan s’en va chasser le loup lui-même, il laisse son poulet derrière. Donc si la récompense (le poulet) est importante au bon déroulement du jeu, elle n’est pas perdue.

NOTES : Ici la richesse ne vient pas de l’objet acquis en récompense, mais de l’histoire qui s’est racontée. C’est un focus plus narratif et émotionnel que d’accomplir une quête uniquement pour la valeur de la récompense.

C’est de cette façon que “Sorcery!”(2013) a été créé. Ils commencent par une simple ébauche de quête, puis font du ping-pong avec l’histoire pour remplir de manière cohérente les possibilités et trouver des points de chutes au récit.

3.  Implémenter contre toute éventualité 

Dans un jeu comprenant des dizaines, voire des centaines de rencontres, il est très facile d’oublier une combinaison, de ne pas anticiper une situation particulière, et donc d’introduire par inadvertance un résultat “improbable” et incohérent en jeu. Pour minimiser les risques, Jon présente des fondamentaux de la création de rencontres, utilisant le principe de logique défensive :

A. Chaque Rencontre est construite sur-mesure (ad-hoc)

Chaque scénette est écrite pour fonctionner peu importe l’état du jeu. Il n’y a pas de suppositions sur ce que les joueurs et joueuses savent ou ne savent pas, en arrivant par exemple : à la maison du paysan, dans la forêt, ou à la tour de l’arche mage.

• Cela consiste à écrire une scène qui marchera dans plusieurs situations sans faire de référence spécifique et/ou à prévoir des variantes pour chaque possibilité proposée aux joueurs et joueuses dans l’aventure.

• Cela implique aussi de prévoir les cas impossibles. Ex : “ne pas savoir que le Boss final est dans la dernière salle de la tour” ou “prévoir la présence d’un compagnon qui n’apparaît que plus tard dans le jeu“. Parce qu’il est plus simple pour eux de prévoir cette possibilité3 que d’enquêter sur chaque état possible du jeu à ce moment-là. Et parfois, à force d’allers-retours durant le projet, ce qui était impossible devient possible : si vous avez prévu le coup, les joueurs pensent que vous êtes des magiciens ; si vous ne l’avez pas fait, vous devrez le corriger car on vous reprochera d’avoir oublié.

B. Chaque dialogue et action est gardée par des pré-conditions

Pour s’assurer de ne pas se tromper, Ex : “si un dialogue requiert la présence de l’assassin Flanker” ; chaque bulle de dialogue va vérifier que Flanker est présent avant de se lancer. Même si elles se suivent, dans le cas où la situation est modifiée plus tard pendant le développement.

C. Prévoir un choix de repli pour chaque situation

Les choix de replis sont utilisés quand aucune pré-condition n’est remplie ou quand le contenu est épuisé mais que les joueurs et joueuses continuent de revenir au même endroit. C’est également utile pour se protéger des situations improbables et ne pas bloquer le jeu.

• Ces choix de repli ont besoin d’être suffisants pour ne pas bloquer le déroulé du jeu, mais ils n’ont pas à être intéressant ; car ils servent surtout à se prémunir contre des comportements improbables des joueurs et joueuses ou découragés par les auteurs, et ne cherchent pas à les récompenser par de la bonne narration.4

Modélisation des états

Dans un monde-ouvert traditionnel, il est très simple d’identifier l’état de l’intrigue et les informations qu’ont les joueurs et joueuses. Les quêtes traditionnelles étant une suite d’événements prédéfinis, il suffit de regarder la progression dans la quête pour savoir exactement ce qui a été fait et ce qui se sait.

Cette façon de faire est très solide. Simple à vérifier et à utiliser. Mais inkle ne peuvent pas employer la même méthode, à cause de leur système de Rencontres et du principe de design ad-hoc vu au-dessus. Il faut donc trouver un moyen pour le jeu de vérifier l’état de l’intrigue à l’instant T, afin de proposer les bons dialogues.

inkle modélise les états des entités sous forme de “chaîne de connaissances”5. Ces chaînes sont utilisées comme des machines à états pour identifier l’état d’une entité à un instant T, et faire des comparaisons pour avoir une vision globale de l’intrigue en cours.

Ces machines à états obéissent à plusieurs règles :

• Ces chaînes ne sont pas visibles aux joueurs et joueuses.

• Elles n’ont pas pour but d’être complété jusqu’au bout. La plupart seront même mutuellement exclusives au sein d’une même entité, quand elles concernent un même évènement.

• Chaque état implique celui qui le précède*.

• Il n’est pas possible de revenir à un état précédent.6

Ce ne sont pas des objectifs à atteindre pour le joueur ou la joueuse, mais un support pour que le designer narratif puisse comprendre ce qui se passe d’instant en instant.

1. Insinuer l’état précédant

Chaque état est comme un marquage sur une échelle de crue : si l’eau atteint un certain niveau, tout ce qui est dessous est aussi submergé. Dans cette modélisation, si un état est VRAI, tous ceux qui précèdent sont aussi VRAI.

Si dans l’histoire, je suis à un point où ces états sont VRAI :

• J’ai vu le loup ; Le paysan m’a parlé du loup ; Le paysan est impatient.

Cela implique que :

• Je suis au courant que le loup existe & Je l’ai vu ; J’ai rencontré le paysan & Il m’a parlé du loup ; Le paysan est impatient, car je n’ai pas encore tué le loup.

Cette règle permet de grandement simplifier la gestion des différents états des entités. Étant donné que la chaîne est une suite logique, si un état est validé, tous les états le précédant de la chaîne sont automatiquement validés (les connaissances s’additionnent). Cela permet également de pouvoir itérer sur le contenu des chaînes de connaissance a posteriori, sans casser les vérifications déjà en place dans le code.

2. Vérifier l’état du jeu

inkle utilisent principalement 3 types de test pour orienter la narration en fonction de l’état d’une entité :

A. État atteint… ?

Est-ce que l’état X a été atteint ? = Renvoie un VRAI ou FAUX comme réponse.

Sur cet exemple : le joueur est au courant de la présence du loup (VRAI), il a vu le loup (VRAI), mais ne l’a pas encore tué (FAUX).

B. Entre les états… ?

Est-ce que le joueur ou la joueuse est entre l’état X et l’état Y ? = Renvoie un VRAI ou FAUX comme réponse.

Sur cet exemple : si le joueur est entre “A entendu parler du loup” (VRAI) et “A tué le loup” (FAUX), alors il s’attend à trouver un loup dans la forêt. Et je peux utiliser cette information pour changer comment la narration introduit son entrée dans la forêt, en connaissance de cette attente.

Si le joueur est entre “A rencontré le paysan.” (VRAI) et “Le paysan a disparu.” (FAUX), peu importe la disposition réelle du récit, il suppose que le paysan est chez lui. Que ce dernier soit impatient, heureux, triste ou autre, ne change rien. Si le joueur l’a rencontré et qu’il n’a pas disparu, il s’attend à le trouver dans sa maison.

C. Changer d’état

Dans leur façon de faire, la commande pour changer d’état ne fait rien si l’état est déjà atteint (VRAI). D’où l’idée de ne pas pouvoir revenir à un état précédent. Changer vers un état plus loin dans la chaîne va automatiquement valider les états précédents.

Sur cet exemple : changer d’état vers “Avoir connaissance du loup.” alors que le loup a déjà été vu ne va rien changer dans la machine à état.

Changer d’état vers “Paysan retrouvé mort.” va traverser les différents états jusqu’à atteindre ce dernier. Et à partir de là, on s’attend à ce que “Paysan disparu.” soit également VRAI puisque l’état suivant a été atteint. Si plus tard dans le jeu, une pré-condition demande si le “Paysan a disparu.”, l’histoire va recevoir un VRAI puisqu'il a été retrouvé mort, on s’attend à ce qu’il ait disparu de chez lui.

3. Cas complexes

Les requêtes de vérifications permettent d’avoir une vue claire de l’état actuel du monde rapidement et simplement, tout en permettant une grande granularité pour tester des combinaisons spéciales.

Ces machines d’états ne sont pas des suites logiques d’événements, comme les quêtes, mais des suites logiques de connaissances. Elles démontrent les liens de causalité et représentent le savoir des joueurs et joueuses, ou celui de l’intrigue plus généralement. Elles permettent de couvrir un grand spectre de cas complexes à retracer.

Par exemple : après avoir joué au jeu pendant un moment, voici l’état des chaînes de connaissances. Grâce à ces informations, je peux retrouver ce qui est arrivé aux joueurs et joueuses durant leur partie : “Le paysan m’a parlé du loup, mais je n’ai rien fait. Il est devenu impatient et est parti le tuer. J’ai trouvé son corps, et j’ai tué le loup pour le venger.”

Ce récit n’existait pas en partant de l’exemple de quête initiale. Cette combinaison n’était pas prévue par le jeu avant d’utiliser les Rencontres. C’est un ensemble de petites pièces qui se sont emboîtées pour créer un évènement narratif unique, en fonction des actions du joueur ou joueuse. Ce n’est pas le genre de détails que l’on trouve dans les mondes-ouvert.

D’un point de vue narratif, les résultats sont excitants ! Et également très simple à se représenter. Dans cet exemple, il y a seulement 13 états7 à surveiller, pour beaucoup de subtilités possibles dans le récit : autant sur le résultat que sur le chemin par lequel on y arrive.

Conclusion

1. Bénéfices (inattendus)

L’équipe d’inkle n’a pas théorisé ce modèle avant la production. Ce modèle et son intégration sont le fruit des itérations sur les différents jeux “Sorcery!”(2013-2016) qui ont vu leur structure de jeu évoluer. Voici quelques bénéfices qui ont émergé :

• Une intrigue peut commencer de différentes façons. N’importe qui dans le village peut vous parler du loup dans la forêt et changer l’état à “Je suis au courant du loup.” Quand le personnage ira parler au paysan, il pourra le dire : “Je sais, mais je ne l’ai pas encore vu.”

  • À n’importe quel moment du processus d’écriture, je peux ajouter à cette rencontre. Je peux y faire allusion au début du jeu si je le souhaite, ou pour certaines personnes qui ont trouvé certains indices. Je peux le changer pendant les tests bêta ou autres.

• Je peux utiliser ces machines à états pour faire avancer l’intrigue.

  • Dans “Sorcery! 4”(2016) l’accès à la tour de l’arche mage est bloqué par des Portes. On commence l’aventure en ne sachant rien à leur sujet, jusqu’à apprendre qu’il faut un contre sort spécial pour chacune d’entre elles. Et n’importe quel PNJ dans le monde est capable de me donner un indice8 ou du texte d’ambiance à leur sujet. Peu importe qui on aide, ils pourront toujours me donner un indice sur la prochaine Porte : personne ne donnera jamais la réponse et personne ne répétera un indice que j’ai déjà eu. Grâce à la vérification de mon état actuel.

• Il est possible d’imiter un aspect “simulation” en couvrant tous les cas d’interactions logiques possibles.

  • Dans “Sorcery! 3”(2015), un objet qui provoque un combat quand jeter dans l’eau peut tout aussi bien se déclencher dans une rivière, une chute d’eau, un lac ou une fontaine.

  • Il est possible de créer des lots d’évènements lors d’un voyage, qui réagissent à différentes conditions ou moments dramatiques.

• Apporter des décisions “stratégiques” au jeu.

  • Dans “Sorcery! 4”(2016), il est possible de se déguiser pour passer inaperçu et changer les interactions des PNJs à son égard. Peu importe quand et comment les costumes sont découverts, chaque PNJ du jeu interagit avec chacun des costumes à n’importe quel moment du jeu. Les joueurs et joueuses peuvent donc prendre la décision de choisir d’optimiser leur chemin pour utiliser les déguisements et les auteurs n’ont pas à trop se soucier de ce qui est faisable ou non, puisque que tous les cas sont couverts.

• Des solutions “émergentes” aux défis du jeu seront trouvées. Le jeu le permettra puisque la progression ne sera pas bloquée, mais il faudra parfois ajouter du contenu pour récompenser des joueurs et joueuses qui réussissent l’impossible.

2. Coûts

• L’état du jeu à un instant “t” est imprédictible. Il n’est pas possible de garantir ce que les joueurs et joueuses ont fait dans le jeu.

  • Dans un autre jeu du stuio : “80 Days”(2015), il est possible de ne jamais avoir appris pourquoi on fait le tour du monde en 80 jours. Sur ce cas spécifique, inkle a pris la décision de supposer à partir de la moitié du jeu que Passe Partout a été informé en ellipse de la raison, car les joueurs et joueuses connaissent très certainement la raison même si leur personnage ne le sait pas.

  • Il est toujours possible de créer des goulots d’étranglement pour forcer tous les joueurs et joueuses de passer par cette étape. Pour garder l’illusion du choix, “Sorcery! 4”(2016) propose toujours au minimum 2 chemins d’entrés vers les différentes sections de la ville, mais les développeurs font en sorte de donner les informations importantes à la suite sur les deux entrées.

  • Il est souvent possible de forcer des rencontres importantes, mais les causes et interprétations des joueurs et joueuses seront variables9. Ce qui crée une certaine richesse dans leur expérience.

• Le coût le plus important est la redondance. La plupart du contenu créé ne sera pas vu par tous les joueurs et joueuses, mais il sera probablement vu par au moins une personne.

• Compte tenu de la présence beaucoup plus importante de vérifications logiques, le nombre de bug est, lui aussi, plus important. Ils sont aussi plus difficiles à trouver car il est possible de jouer de beaucoup plus de façons différentes. Mais la plupart du temps, il s’agit d’une pré-condition oubliée et cela reste facile à corriger une fois trouvé.

Prochaines itérations…

Le prochain jeu du studio est “Heaven’s Vault”(2019)10, qui propose des zones ouvertes mais il n’est pas possible de changer de zone librement.

Le jeu sera cette fois à la troisième personne avec des visuels et des doublages. Ce qui rend l’implémentation de situations émergentes impossible. Ils essayent de combler cela avec des dialogues émergents entre le protagoniste et son acolyte en fonction des situations.

Voici la fin de cette publication. J’espère qu’elle vous donnera de nouvelles idées pour structurer la narration dans votre jeu. Même si les contraintes de budget restent assez effrayantes pour implémenter ce concept dans un monde-ouvert, certains genres se prêteraient bien à l’exercice, je pense : les ‘visual novels’, les ‘walking sim’, le ‘point & click’ peut-être même, ou d’autres avec une emphase sur la narration.

Merci pour votre lecture !

Remerciements à Corto pour la relecture.

Dans la catégorie “Analyse”, j’étudie un ou plusieurs éléments particuliers d’un jeu, afin de mettre en lumière les dynamiques qu’il entraîne.

Temps de lecture : une 10zaine de minutes.

“Dragon Ball Super Card Game”(2017) est un jeu de carte à collectionner, dans l’univers de “Dragon Ball”. Deux joueurs ou joueuses s’affrontent jusqu’à réduire les points de vie de l’adversaire à zéro.

Depuis 2024, le jeu est séparé en deux versions : une branche “Fusion Worlds” qui propose une simplification des cartes et porte le jeu en digital sur PC. Et d’autre part, une branche “Masters” qui est la continuité du format physique d’origine. Les références spécifiques à une des deux versions seront annotées d’un (FW) ou (MS) en précision.

Sommaire

• Mes mécaniques favorites

  • 1. Système d’énergie

  • 2. Système de points de vie

  • 3. Capacité d’Évolution (MS)

• La place de l’univers “Dragon Ball”

• Mot de la fin

• Index - Les règles de base

Mes mécaniques favorites

NOTE : si vous avez déjà joué à des jeux de cartes à collectionner, vous devriez avoir plus de facilités à comprendre l’explication des mécaniques. Si vous préférez avoir une meilleure connaissance des règles de “Dragon Ball Super Card Game”(2017) pour vous aider à interpréter ce contenu, des explications plus détaillées sont disponibles en Index à la fin de l’article.

1. Système d’énergie

Pour invoquer une carte, il faut payer son coût en énergie (affiché en haut à gauche). Le numéro indique le nombre d’énergies à dépenser, et les pastilles rondes le nombre d’énergies de la couleur correspondante (ici rouge). La carte “Oob, force dissimulée” à un coût de 2 énergies rouges et 1 énergie non spécifiée, pour un coût total de 3.

Lors de la phase de recharge, après avoir pioché, le joueur peut choisir une carte de sa main à placer dans la zone d’Énergie. La spécificité est qu’il n’existe pas de carte de type Énergie. N’importe quelle carte présente dans le paquet peut servir d’énergie. Par exemple, si le joueur choisit de placer “Oob, force dissimulée“ dans sa zone d’Énergie, il aura alors +1 énergie de couleur rouge (la couleur étant indiquée par le contour de la carte). Une carte transformée en énergie devient inutilisable en dehors de cette fonction.

J’adore ce système, car il permet deux choses :

• Éviter un blocage du jeu dans le cas où l’on ne pioche pas de cartes énergie. Une situation qui m’est arrivée de nombreuses fois dans des parties de “Magic: The Gathering”(1993), avec les “cartes terrains”.

• Proposer des prises de décisions intéressantes1 à chaque tour. Le joueur reçoit un ‘aléatoire entrant’ sous la forme d’une carte piochée ; et doit maintenant décider, parmi les options dans sa main : s’il veut sacrifier une carte pour avoir une énergie supplémentaire, ou les garder, car il ou elle veut pouvoir les invoquer plus tard.

Le système offre des micro-décisions stratégiques à soupeser chaque nouveau tour, et permet de garder une fluidité de jeu.

2. Système de points de vie

En début de partie, chaque joueur commence avec 8 points de vie. Pour gagner, il faut faire tomber les points de vie de l’adversaire à zéro.

Les cartes de jeu sont utilisées comme points de vie. Après que les joueurs et joueuses aient tiré leur main, 8 cartes du dessus du paquet sont placées face cachée dans la zone de Vie. Lorsque le Leader prend un dégât, une carte de la zone de Vie est retirée et rajoutée à la main du joueur.

• Le contenu des 8 cartes est un mystère et ajoute un aspect imprévu au tirage. Un peu comme une deuxième pioche.

• Chaque point de vie perdu permet de récupérer une carte qui sera potentiellement utile pour la stratégie actuelle ou permettre de nouvelles opportunités d’action.

Ce système est super stimulant, car il permet des retournements de situations pour le joueur en difficulté. Par exemple, en prenant un dégât, le joueur peut se retrouver avec la carte maîtresse de son paquet dans sa main ; celle qu’il attendait de piocher depuis tout ce temps pour retourner la situation en sa faveur.

La tension de ne pas connaître en avance la carte qui sert de point de vie donne plus d’impact à la mécanique des points de vie2.

3. Capacité d’Évolution (MS)

Le mot-clé Évolution permet d’invoquer une carte3 pour un coût réduit, par-dessus la carte mentionnée dans leur condition. La carte Évolution remplacera l’ancienne carte sur le terrain (puissance, effets et puissance de Combo).

Par exemple : “Trunks, attaque en chaîne”, coûte 4 d’énergies dont 3 rouges ; il peut être invoqué pour 2 énergies rouges si une carte avec le critère “Personnage : Trunks (GT)” est déjà présente sur le plateau de jeu. En partie, elle pourrait être invoquée par-dessus “Trunks, le Début de l’Aventure” ou “Trunks, attaque foudroyante” au choix.

• Le mot-clé pousse à créer des combinaisons d’invocations pour réduire le coût effectif de ses cartes, tout en permettant de les jouer sans pour un coût plus élevé.

• La condition est flexible et permet d’être appliquée à des cartes de différentes extensions. Lorsque du contenu est ajouté au jeu, de nouvelles combinaisons deviennent possibles.

• Cette flexibilité permet de changer de stratégie en fonction du déroulement de la partie. Choisir de remplacer une carte plutôt qu’une autre pour maximiser l'utilisation de leurs effets respectifs.

En plus de correspondre à la fantaisie de l’univers “Dragon Ball”4, la profondeur du jeu est amplifiée par ce système très dynamique.

La place de l’univers “Dragon Ball”

L’univers de “Dragon Ball” met en scène les combats entre le groupe des protagonistes contre différents antagonistes qui menacent leurs vies. Les combats sont un mélange d’art martial et de l’utilisation du “Ki” pour projeter des attaques sous formes d’énergies ; ils s’affrontent aussi bien sur terre que sur différentes planètes aliens, lorsque des antagonistes belligérants se mettent à envahir la terre.

1. L’usage des nombres

• Pour rendre compte de l’intensité extrême des combats, les chiffres de puissances des cartes rentrent facilement dans les dizaines de milliers et ne comportent que des nombres entiers par centaines. Les cartes les plus faibles ont une puissance de 500, et on trouve des cartes à 5.000, 15.000, 25.000 de puissance ou plus. Ce choix met l’accent sur l’aspect époustouflant des combats dans l’univers.

• À l’opposé, l’utilisation d’un nombre à un chiffre unique pour les points de vie contraste ce premier point. J’irai même penser que les points de vie ont aussi pour but de représenter les boules de cristal légendaires (au nombre de sept), qui sont un élément central dans les aventures de la saga.

2. Le thème et les mécaniques

• L’utilisation d’une statistique unique pour la Puissance des cartes (au lieu de séparer attaque et défense), met en avant l’aspect agressif d’un combat et l’étalement de la puissance pure. Elle fait référence au “potentiel de combat” qui est calculé par certaines machines dans la diégèse de l’univers.

• La mécanique d’Éveil5 fait référence aux personnages qui débloquent leur potentiel lorsqu’ils sont proches de la défaite. Il s’agit d’un recours scénaristique très utilisé pour créer des retournements de situation dans la saga.

  

• L’Évolution fait référence aux transformations des “Saiyan” en “Super Saiyan” ; un concept emblématique de la série où, suite à un entraînement plus qu’intensif physique et émotionnel, les guerriers “Saiyan” peuvent décupler leur puissance en devenant des super-combattants. Les combattants ont la possibilité de débloquer plusieurs transformations au cours de leur vie, gagnant une puissance exponentielle. D’où la condition d’avoir le même Personnage déjà présent sur le terrain pour déclencher une Évolution.

• La mécanique de Combo, permet d’utiliser une carte Combat comme un consommable pour augmenter momentanément la puissance d’une carte durant la phase de combat. Elle rappelle différents moments de la saga où alliés et/ou ennemis unissent leurs forces dans une attaque commune pour vaincre un adversaire plus fort qu’eux.

Mot de la fin

Quand j’ai découvert “Dragon Ball Super Card Game”(2017) en 2017, j’ai été très impressionné par leur mélange des mécaniques avec l’univers.

Le système d’énergie, ainsi que la statistique de puissance rendaient les parties moins frustrantes et plus faciles à jouer. La flexibilité de l’Évolution et du Combo permet la naissance de nombreuses stratégies. Le système de point de vie et d’Éveil forcent les joueurs et joueuses à rester sur le qui-vive tout au long de la partie. L’ensemble s’intègre parfaitement à l’univers qu’ils utilisent.

Je ne connais pas l’état actuel de la popularité du jeu en France, mais j’ai rarement rencontré d’autres personnes ayant joué au jeu. C’est pour cela que je souhaite lui rendre hommage et partager les bonnes idées qu’il m’a fait découvrir.

Voici la fin de cette courte analyse sur des mécaniques qui m’ont particulièrement marquée. Étant en plus un grand lecteur des mangas “Dragon Ball”.

Merci pour votre lecture !

Index - Les règles de base

1. Les zones de jeu

À la sortie du jeu, il y avait 7 zones de jeu

1. La zone du Leader : l’emplacement de l’unique carte recto verso du paquet.

2. La zone de Combat : là où sont jouées les unités qui peuvent attaquer.

3. La zone de Vie : la réserve de points de vie du joueur.

4. La zone de Combo : la zone pour utiliser la mécanique de Combo pendant les phases de combat.

5. La zone de Deck : l’emplacement du paquet de cartes non-jouées.

6. La zone d’Énergie : la réserve d’énergie qui permet de jouer des cartes, d’activer des effets, d’utiliser un Combo.

7. La zone de Dispersion : le cimetière des cartes KO ou utilisées.

2. Les types de cartes

À la sortie du jeu, il y avait 3 types de cartes.

1. Les cartes Leader : une carte unique, recto verso, qui est placée dans la zone du Leader en début de partie. Attaquer le Leader permet de réduire les points de vie du joueur. Chaque carte Leader possède un passif qui, quand les conditions sont remplies, permet de retourner la carte de recto à verso, pour la transformer en une version plus puissante. Cette face verso est appelée Éveil. L’Éveil est exclusif à ce type de cartes.

2. Les cartes Combat : les unités qui sont placées dans la zone de Combat et peuvent attaquer le Leader ennemi ou une carte Combat ennemi (en mode Inertie). Si elles perdent un combat, elles seront KO et envoyées dans la zone de Dispersion (contrairement au Leader qui est indestructible). Ces cartes peuvent être invoquées contre un coût en énergie. Le mot-clé Évolution est exclusif à ce type de cartes.

3. Les cartes Extra : des cartes à effet qui quittent le terrain une fois leur effet appliqué. L’équivalent de “sorts” dans d’autres jeux du même genre. Ces cartes peuvent être invoquées contre un coût en énergie.

3. Les phases de jeu

• Phase de préparation : les Leaders sont placés face recto sur le tapis de jeu. L’ordre de jeu est défini. Les joueurs et joueuses piochent leur main. Les points de vie sont assignés.

1. Phase de recharge : les cartes utilisées au tour précédent (mode Inertie) sont remises en mode Action. Le joueur pioche une carte. Il ou elle peut choisir d’ajouter, ou non, 1 carte à sa zone d’Énergie.

2. Phase principale : le joueur peut jouer des cartes depuis sa main ou activer des capacités en dépensant de l’énergie. Il ou elle peut choisir d’attaquer avec une carte Leader ou Combat et entre dans la phase de combats.

   1. Combats : la carte qui attaque est tournée en mode Inertie. Puis la cible de l’attaque est choisie : soit le Leader adverse, soit une carte Combat adverse déjà en mode inertie.

      1. Attaque : le joueur peut choisir d’utiliser un Combo, d’activer la capacité d’une carte ou l’Éveil d’un Leader, pour augmenter la puissance de l’attaque.

      2. Défense : l’adversaire peut choisir d’utiliser un Combo ou d’activer la capacité d’une carte pour augmenter la puissance de la défense.

      3. Dégâts : la carte avec le plus de puissance remporte le combat. Si le perdant est une carte Combat, alors elle est mise KO et envoyée dans la zone de Dispersion. S’il s’agit du Leader, alors le joueur à qui appartient la carte perd un point de vie.

3. Phase de fin : Tour de l’adversaire.

Quelques mois après la sortie du jeu, lors de la GDC 2023, le studio parle de leur expérience sur la conception du jeu, de leurs inspirations, de leurs choix de design et des différents prototypes du projet.

Source

GDC2023 | 20 - 24 mars 2023

• Ben Brode : co-fondateur du studio “Second Dinner” ; principal game designer sur “Hearthstone”(2014) depuis 2015 ; a travaillé 15 ans chez Blizzard.

Sommaire

• Inspirations

• Doubler la mise

  • 1. Somme zéro = ‘Fun’ zéro

  • 2. La relation Complexité vs Profondeur de jeu

  • 3. Itérations sur le cube

• Révélation simultanée et terrains

• Chance et Aptitudes

• Hors-bord vs Paquebot

• Simplifier

• Conclusion

“Marvel Snap”(2022) est un jeu de cartes à collectionner (‘TCG’) sur mobile avec des parties rapides, où les joueurs et joueuses s’affrontent pour prendre le contrôle de deux emplacements en jouant des cartes. La somme de la puissance des cartes doit être supérieure à celle de l’adversaire pour capturer un territoire. Il existe aussi une mécanique de pari et de bluff pour doubler les enjeux d’une partie.

Inspirations

Les designers sont comme des chefs. Ils prennent des ingrédients qui existent déjà et les combinent pour créer quelque chose de nouveau et de palpitant.
- Ben Brode

15 ans plus tôt, au début du projet “Heartstone”, l’App store n’existait pas et l’iPad allait être annoncé. Pour chercher des inspirations pour le projet, Ben a joué à tous les jeux de cartes à collectionner qu’il trouvait.

Cela lui a permis de trouver des ingrédients (mécaniques) qu’il voulait essayer ou des fonctionnalités qu’il n’aimait pas. C’est moins coûteux de découvrir cela sur les jeux d’autrui que de faire ses propres prototypes et de l’apprendre à ses dépens. D’autre part, de nombreuses inspirations pour le projet sont venus de jeux de société.

Le cœur de jeu de “Hearthstone”(2022) prend des ingrédients de “World of Warcraft Trading Card Game”(2004) comme le type de cartes, l’attaque directe, les conditions de victoire, etc. et le système de mana du ‘TCG’ “Battle Spirits”(2008). En y ajoutant quelques innovations comme les capacités des Héros, la durabilité des armes, la mécanique de fatigue, e.a.

Ben a questionné Mike Elliott, le designer de “Battle Spirits”(2008), qui a plus d’une centaine de jeux de cartes et plateaux à son actif, comment il faisait pour trouver l’inspiration pour tous ses jeux : Mike se déplace aux conventions de jeux de plateaux, là où les gens présentent sur quoi ils sont en train de travailler et va être inspiré par tout ce qu’il y trouve.

En 2018, Hamilton Chu et Ben Brode ont fondé leur studio “Second Dinner”. Quand ils ont décidé de se lancer dans un jeu de cartes à collectionner, Ben s’est mis à jouer à tous les jeux mobiles ‘TCG’ du marché pour récupérer de nouveaux ingrédients pour créer leur jeu.

Doubler la mise

Le premier prototype a été de jouer une partie de “Hearthstone”(2014) mais avec la mécanique du Dé doubleur1 du jeu de société “Backgammon”. Entre chaque tour de jeu, Hamilton lui demande s’il veut doubler l’enjeu à ce moment-là, et si l’un d’eux le fait, est-ce que l’autre souhaite continuer la partie ou déclarer forfait.

Immédiatement, ils ont pu ressentir les effets de cette mécanique sans avoir à prototyper quelque chose. Et lui ont découvert plusieurs avantages :

• L’émotion d’une partie est renforcée quand elle se joue pour de plus grands enjeux.

• On passe moins de temps à perdre. Plutôt que de s’épuiser sur une partie avec 5% de chance de gagner, on peut concéder la victoire et passer à la partie suivante.

• Les parties peuvent être très rapides à jouer grâce à la possibilité d’abandonner.

• Résout le problème de la somme nulle* (somme zéro).

• A une grande profondeur de jeu*.

Ben explique plus en détail le cas des deux derniers points.

1. Somme zéro = ‘Fun’ zéro

Si deux joueurs et joueuses s’affrontent dans un jeu, que l’un gagne et l’autre perd, alors il est autant amusant de gagner qu’il est insupportable de perdre. Le jeu créé une somme de joie nulle, en transférant le bonheur d’une personne vers une autre.

Il y a plusieurs façons pour changer cette situation.

• La première est d’utiliser des ‘bots’ : les vrais joueurs gagnent la partie et personne ne perd. C’est souvent utilisé dans les premières parties d’un ‘Battle Royale’, comme “PUBG”(2017) ou “Fortnite”(2017), ou des jeux multijoueurs mobiles.

• La seconde est de donner des petites victoires2 pendant la partie aux joueurs et joueuses : des moments qui les font se sentir intelligent ou puissant. Dans une partie de “Counter Strike”(2000), mourir en début de ‘round’ ne donne aucun plaisir ; mais réussir à éliminer la majorité de l’équipe ennemie tout seul apporte une grande satisfaction personnelle, même si le ‘round’ est éventuellement perdu. Les petites victoires apportent de la joie même en cas de défaite.

Le cube a un très fort impact sur le paradigme de la somme nulle. Si l’adversaire double le cube et que le joueur bat en retraite, cela peut donner un sentiment de victoire. C’est un repli stratégique où le joueur ne tombe pas dans le piège de son adversaire.

Ils ont renforcé ce sentiment en changeant le texte des éléments de l’interface : “Abandonner” devient “Retraite” et “Tu as perdu !” devient “Tu t’es échappé !”.

You didn’t lose, you escaped! You’re a genius!3
- Ben Brode

ANECDOTE : C’est ce qu’il m’est arrivé dans beaucoup de mes parties. J’ai très souvent rencontré des adversaires qui s’acharnaient à continuer une partie, bien qu’ils soient en nette désavantage, et je profitais de ce comportement pour doubler l’enjeu et leur voler des points de classement ; tandis que je me repliais assez facilement quand les chances de victoire me semblaient trop incertaines. Cette façon de jouer m’a permis de grimper le classement très rapidement et d’avoir l’impression d’entourlouper mes adversaires. J’en tirais beaucoup de plaisir.

2. La relation Complexité vs Profondeur de jeu

Le jeu de Poker est réputé pour être toujours aussi stratégique, malgré le fait qu’il n’ait pas changé depuis plusieurs décennies, grâce aux mécaniques de pari et de bluff. Le prototype de “Heartstone”(2014) avec le dé doubleur, c’est toute la profondeur du jeu plus toute la profondeur de la mécanique de pari et de bluff.

Chu et Ben se sont dit qu’ils pouvaient simplifier la complexité du jeu en se reposant sur la profondeur qu’apporte le cube.

• La complexité est le coût qu’il faut payer pour pouvoir jouer au jeu. L’apprentissage nécessaire à son bon déroulement.

• La profondeur est la partie amusante. Celle où sont prises les décisions intéressantes.

Beaucoup de joueurs et joueuses veulent des jeux avec de la profondeur. Ajouter de la profondeur va aussi faire croître de la complexité. Donc, beaucoup vont supposer qu’un jeu complexe est un jeu avec la profondeur qu’ils recherchent.

Mais il est possible d’ajouter de la complexité sans ajouter de profondeur de jeu. Si dans “Marvel Snap”(2022) il fallait crier le nom de sa carte en la jouant, sinon on perd la partie. C’est une règle importante qu’il faut apprendre, mais elle n’ajoute aucune prise de décision intéressante au jeu.

Réciproquement, il est possible d’ajouter des mécaniques qui apportent de la profondeur avec très peu de complexité.

Le Morpion a peu de complexité et peu de profondeur. Le jeu de Go a très peu de complexité mais une profondeur immense. Monopoly a beaucoup de complexité pour peu de choix intéressants. Et un jeu comme “Magic: The Gathering“(1993) est considéré très complexe avec beaucoup de possibilités.

Plafond

Ben pense qu’il existe une limite optimale à la profondeur qu'un jeu peut atteindre.

Si votre jeu prend déjà une vie entière à être maîtrisé. Qu’est-ce que va apporter encore plus de profondeur : plus de durée de vie ?
- Ben Brode

La question est de savoir comment atteindre ce plafond avec un minimum de complexité.

Si la profondeur de votre jeu dépasse la limite optimale (capture du haut), peut-être qu’il y a un manque à gagner en réduisant la profondeur dans le but de réduire la complexité par la même occasion (capture du bas).

Effet secondaire

Réduire la complexité peut avoir un effet étrange sur une équipe de développement. Celles et ceux qui travaillent sur un jeu ont déjà payé le coût de la complexité pendant la production. Simplifier une mécanique va leur donner l’impression que le jeu est moins profond, sans qu’ils perçoivent la diminution du coût d’entrée.

Astuce : La complexité du texte

Plus important que les règles, le texte présenté aux joueurs et joueuses est le filtre par lequel ils vont apprendre les règles du jeu. Un jeu peut paraître plus ou moins complexe en fonction de la façon dont il est expliqué.

Les devs ont décidé de limiter le texte dans les infobulles tutorielles à moins de 8 mots4 (dans la version anglaise). La moyenne du nombre de mots pour décrire l’effet d’une carte est de 9 pour “Heartstone”(2014) et 11 pour “Marvel Snap'“(2022).

Pour tester la compréhension des cartes, ils ont fait des ‘playtests’ où les joueurs et joueuses viennent lire les descriptions et remonter le nombre de lectures qu’ils ont besoin de faire pour comprendre une carte.

3. Itérations sur le cube

Les détails du fonctionnement de la mécanique du cube ont pris de nombreuses itérations avant d’atteindre sa version finale.

0. Sur les prototypes physiques avec des vraies cartes et des dés, il n’y avait pas de limite. → La version numérique a besoin de plus de structure.

1. Sur les prochaines itérations, l’option est proposée aux joueurs et ouvre des boîtes de dialogue pour confirmer l’action et proposer à l’adversaire de suivre ou d’abandonner. → L’interruption de la partie et les nombreuses interfaces coupaient trop souvent le déroulement du jeu.

2. La décision pivot a été d’accepter le double de l’enjeu d’une façon implicite plutôt qu’explicite. Au lieu de choisir “Oui j’accepte”, le jeu considère que si le joueur reste dans la partie, c’est qu’il accepte le nouvel enjeu. → Cela a permis de retirer toutes les boîtes de dialogue et de ne plus interrompre le rythme de la partie. Cependant, l’enjeu des parties devient rapidement exponentiel et les joueurs préféraient abandonner le 1er tour si ils ont une mauvaise pioche plutôt que de continuer à jouer.

3. Sur la version finale, chaque joueur a la possibilité de doubler 1 seule fois, et le jeu va automatiquement doubler, lors du dernier tour, pour rajouter de la tension.

Le cube est le premier ingrédient qui compose la recette du jeu, avec la vision de faire un jeu sur mobile avec des parties rapides.

Révélation simultanée et terrains

1. Simultané

Le deuxième ingrédient qu’ils ont cherché à faire fonctionner est de révéler simultanément les cartes des deux adversaires.

Ben a voulu utiliser cette mécanique qui provient des jeux de société “Lord of the Rings: The Confrontation”(2005) et “A Game of Thrones: The Board Game”(2003, 2011), des jeux de stratégies où les unités qui s’affrontent sont révélées simultanément. Il est fan des possibilités de bluff qu’elle apporte et voulait expérimenter avec.

Quand ils l’ont testé avec le premier prototype papier, ils se sont rendu compte que ça ne fonctionnait pas. Pour être intéressante, la prise de décision en simultané a besoin d’avoir un contexte qui permet de supposer ce que l’autre pourrait jouer et réagir en conséquence. Comme dans les tournois de pierre-papier-ciseau où les opposants ont une minute de parole chacun pour provoquer l’adversaire. La solution à ce problème a été la création des terrains.

2. Terrains

Le jeu “Smash Up”(2012) propose de placer ses cartes sur des terrains qui ont des effets spéciaux uniques. Ben et Hamilton ont ajouté des terrains à leur prototype pour ajouter du contexte au placement des cartes.

Non seulement ça a ajouté le contexte qu’ils recherchaient, mais ça a surtout étendu la variance de leur coeur de jeu.

L’impact à long terme

Dans un ‘TCG’, une méta s’installe au fil du temps quand toutes les combinaisons ont été explorées et force à ajouter de nouvelles cartes pour renouveler les situations de jeu. Les terrains réduisent cette stagnation, car ils sont hors du contrôle des joueurs et joueuses. Et même si tout le monde joue un paquet identique, ils vont proposer de nouveaux problèmes à résoudre à chaque partie.

Les terrains sont un levier puissant pour maintenir l’intérêt du jeu sur le long terme. Ex : ils peuvent modifier les chances d’apparition d’un terrain sur une durée limitée et l’indiquer sur la page d’accueil. Cette information permet aux joueurs et joueuses d’adapter leur paquet en fonction du terrain pour la durée, s’ils le souhaitent.

Les terrains sont moins coûteux que des cartes à produire. Ils en avaient une centaine de prêts pour le lancement. Ils ont profité de cet avantage pour sortir le jeu avec moins de terrains et en rajouter un nouveau chaque semaine pendant un an.

Chance et Aptitudes

Ben pense que beaucoup de monde a tendance à opposer les jeux de hasard à ceux qui nécessitent des compétences.

Il existe des jeux qui demandent un haut niveau de chance, comme Serpents & Échelles, d’autres un au niveau de compétences comme les Échecs ; mais également des jeux avec peu de hasard et d’aptitudes comme le Morpion, ou une forte influence du hasard et haute exigence en compétences, comme le Poker. C’est pourquoi, malgré l’aspect aléatoire, les meilleurs joueurs et joueuses de Poker sont consistants dans leurs victoires.

Les jeux qui arrivent à mixer chance et aptitudes incluent beaucoup de prises de décisions intéressantes, tout en gardant une forte rejouabilité et des moments imprévus excitants.

Au départ, “Hearthstone”(2014) penchait plus dans la catégorie des jeux avec peu de hasard, car plus la partie avançait, plus les ressources s’accumulaient et le tirage de son paquet devenait prévisible. Ils ont rajouté de l’aléatoire dans les effets de certaines cartes pour augmenter la variance de leur jeu. Cela a fonctionné, mais certains joueurs et joueuses trouvaient le jeu trop incertain.

1. Aléatoire entrant vs sortant

Il existe deux formes d’aléatoire5 :

L’aléatoire entrant est quand un évènement aléatoire se produit et qu’une décision stratégique doit être prise suite à cet évènement. Ex : quand une carte supplémentaire est piochée, le joueur a alors le choix sur l’utilisation de cette nouvelle carte.

Cette forme soumet de nouvelles situations aux joueurs et joueuses qui demandent à résoudre les problèmes sur le moment. Puisque l’évènement demande une réponse, cette forme donne un sentiment de contrôle sur la situation malgré la part du hasard.

L’aléatoire sortant est quand une décision est prise et qu’on découvre à posteriori si c’était une bonne ou une mauvaise décision. Ex : poser une carte sur un terrain qui a 25% de chance de détruire la carte, demande de choisir de jouer ici et espérer que sa carte ne sera pas détruite. Ou, jouer “Ragnaros” inflige 8 dégâts à une unité ennemie aléatoire.

Cette forme offre beaucoup d’excitement et demande aux joueurs et joueuses de peser les risques avec la récompense : sont-ils prêts à prendre le risque quand ils sont en mauvaise posture. Essayer de maximiser ses chances, comme réduire le nombre d’unités ennemies avant de jouer “Ragnaros”, fait aussi partie du plaisir de l’aléatoire sortant. En cas de défaite, ils peuvent toujours blâmer le hasard et protéger leur ego.

Les terrains dans “Marvel Snap”(2022) ont les deux formes d’aléatoire. Les joueurs et joueuses peuvent choisir laquelle ils préfèrent. Jouer sur un terrain révélé c’est de l’aléatoire entrant, tandis que jouer sur un terrain masqué est de l’aléatoire sortant.

Voici la recette complète de “Marvel Snap”(2022) : Le dé doubleur, les révélations simultanées, le jeu psychologique, les terrains à effets et des parties de moins de cinq minutes. Plus quelques innovations comme la limite de 6 tours, les paquets de 12 cartes et 1 seul type de carte.

Ces innovations ont un impact sur le jeu, mais Ben n’est pas sûr qu’il faille quelconque innovation pour créer un jeu frais, excitant et unique. S’il demandait à ses joueurs de lui citer le top 3 des choses qu’ils aiment dans le jeu, il pense qu’aucune des innovations ne serait dedans.

NOTE : Même si son apriori se vérifie, je pense qu’il est important d’observer ce qu’apportent lesdites innovations au jeu. D’autant plus que les effets ne sont absolument pas négligeables sur son succès.

La limite de 6 tours est la raison majeure qui permet des parties très courtes, avec la révélation en simultanée. Au lieu de descendre une barre de vie, ou d’être le premier à atteindre un certain score de capture des territoires, le jeu s’arrête automatiquement au bout de X tours, et le joueur ayant l’avantage gagne. En prenant ce parti pris, le jeu empêche la création d’un statu quo qui pourrait prolonger le temps de jeu sans y apporter beaucoup d’intérêt. La révélation simultanée permet de réduire presque de moitié le temps pour jouer des cartes, car les deux adversaires le font en même temps plutôt que l’un après l’autre.

Les paquets sont limités à 12 cartes et ne peuvent pas contenir de doublons. Chaque carte ne peut être présente qu’une seule fois par paquet. Ces limites simplifient grandement la création de mon jeu en me retirant de la charge cognitive. Je ne joue jamais très longtemps à un ‘TCG’ et je me contente d’utiliser des paquets prédéfinis, car je n’ai pas la patience de passer des heures à créer mon jeu en théorisant les probabilités et les combinaisons. Grâce aux limites du paquet, il m‘est super simple et rapide de créer un nouveau jeu par moi-même, et j’ai enfin pu ressentir le plaisir de cette partie de la boucle de jeu que je passais d’habitude.

Ce n’est qu’une hypothèse, mais je pense que ces innovations font partie des raisons du succès du jeu, à son lancement, auprès de son public. Les fans de Marvel sont venus pour l’univers, mais ne sont peut-être pas habitués à des jeux de cartes denses comme “Magic: The Gathering“(1993). Ils ont pu apprécier le jeu très rapidement grâce aux parties rapides et la simplicité à comprendre le jeu.

Hors-bord vs Paquebot

Maintenant que le coeur du jeu est fixé, ils peuvent commencer à itérer sur le prototype numérique. L’importance est de pouvoir itérer rapidement.

1. Le hors-bord

Le premier prototype numérique n’a pas de fonctions en ligne et se joue en local à deux joueurs sur la même tablette. Avec cette version, ils ont fait tous les tests de variations des nombres : nombre de tours, nombre de cartes dans la main de départ, nombre de cartes jouables par terrain, etc.

À ce moment de la production, ils étaient 2 dans le studio. Avoir l’équipe la plus petite possible permet de pivoter radicalement en cas de besoin. Lors du développement de “Hearthstone”(2014), l’équipe est passée de 10 personnes à 4, pour envoyer du renfort sur un autre jeu en production. Cette opportunité leur a permis de concrétiser le ‘gameplay’ du “Hearthstone”(2014) pour avoir quelque chose de clair à présenter à l‘équipe à son retour.

2. Le paquebot

Ultérieurement dans la production de “Marvel Snap”(2022), le thème et la méta-progression devaient subir un gros pivot et l’équipe avait des doutes en amont que cette partie n’avait pas encore été bien prévue. Ben savait que présenter ce gros changement allait être difficile car il fallait convaincre toute l’équipe qu’il prenait la bonne décision. Cela a pris plusieurs semaines de présenter individuellement le changement à chaque membre de l’équipe, de leur donner l’opportunité de poser des questions et y répondre pour qu’ils se sentent entendus et soient prêts à faire confiance dans la décision.

La quantité d’énergie nécessaire pour planifier et proposer ce genre de changement a comme risque de créer une aversion au pivot quand quelque chose ne va pas durant la production. Cela peut complètement saboter un projet quand le ‘gameplay’ a encore besoin d’itérations pour tester des opportunités.

Simplifier

1. Le ciblage

Dans chaque ‘TCG’ il y a des cartes avec pour effet de “Détruire la créature X”. Dans “Hearstone”(2014), l’interface dessine une flèche depuis la carte posée, qui suit la souris pour ensuite choisir la cible de l’effet. Mais sur mobile, une fois que la carte est posée, il n’y a pas de possibilité de suivre un curseur, car les doigts ne restent pas sur l’écran. Ils ont dû prévoir une interface spéciale pour la version mobile.

Dans “Marvel Snap”(2022), ils ont eu le même problème.

Sauf que, choisir sur quel terrain placer la carte, c’est déjà choisir une cible. Au lieu de demander aux joueurs et joueuses de choisir deux cibles, ils ont découvert qu’ils pouvaient insinuer la cible de l’effet à partir du choix de la position de la carte. Ex : “Détruire une carte de coût 1” devient “Détruire une carte de coût 1 sur cet emplacement”. Retirer un autre genre d’effet en insinuant via l’ordre des cartes. Ex : “Devient une copie d’uen carte” se transforme en “Devient une copie de la dernière carte jouée”.

2. La boucle de jeu

En contrepartie d’avoir prototypé le coeur du jeu rapidement, ils ont passé quatre ans à construire une progression satisfaisante pour le jeu. Au départ ils partaient avec de nombreuses ligues de classement, un peu de gestion pour envoyer des cartes en mission et en débloquer de nouvelles, un sphérié immense où l’on choisit vers quelle carte on souhaite progresser, etc.

Ils se sont rendu compte qu’ils devaient tout simplifier et ont créé une nouvelle version en 2020 dont ils étaient satisfaits. Ils l’ont fait tester avec des joueurs et joueuses et malheureusement, c’était encore trop compliqué. Ils ont dû réduire encore plus la complexité de leur boucle de jeu pour arriver à la version de sortie du jeu.

Je me sens toujours aussi idiot quand je passe beaucoup de temps à analyser un problème de design et mon eurêka est d’ajouter plus de complexité. Seulement pour réaliser plus tard que la solution était de simplifier cette complexité.
- Ben Brode

NOTE : il y a plusieurs choix qui m’ont vraiment convaincu dans leur boucle de jeu finale.

La progression pour débloquer de nouvelles cartes est basée sur un progrès linéaire qui donne accès à des ‘boosters’ d’une carte aléatoire tous les x paliers6. Pour progresser dans les paliers, il faut “améliorer” ses cartes avec des points que l’on débloque en jouant. À la différence qu’améliorer une carte ne modifie pas ses statistiques mais modifie son esthétique7 : normale > brise-cadre > effet 3D > animation > brillance > bordure > +. Je trouve cette idée géniale car elle tire parti du médium numérique, c’est quelque chose qui est impossible de faire sur un jeu de carte physique. Et lier la progression à l’esthétique signifie que plus on progresse dans le jeu, plus nos cartes auront l’air cool, ce qui donne une sacrée motivation pour continuer.

Actuellement, chaque partie jouée influence son rang dans le classement du jeu pour la saison. Il n’y a pas une différence entre partie normale et partie classée (excepté certains modes de jeux temporaires qui sont arrivés plus tard). Je trouve que cette façon de faire ajoute à la fois de l’enjeu à toutes les parties et l’excitation qui va avec, et à la fois normalise le mode de jeu classé (dans le bon sens). Quelqu’un qui se sent investi va donner son maximum dans chaque partie et quelqu’un qui ne s’intéresse pas au classement va simplement jouer sans s’occuper de son rang. Ce mélange concilie deux publics et ne créé pas de déséquilibre émotionnel entre une partie classée ou non8. De mon point de vue, j’ai l’impression que cela réduit la toxicité que l’on peut retrouver dans les jeux qui différencient les deux, à cause de cette soudaine augmentation de l’enjeu. Le risque c’est de conditionner les joueurs et joueuses compétitifs à ne pas tester de nouveaux paquets par peur de perdre leur classement en expérimentant. Les modes de jeux temporaires sont un bon moyen de pallier ce problème en offrant des parties avec un enjeu moins global.

Dernièrement, je trouve cela admirable de ne pas avoir lié la mécanique de pari du cube avec un système de monétisation. Partir de jeux comme le Poker ou Backgammon qui ont des mécaniques exploitées dans les jeux d’argents pour en retirer l’essence du design et en faire purement un outil au service du ‘gameplay’. Je trouve cela louable. Ça m’a même motivé à chercher un peu plus à décomposer des éléments auquel je ne me serai pas intéressé pour essayer de les retirer de leur contexte et réadapter à l’activité d’un jeu.

Conclusion

• Les chefs ont besoin d’ingrédients pour inventer des recettes. Nourrissez-vous de ce qui existe.

• Soyez le hors-bord jusqu’à ce que votre direction pour le jeu soit claire.

• Adoptez l’aléatoire (l’entrant et sortant).

• Simplifiez (même si votre équipe vous déteste pour ça).

Voici la fin de cette publication. J’espère qu’elle vous aura intéressée. Je prépare une analyse sur un autre ‘TCG’ (moins connu) qui m’a aussi beaucoup marqué, que je publierai dans le courant de l’année. Abonnez-vous pour être tenu au courant.

Merci pour votre lecture !

Remerciements à Anthony pour la relecture.

Si vous souhaitez lire le mémoire complet, vous pouvez le trouver ici (en anglais uniquement).

Temps de lecture d’environ 20 minutes.

L’article précédant de la série1 se termine en posant la question suivante : Comment déterminer l’efficacité d’une mécanique à délivrer une expérience de jeu satisfaisante ?

La méthode que j’ai établie consiste à analyser une mécanique à travers 4 prismes, dans le but d’établir ce qu’elle apporte aux joueurs et joueuses, comment elle le délivre et avec quels autres éléments du jeu, elle interagit.

Ces prismes sont fortement influencés par ma lecture des travaux de Carlo Fabricatore2 et Daniel Cook3 sur le ‘gameplay’ et la conception de mécaniques.

Définition

• Les mécaniques de jeu sont des boîtes noires4, qui reçoivent une saisie (des joueurs et joueuses, ou bien du jeu) et renvoient un résultat, mis en évidence par des ‘feedback’.

Les joueurs et joueuses interagissent avec les mécaniques et apprennent petit à petit à les utiliser pour affronter les obstacles mis sur leur chemin, dans le but de remporter la partie.

Les quatre prismes

1. La forme

Il s’agit de l’apparence et de la présentation d’une mécanique dans le contexte du jeu. Elle est délivrée via les visuels, l’univers, la narration, les effets, le son et le ‘gameplay’.

La forme a inévitablement un premier impact sur l’appréciation ou l’aversion des joueurs et joueuses, sur une mécanique ou un jeu. ex : Dans “Dooms Eternal”(2020), si un joueur est dégoûté par la mise en scène gore des exécutions (une mécanique qui sert à regagner des points de vie et des munitions), il pourrait avoir tendance à ne pas aimer le jeu ou la façon dont la mécanique est représentée, peu importe son utilité sur le plan ‘gameplay’.

L’attrait de la forme sur l’audience cible est essentielle pour faire une bonne première impression et encourager les joueurs et joueuses à jouer au jeu.

Étude de cas : “Hunt: Showdown 1896” - Mécanique de tir

“Hunt: Showdown 1896”(2019) est un ‘extraction shooter’ à objectifs5. C’est un jeu de tir à la première personne, dans une ambiance western horrifique. De multiples équipes s’affrontent en JcJcE dans le but de tuer un boss monstre et de s’échapper avec la prime, avant la fin du compte à rebours. Une des mécaniques principales du jeu est de pouvoir tirer avec des armes à feu.

La mécanique de tir est délivrée à travers une caméra à la première personne, des modèles 3D d’armes à feu inspirés du 19ᵉ siècle et leurs animations. Lors du tir, chaque arme a son propre son, effet de fumée, impact du recul, son animation de cycle et du rechargement. Ces ‘feedback’ indiquent l’état de l’arme en jeu et servent également à l’immersion.

2. Le fond

Il s’agit de l’utilité qu’apporte une mécanique dans la résolution d’obstacles : quelles actions sont possibles grâce à elle. Les mécaniques sont des outils parmi lesquels les joueurs et joueuses peuvent choisir librement, quand ils réfléchissent comment approcher une situation.

Connaître le fond d’une mécanique permet de comprendre les possibilités ‘gameplay’ qu’elle apporte et de les mettre en relation avec l’ensemble des situations de jeu. Cette liste d’actions va aussi servir de base à la planification de la courbe d’apprentissage et des tutoriels pour enseigner ladite mécanique.

Étude de cas : “Hunt: Showdown 1896” - Mécanique de tir

Tirer permet d’infliger des dégâts pour tuer les entités (monstres ou joueurs) ou de détruire des objets (comme des portes ou des fenêtres). Cela permet aussi de déclencher des éléments environnementaux dans le but de faire du bruit, de déclencher des pièges ou des objets divers à distance.

3. La variété

Amener de la variété dans les obstacles rencontrés en jeu est nécessaire pour créer des défis pertinents au fur et à mesure de la progression du jeu, mais il est aussi possible d’ajouter de la variété en interconnectant des mécaniques entre elles.

Ce schéma est un modèle qui souligne le rôle des mécaniques interconnectées. Il est utile pour découvrir de nouveaux angles pour développer une mécanique existante et enrichir son ‘gameplay’ sans augmenter sa complexité.

• Mécanique : la fondation du modèle. Une mécanique utilisée pour accomplir une activité de jeu. Généralement, une des mécaniques principales.

Un ensemble de mécaniques viennent enrichir ce ‘gameplay’ en remplissant chacune un rôle spécifique.

• Les mécaniques de valorisation renforcent la mécanique de deux façons :

  • 1. ‘Power-up’ : modifie une caractéristique existante pour la rendre plus puissante.

  • 2. ‘Add-on’ : ajoute une nouvelle caractéristique à la mécanique, modifiant sa façon de jouer ainsi que son résultat.

• Les mécaniques d’opposition : entravent l’utilisation ou le résultat de la mécanique.

• Les mécaniques alternatives : offrent une alternative pour avoir le même résultat que la mécanique, mais en utilisant une autre.

Apporter de la variété dans une mécanique permet de construire son potentiel de maîtrise.

NOTE : quand on analyse une mécanique, il est important de savoir quel rôle elle remplit afin d’ajuster nos attentes et de focaliser nos efforts sur remplir son rôle. En production, il n’est pas possible d’enrichir chaque mécanique existante, il faut en général se concentrer sur un petit nombre de mécaniques principales et les développer.

Étude de cas : “Hunt: Showdown 1896” - Mécanique de tir

La mécanique principale de tir consiste en deux actions : viser une cible puis tirer. Elle est utilisée pour tuer des ennemis, comme des monstres ou joueurs, dans le but de survivre jusqu’à l'extraction.

Les mécaniques d’oppositions interagissent avec le tir en ajoutant des contraintes pour rendre l’action plus complexe que simplement pointer-cliquer.

• Certains mécaniques impactent la visée : les déplacements font vaciller la mire ; le recul entre chaque tir change la position de l’arme ; et l’arme oscille quand elle est maintenue en joue.

• Les autres impactent la capacité de tirer : quand le chargeur est vide, il n’est plus possible de tirer ; il y a un temps de récupération avant que la prochaine balle soit armée ; et la balle commence à chuter au-delà d’une certaine distance.

• Ces entraves au tir sont liées aux armes à feu, elles-mêmes mais certaines contraintes peuvent aussi être liées à des facteurs extérieurs : les monstres résistants aux balles ou la vitesse de déplacement de la cible et l’ajustement de la visée en conséquence.

Ces mécaniques entravent clairement la capacité de tir, mais elles la rendent aussi plus intéressante en devenant des défis à surmonter.

Les mécaniques de valorisation renforcent le tir en donnant aux joueurs et joueuses plus d’outils pour résoudre les obstacles. Elles sont séparées en deux catégories.

• Certaines améliorent un aspect particulier du tir : le type de munition change la pénétration et permet de tirer à travers certaines couvertures ; le silencieux étouffe les bruits de tir et évite de trahir sa position ; et certaines armes peuvent changer de type de munitions, utile pour s’adapter en cours de partie.

• D’autres mécaniques ajoutent une nouvelle caractéristique au tir : une lunette pour viser plus loin ; ou des balles empoisonnées qui perdent leur pénétration, mais infligent des dégâts de poison.

Ces mécaniques ajoutent de la diversité en proposant différents avantages et contreparties, qui agrandissent les possibilités d’actions que les joueurs et joueuses peuvent utiliser pour surmonter un obstacle.

Les attaques de mêlée ou le lancer d’explosifs sont des mécaniques alternatives, car elles permettent aussi de tuer des ennemis, mais sans utiliser la mécanique de tir.

4. L’apprentissage

Afin d’exploiter le fond et la variété d’une mécanique, le jeu a besoin d’enseigner le fonctionnement de la mécanique et ses nuances, graduellement, à travers plusieurs phases d’apprentissage. Ainsi que de maintenir la motivation de jouer au jeu et d’utiliser les mécaniques enseignées.

La courbe d’apprentissage se divise en 3 phases distinctes : la découverte, l’exploration et la maîtrise. Chacune ayant un objectif et un ensemble de défis à proposer.

1. La découverte a comme défi inhérent d’expérimenter la mécanique pour la première fois, essayer de comprendre son fonctionnement basique. À la fin, les joueurs et joueuses ont eu une première expérience, mais ne l’utilisent pas activement.

2. L’exploration met face au défi extrinsèque d’utiliser la mécanique sur l’environnement dans le but d’atteindre un objectif. Elle se construit en mettant des obstacles de plus en plus difficiles sur le chemin des joueurs et joueuses. À la fin, ils ont appris la mécanique et peuvent l’utiliser dans des situations ordinaires.

3. La maîtrise présente des défis extrinsèques plus complexes, où des facteurs externes viennent modifier comment la mécanique se comporte. En modifiant soit son exécution, soit les actions en résultant. Cette phase requiert un nouvel apprentissage de la mécanique pour l’utiliser dans des situations extraordinaires. Tester la maîtrise d’une mécanique permet de garder le jeu engageant et d’éviter d’être trop prédictible. À la fin, les joueurs et joueuses ont maîtrisé toutes les possibilités données par la mécanique.

Pour maintenir la motivation des joueurs et joueuses à aller jusqu’au bout de ces trois phases, il faut éviter la frustration ou la surcharge mentale en suivant certaines recommandations :

• Équilibrer l’effort et le temps requis pour apprendre comment une mécanique fonctionne (ils doivent être proportionnels au niveau de complexité et de pertinence de la fonctionnalité perçue par les joueurs et joueuses).

• Équilibrer l’effort et le temps passé à utiliser ce qu’ils et elles ont appris (sur différents obstacles).

• Équilibrer la rentabilité d’utiliser la mécanique (que ce soit sur le résultat ou les récompenses reçues).

Pour résumer, des tutoriels bien conçus et un bon rythme de jeu vont améliorer la qualité d’une mécanique en permettant aux joueurs et joueuses d’en exploiter tout le potentiel.

Étude de cas : “Hunt: Showdown 1896” - Mécanique de tir

Parce qu’il s’agit d’un jeu exclusivement multijoueur, l’apprentissage de nombreuses mécaniques s’effectue en parallèle. Les joueurs et joueuses ne sont pas guidés par une linéarité à apprendre la bonne mécanique au bon moment, comme dans un jeu de plateforme. L’apprentissage retiré à la fin d’un match dépend de multiples facteurs, en fonction de l’étendue des connaissances de leurs coéquipiers et d’eux-mêmes. Cependant, on peut tout de même attacher différents aspects de la mécanique du tir aux différentes phases d’apprentissage.

1. La découverte du tir a lieu durant le tutoriel obligatoire au lancement du jeu. Il guide les joueurs et joueuses dans leur première expérimentation d’une arme de poing, puis de différents types de fusils, durant 10 à 20 minutes. Les joueurs et joueuses ont appris les commandes pour viser, tirer et recharger.

2. La phase d’exploration a lieu pendant les parties en ligne. Les joueurs et joueuses doivent tirer dans des conditions réelles. Ils se familiarisent avec les différentes armes et vont probablement choisir un petit nombre d’entre elles pour focaliser leur apprentissage. Puis, ils apprennent progressivement à tirer sur les objets environnementaux et à utiliser leurs propriétés. Entre chaque partie, les joueurs et joueuses débloquent graduellement de nouveaux consommables, traits et éléments de personnalisation d’armes. Cette phase se termine quand ils peuvent se débarrasser de la plupart des monstres du jeu par eux-mêmes.

3. Les défis extrinsèques durant la phase de maîtrise sont la confrontation avec les autres joueurs, parce que les affronter nécessite d’apprendre de nouveaux ‘pattern’ de jeux ainsi que d’improviser, à cause de la haute imprédictibilité des comportements humains. En plus de perfectionner les compétences apprises pendant la phase d’exploration, leur maîtrise est mise à l’épreuve contre celle de leurs adversaires. Concernant la mécanique de tir, les joueurs et joueuses vont apprendre à utiliser des caractéristiques avancées comme la pénétration des balles à travers les couvertures, l’utilisation d’un silencieux et de l’environnement pour appâter les ennemis, ou tirer sur un explosif en plein vol pour le détoner prématurément. Progresser dans le ‘matchmaking’ renouvelle le défi en affrontant des joueurs de plus en plus experts.

Déductions : “Hunt: Showdown 1896” - Mécanique de tir

En combinant les informations reçues grâce aux quatre prismes ci-dessus :

• La mécanique de tir offre une multitude d’actions pour interagir avec le jeu.

• Il y a de nombreuses mécaniques d’opposition et de valorisation qui servent à proposer un défi constant sur le chemin de la maîtrise du tir, ainsi qu’à proposer différents styles de jeux avec leurs forces et faiblesses.

• L’apprentissage du jeu n’est pas linéaire, les situations d’exploration et de maîtrise se superposent constamment à cause de l’aspect multijoueur.

Pour avoir amplement joué au jeu moi-même, le dernier point pose problème à beaucoup de nouveaux joueurs et joueuses, car ils sont confrontés à des obstacles de la phase de maîtrise avant même d’avoir eu le temps de bien explorer le jeu. En conséquence, l’’onboarding’ est rebutant pour de nombreuses personnes et il faut jouer environ une centaine d’heures avant de commencer à être assez confortable avec les mécaniques6 pour apprécier le jeu. D’autres ‘FPS’ populaires compensent ce problème en ayant une campagne en solo de plusieurs heures avant d’affronter d’autres joueurs (ex : "Titanfall 2"(2016), "Halo Infinite"(2021), "Call of Duty: Black Ops 6"(2024)).

Étude de cas - Mécanique secondaire

Dans le but de rattacher à l’article précédent, pour cette étude de cas, je vais traiter une mécanique secondaire dans un genre de jeu complètement différent afin d’illustrer l’utilisation de la méthode une deuxième fois.

Étude de cas : “Potion Craft: Alchemist Simulator” - Mini-jeu de marchandage

“Potion Craft: Alchemist Simulator”(2022) est un jeu de gestion où le joueur interagit avec différents ingrédients pour brasser des potions et les vendre à des clients.

Au moment de la vente d’une potion, il est possible de marchander son prix à travers un mini-jeu de ‘timing’. Le mini-jeu a un curseur qui se déplace de gauche à droite en continu. Pour gagner des points, il faut cliquer au moment où le curseur passe au-dessus d’une zone dorée.

1. La forme

L’aspect de l’interface est assortie à la direction artistique du jeu : une esthétique qui renvoie une inspiration des parchemins médiévaux.

Le niveau de difficulté du mini-jeu est représenté par des sujets de conversation avec le client (alcool sur la capture ci-dessus), ce qui donne un peu de personnalité aux situations.

2. Le fond

Une bonne performance au mini-jeu augmente la quantité d’argent gagnée lors de la vente de la potion. Une mauvaise performance fait baisser ce montant. Une difficulté supérieure amplifie les gains et les pertes. Les ingrédients de potion peuvent être achetés à rabais de la même façon.

Cette mécanique est optionelle dans le jeu.

3. La variété

La mécanique de ‘timing’ consiste à anticiper le mouvement du curseur pour cliquer au bon moment afin de gagner des points.

Il n’y a pas de mécanique d’opposition dans le jeu. Les niveaux de difficulté vont seulement augmenter la vitesse du curseur, mais le défi reste le même.

Il y a une seule mécanique de valorisation qui utilise l’amélioration des caractéristiques pour faciliter le mini-jeu : les joueurs et joueuses peuvent dépenser des points de talent pour ralentir le curseur, la limite de temps, ou réduire l’impact des échecs.

La mécanique alternative serait de ne pas lancer le mini-jeu et de vendre la potion au prix proposé par défaut.

4. La courbe d’apprentissage

1. La phase de découverte prend place pendant le tutoriel. Le mini-jeu est introduit obligatoirement. Les joueurs et joueuses découvrent les règles du mini-jeu et l’essayent pour la première fois.

2. L’exploration se déroule lors de la vente de potions aux clients. Les joueurs et joueuses sont libres d’utiliser la mécanique pour marchander ou de ne pas l’utiliser du tout. À ce moment du jeu, trois difficultés pour le mini-jeu sont disponibles et récompenses entre +20~40% du prix par défaut. Les points de talent peuvent être dépensés pour faciliter le mini-jeu ou débloquer les difficultés supérieures (+45% et +50% du prix par défaut).

3. Il n’y a pas de défi externe, pas de situations extraordinaires qui viennent éprouver l’adresse dans la mécanique, jusqu’à la fin du jeu. Les joueurs et joueuses l’ont déjà maîtrisé pendant la phase d’exploration.

Déductions : “Potion Craft: Alchemist Simulator” - Mini-jeu de marchandage

Je considère que le mini-jeu n’arrive pas à rester intéressant sur une longue session de jeu.

• Le prisme de variété montre une interaction très faible avec d’autres mécaniques, ce qui signifie que l’éventail de réactions émergentes entre plusieurs systèmes est très restreint et que le ‘gameplay’ n’a pas d’opportunités pour évoluer au fil du temps.

• La courbe d’apprentissage montre une absence de nouveaux défis pour renouveler l’intérêt dans la mécanique. Je trouve également que les récompenses de la mécanique jouent à son désavantage pour garder la motivation des joueurs et joueuses : puisque le montant d’argent est proportionnel en pourcentage au prix de base d’une potion, plus elle est coûteuse, plus profitable elle sera à marchander. Cependant, au début du jeu, les potions se vendent dans la dizaine et le profit du marchandage est très faible. Lorsque le prix de vente atteint les centaines voir les milliers (et que l’effort est alors rentable), les joueurs et joueuses risquent d’être déjà épuisés par la mécanique parce qu’ils l’ont utilisé trop souvent au début, au moment où les récompenses ne valaient pas le coup, et n’ont plus d’intérêt dans le mini-jeu.

Malgré ces faiblesses, les mécaniques secondaires qui n’ont pas une grande profondeur ne sont pas un problème pour tous les jeux.

• Si le jeu est court - long de quelques heures, alors il peut être terminé avant de perdre l’intérêt pour la mécanique.

• Si la mécanique est une activité parmi tant d’autres - si elle occupe 1/10e du temps de jeu, elle sera moins souvent au centre de l’action qu’une activité qui occupe 5/10e du temps de jeu.

• Si la mécanique est optionnelle - les joueurs et joueuses peuvent décider d’ignorer ou de revenir sur la mécanique comme ils l’entendent et choisir leur rythme d’exploration. Au risque de gâcher leur propre expérience.

Conclusion

De cette façon, l’utilisation des prismes m’a aidé à déconstruire des mécaniques existantes pour ma recherche. Je pense qu’il est aussi possible de les utiliser pendant la production lors de la création d’une nouvelle mécanique, dans le but de comprendre la place qu’elle occupe au sein de l’expérience de jeu et de donner des directions vers lesquelles la développer.

En conclusion

• La forme interroge l’adéquation d’une mécanique au thème du jeu et à la ‘fantasy’ des joueurs et joueuses.

• Le fond liste les possibilités de ‘gameplay’ offertes aux joueurs et joueuses avec la mécanique. Il sert au développement de nouveaux obstacles et aide à structurer une courbe d’apprentissage ajustée à ces possibilités.

• La variété montre comment différentes mécaniques interagissent entre elles et quels aspects peuvent être plus développés en y connectant de plus petites mécaniques.

• La courbe d’apprentissage met l’accent sur les déséquilibres dans le processus d’apprentissage ou la rencontre des nouveaux obstacles. Jumelée aux données des ‘playtests’, elle sert à trouver ce qui entrave la motivation des joueurs et joueuses et doit être corrigé.

Voici la fin de cette deuxième partie. Merci pour votre lecture !

Je serai ravi de discuter du contenu de l’article en commentaire avec vous.

Merci à Baptiste pour la relecture.

Pour cette publication, j’examine le système de combat de “Zenless Zone Zero”(2024) pour illustrer comment le jeu créé sa profondeur malgré un nombre de contrôles réduit. L’article contient plusieurs micro-vidéos pour illustrer les paragraphes, donc je vous conseille de la lire sur le site internet directement.

Temps de lecture : une 20taine de minutes.

“Zenless Zone Zero”(2024) (alias ZZZ) est un ‘gacha game’ action-RPG développé par MiHoYo, studio qui s’est fait connaître à l’international avec “Genshin Impact”(2020) puis “Honkai: Star Rail”(2023).

Chacun de leurs jeux, depuis 2020, propose un ‘gameplay’ et un univers radicalement différent l’un de l’autre. ZZZ propose des combats ‘Hack’n’Slash’ en temps réel, dans un enchaînement d’arènes. Le jeu est sorti sur téléphone, PC et console en simultané.

Les joueurs et joueuses vont envoyer leurs agents en mission afin de faire progresser l’histoire, ou de récupérer des récompenses pour améliorer ou débloquer des personnages. Chaque mission est une succession de différentes arènes avec des ennemis à abattre. Lors de la sélection d’une mission, les joueurs et joueuses choisissent une équipe d’au maximum 3 agents.

Le combat

Les bases

Un seul agent est présent à l’écran et contrôlé par le joueur ou la joueuse, mais il est possible de l’interchanger grâce aux actions de soutien. La dynamique des combats dans ZZZ est de permuter régulièrement d’un personnage à un autre pour gérer les barres d’énergie et d’ultime de chaque agent. Ainsi que d’appliquer des effets d’anomalie aux ennemis en fonction des faiblesses ou des effets.

Les actions

Liste des touches d’action pour les joueurs, joueuses :

• Attaque

• Esquive

• Attaque spéciale (compétence)

• Soutien

• Ultime (compétence sous condition)

On se retrouve avec un total de 5 actions de combat (hors déplacements), chacune associée à un ‘input’.

À titre de comparaison, dans des jeux d’actions solo : “God of War Ragnarök”(2022) a 10 actions de combat ; “Grandblue Fantasy Relink”(2024) a 9 actions de combat ; “Elden Ring”(2022) et “Sifu”(2023) ont 8 actions de combat ; et “Hadès 2”(2024) a 5 actions de combat.

Les actions possibles d’un agent.

On se retrouve avec 14 actions de combat disponibles pour chaque personnage. De quoi bien varier les possibilités de jeu des joueurs et joueuses. Certains personnages possèdent des actions exclusives supplémentaires, mais utilisent toujours seulement 5 touches.

Comment le jeu se débrouille pour permettre autant d’actions avec le même nombre de touches ? Il utilise des conditions pour leur déclenchement.

Il existe deux types de conditions utilisées pour modifier les actions en jeu :

1. Les états

2. Le ‘timing’

1. Les états

Tout d’abord, on retrouve les états liés à des jauges.

L’état le plus important en combat est l’étourdissement, qui se déclenche lorsque la jauge de confusion est à son maximum. Cet état est essentiel, car il interrompt les attaques et rend l’ennemi immobile pendant un certain temps. Ce dernier prend plus de dégâts des attaques et plus d’effets d’anomalie.

L’anomalie est semblable aux systèmes élémentaires dans d’autres jeux et applique des effets quand la jauge d’anomalie est pleine, tels que : immobiliser la cible avec l’anomalie de glace ou infliger des brûlures avec celle de feu, etc. Certains ennemis sont sensibles ou résistants à certaines anomalies qui leur infligerons plus ou moins de dégâts.

Puis les états liés à des status : comme l’esquive, la projection, la course.

Certains de ces états sont utilisés comme conditions pour changer l’action qui se déclenche au moment d’un ‘input’, en fonction du contexte.

Les actions conditionnelles

• L’attaque bondit se déclenche si on lance une attaque normale pendant une esquive. Le contre d’esquive similairement, lors d’une esquive parfaite.

• L’ultime est disponible lorsque le score de combat atteint son maximum. Le score est individuel à chaque personnage, mais certaines actions vont augmenter le score de l’équipe entière.

• Un enchaînement se déclenche lors d’une attaque lourde1 sur un ennemi

  étourdi. Les coéquipiers en retrait peuvent alors déclencher une attaque unique, qui inflige de gros dégâts ou profite d’un effet utilitaire (attaque de zone, à effet ou combinaison d’effets). Chaque agent ne peut participer qu’une seule fois à un enchaînement.

• L’activation de l’attaque spéciale et attaque spéciale EX va dépendre de la réserve d’énergie du personnage. L’attaque spéciale est une version bridée de la version EX. Cette dernière est activable lorsqu’un segment d’énergie est rempli et le consomme. L’énergie se remplit avec le temps et en frappant les ennemis. Si le segment n’est pas plein, c’est l’attaque spéciale normale qui s’active sans rien consommer.

  

  La taille des segments d’énergie consommée ainsi que le seuil d’activation varient en fonction des personnages, ce qui modifie la fréquence de disponibilité de leur spéciale EX. Ces deux variables d’ajustement permettent de créer des variations entre les agents.

• Un soutien permet de changer de personnage, parmi ceux de son équipe, pendant le combat. Cela dépense un point de soutien, qui se recharge en combattant.

• Le soutien défensif permet de parer les dégâts d’un assaut et de monter la jauge d’étourdissement tout en changeant d’équipier instantanément. Le soutien contre-attaque se déclenche en attaquant durant l’état défensif. L’agent lancera alors une attaque unique. Il coûte un point de soutien.

• Le soutien de secours s’utilise quand le personnage est projeté dans les airs par une attaque puissante ennemie. Cela permet de changer d’équipier instantanément et d’enchaîner sur une attaque unique, plutôt que de continuer à prendre des dégâts. Il coûte un point de soutien.

  

• La variante de l’attaque normale nécessite parfois de remplir les conditions d’une jauge unique à l’agent pour pouvoir être activée. Dans les images ci-dessus, on peut voir les jauges uniques sous le portrait des personnages. La première permet l’utilisation de l’attaque normale variante jusqu’à ce que la jauge se vide ; la seconde permet une seule utilisation, représentée par le point lumineux, lorsque la jauge se remplit une première fois ; la troisième permet la variante si la jauge est remplie à 75% ou plus. L’utilisation d’une jauge unique pour les variantes d’attaques normales est actuellement minoritaire parmi les 30 agents jouables, mais cela rajoute une couche de conditions potentielles supplémentaires.

Récapitulatif

2. Le ‘timing’

La spécificité du jeu est d’avoir certaines attaques normales, spéciales (EX), et/ou esquives (en fonction des agents) dotées d’un passif, qui est une condition d’activation pour une version alternative de l’action.

Cette condition peut prendre 2 formes :

• Un changement de pression d’une touche : entre appuyer et maintenir, ou inversement.

• Une cadence particulière à exécuter.

Changement de pression

L’exemple le plus évident est l’utilisation de l’attaque spéciale EX de Corine, un agent qui se bat avec une scie circulaire géante.

• Lors d’un appui simple sur l’attaque spéciale EX : Corine fait tournoyer sa scie pour trancher l’adversaire, à l’impact, une irruption de dégâts conclut la compétence.

• En cas d’appui maintenu : elle fait tournoyer sa scie, mais cette fois-ci, elle la maintient dans le corps de l’adversaire, infligeant des dégâts constants jusqu’à ce que le segment d’énergie se vide ou que la touche soit relâchée. Provoquant l’irruption de dégâts et concluant la compétence.

La barre d’énergie, en haut à gauche de l’écran, donne des indications sur la dépense d’énergie de chaque version.

Ce système se retrouve sur plusieurs personnages et peut aussi s’appliquer aux attaques normales pour déclencher leur variante. Corine, par exemple, peut prolonger la 3ᵉ et 5ᵉ attaque normale de son combo pour étendre l’utilisation de la scie, similairement à son attaque spéciale EX, mais sur un temps plus court.

La cadence

Dans un jeu avec un combat en temps réel, il y a un rythme implicite lié à la vitesse nécessaire d’appui des touches pour enchaîner des actions. Ce rythme détermine la difficulté d’exécution de certains enchaînements.

La précision du rythme demandée pour déclencher certaines attaques est ce qui va différencier un jeu avec de fortes attentes sur les capacités d’exécutions de ses joueurs et joueuses d’autres jeux.

La vitesse d’exécution et le temps de récupération des coups impactent également la cadence. Des actions courtes vont nécessiter d’appuyer plus souvent sur les touches pour créer des enchaînements. Là où les actions lentes permettent d’avoir un temps de pause entre plusieurs appuis. Le temps de récupération crée une fenêtre de vulnérabilité du personnage aux attaques extérieures.

Tous ces éléments participent également à la sensation de jeu.

Dans “Sifu”(2022)(vidéo de gauche), les coups sont rapides pour calquer sur la fantaisie des films de Kung-fu, alors que “For Honor”(2017)(vidéo de droite) a un délai plus long et des mouvements plus amples entre les attaques, traduisant la pesanteur d’un combat en armure médiévale.

Le rythme reste en général similaire tout au long d’un jeu, mais l’introduction de multiples personnages jouables ou adversaires permet de le faire varier.

Le combat de ZZZ est ‘animation-driven’, les actions offensives déclenchent des animations qui doivent se terminer avant d’enchaîner la prochaine. Le jeu est plutôt tolérant sur sa cadence, car on peut déclencher l’attaque suivante pendant la phase de récupération de celle qui précède (qui s’interrompt), et les animations sont amples pour donner un côté spectaculaire au combat, ce qui laisse une marge de temps importante pour enchaîner des coups.

Mais en plus de cela, ZZZ utilise ce temps d’animation pour ajouter une option de ‘gameplay’ qui permet de changer le comportement d’un combo de coups en modifiant la cadence d’appui des touches.

On peut voir l’exemple d’un ajout d’effet d’anomalie avec l’agent Soldat 11.

• Si je presse frénétiquement le bouton d’attaque normale, elle va enchaîner son combo de 4 attaques : deux entailles tranchantes, suivies d’un coup de pied, pour finir par une pirouette tournoyante pour fendre l’adversaire. Ces attaques n’infligent pas d’anomalie.

• Si j’attends la fin de l’animation de l’attaque normale pour appuyer de nouveau, alors la lame de Soldat 11 s’enflammera et infligera des dégâts de feu supplémentaires sur le combo des 4 attaques. Il s’agit de la variante de son attaque normale. Ces dégâts feront monter la jauge d’anomalie de feu de l’adversaire.

Ici, je dois suivre une cadence particulière pour augmenter l’efficacité de mes attaques.

Un autre exemple, où la fin du combo est changée avec Anby.

• Anby a un combo de 4 attaques tranchantes en demi-cercle, la dernière inflige des dégâts électriques. Je l’exécute en appuyant régulièrement sur la touche d’attaque normale.

• Si au moment de la 3ᵉ attaque, je prends une courte pause, le temps que l’éclat électrique s’émette de sa lame, avant d’enchaîner sur la 4ᵉ attaque. Alors, elle va terminer par un coup de pied vertical qui fait s’abattre la foudre et projette l’ennemi au sol. Il s’agit de la variante de son attaque normale, infligeant plus de dégâts, plus de confusion et peut interrompre une attaque ennemie.

Il est également possible de proposer une alternance entre attaque normale et spéciale pour déclencher un nouvel effet, comme ici avec Koleda.

• Lors de sa 2ᵉ et 4ᵉ attaque normale, Koleda frappe avec son marteau sur le sol. Si j’appuie sur l’attaque spéciale (EX) au moment de l’impact, le coup va déclencher une explosion provenant du marteau, infligeant des dégâts de feu en zone, montant l’anomalie.

Récapitulatif

Diversifier pression et cadence permet de caractériser chaque personnage en leur donnant un rythme de combat particulier qui leur est propre et des variantes uniques d’attaques déclenchables en mélangeant le ‘timing’ d’action et (parfois) les jauges.

NOTE : dans ZZZ, le jeu va prêter des agents lors des missions d’histoire, correspondant aux personnages impliqués dans la narration de la mission. La compréhension et l’utilisation des variantes dans les attaques, grâce au ‘timing’, n’est pas nécessaire pour terminer l’histoire principale du jeu (5 chapitres lors de la v1.7), car les statistiques des agents prêtés sont automatiquement adaptées au niveau de difficulté de la mission. Cependant, maîtriser les variantes devient indispensable pour vaincre le contenu de fin de jeu, car les difficultés supérieures proposent de nombreux défis chronométrés ou des enchaînements de combats avec des modificateurs puissants, et les joueurs et joueuses doivent composer leur propre équipe. Apprendre à optimiser son équipe, l’utilisation des passifs, des attaques, des variantes, des anomalies et la jauge de confusion, est essentiel pour venir à bout de ces défis.

Le jeu propose une expérience guidée et simplifiée sur sa campagne, pour permettre à un maximum de joueurs et joueuses d’atteindre les crédits et de profiter de l’histoire. Tout en leur faisant tester les différents agents disponibles pour leur donner envie d’acquérir ces personnages, via le système de gacha, et de les ajouter à leurs équipes afin de se confronter au contenu de difficulté supérieure.

Conclusion

Utiliser des conditions d’états et de ‘timing’ permet d’offrir des possibilités de ‘gameplay’ alternatives, sans ajouter de nouvelles touches pour les joueurs et joueuses. En gardant des manipulations simples, auxquelles on ajoute une profondeur de jeu. On détourne le défi du jeu vers une gymnastique mentale (principalement sur la mémoire) liée à la connaissance de ses agents et de leurs capacités, plutôt qu’une difficulté d’exécution des contrôles.

ZZZ se démarque des jeux similaires en ne multipliant pas les contrôles (par exemple : attaque légère, moyenne, lourde). Ne créant pas des listes de combinaisons d’actions pour créer des enchaînements, comme dans “Sifu”(2023) ou “Bayonneta 3”(2022). Et, n’associant pas non plus une direction pour chaque changement d’attaque, comme “Super Smash Bros. Ultimate”(2018). C’est une autre façon d’approcher le combat.

• Attaques universelles : les attaques sont indépendantes des directions

• Attaques directionnelles : des attaques spécifiques sont associées aux directions

• Attaques en chaîne : un appui répété provoque un enchaînement automatique de plusieurs coups

• Système de combos : requiert une séquence de combinaisons de touches pour déclencher un coup inédit

Ce résultat est très certainement le fruit d’une réflexion autour du ‘gameplay’ ‘hack and slash’ sur les plateformes mobiles, qui nécessitent un minimum de touches, car on joue sur un écran tactile.

Il y a plusieurs choses qui me plaisent dans ce système de combat.

• L’utilisation d’un faible nombre de touches permet de réduire la barrière d’entrée du jeu en associant des actions distinctes à des contrôles primaires et secondaires.

• La base d’actions est commune à tous les agents, ce qui implique de pouvoir jouer n’importe lequel d’entre eux une fois les fondements appris. Cela réduit grandement la charge cognitive lors d’un changement de personnage.

• Le jeu ne sacrifie pas sa profondeur de combat pour autant. Il ajoute de la granularité sur plusieurs niveaux : le premier, en offrant de nouvelles possibilités d’actions grâce aux actions conditionnelles, aux changements de pressions et de cadence des touches. Et le second, en personnalisant les jauges ainsi que les effets de ces nouvelles actions pour les rendre uniques au personnage joué. Cette granularité renforce l’intérêt de jouer différents personnages et permet de toucher un public qui recherche un jeu avec un certain niveau de maîtrise.

• L’unicité de chaque agent du point de vue du ‘gameplay’, des animations et du doublage permettent de créer des personnalités fortes que l’on ressent en combat. Mon attachement pour certains personnages dans la narration principale, a été décuplé parce que j’étais attaché à leur façon de jouer.

Dans l’ensemble, j’ai le plaisir de pouvoir changer mon style de jeu à la volée, en changeant d’équipe, pour tromper la répétition des combats, sans pour autant passer par une longue phase d’adaptation.

Toutefois, je regrette un peu que le jeu ne pousse pas à un troisième niveau de granularité en proposant des variations plus fortes entre les attaques et leurs variantes. Comme on a pu le voir dans l’article, les variantes vont généralement causer plus de dégâts, plus de confusion, ou ajouter un effet d’anomalie à une attaque qui n’en possède pas dans sa version normale. J’aurais aimé avoir plus de choix stratégiques au sein d’un même personnage. Par exemple, en ayant le choix entre une attaque mono-cible ou de zone, ou bien pouvoir appliquer 2 types différents d’anomalie en fonction du choix de mon attaque, ou encore choisir entre une attaque de soutien ou de dégât.

Un jeu qui invite à ce genre de réflexion est le MMO “SoulWorker”(2016), qui propose de créer ses propres combos de compétences en les agençant dans l’ordre voulu. Puis en combat, le choix nous revient d’utiliser un combo plutôt qu’un autre en fonction de la situation.

Cependant, bien que cela augmenterait encore la profondeur du combat, il en serait de même pour sa complexité. Et à rendre trop polyvalent un personnage, on perdrait de l’intérêt à constituer une équipe et à changer de personnage en cours de combat. Ce qui irait contre la dynamique générale du jeu que je décris en introduction.

Malgré cela, j’observe une certaine complexification des nouveaux agents introduits au fur et à mesure des mises à jour. Donc, il est possible que cela évolue dans le futur.

Et voici la conclusion de cette première publication de la catégorie analyse. J’espère que cela vous aura plu.

Merci pour votre lecture !

Remerciements à Waël pour la relecture.

Si vous souhaitez lire le mémoire complet, vous pouvez le trouver ici (en anglais uniquement).

Temps de lecture d’environ 15 minutes.

Introduction

Dans la plupart des jeux, quand j’interagis avec un marchand pour acheter de l’équipement, je suis accueilli par une interface qui me propose de choisir d’acheter et de vendre parmi une liste d’objets. Cette situation est actuellement la norme. Mais j’en suis venu à me demander s’il ne serait pas possible d’avoir du ‘gameplay’ en lieu et place de cette interface qui me fait me sentir comme si je visitais une boutique en ligne. Donc j’ai décidé de prendre du recul et d’étudier les jeux qui utilisent des mécaniques durant les échanges avec les Personnages Non-Joueurs (PNJ), pour en faire un historique.

Il est évident que certains jeux ou équipes vont préférer ne pas encombrer leur jeu de détours pour acheter des objets, par choix ou à cause de contraintes. Cependant, le commerce avec un PNJ existe dans la plupart des jeux (sous une forme ou une autre). S’intéresser à cet élément me semble être l’opportunité parfaite pour ajouter un ‘gameplay’ secondaire à son jeu, sans avoir besoin de créer une nouvelle activité de zéro.

En premier, je souhaite établir deux définitions :

• Les mécaniques de jeu sont des boîtes noires1, qui reçoivent une saisie (des joueurs et joueuses, ou bien du jeu) et renvoient un résultat, mis en évidence par des ‘feedback’.

• Le commerce ou échange (dans un jeu vidéo) correspond à l’activité d’acheter, de vendre, ou d’échanger des ressources et/ou des services entre des personnages.

Lors de ma recherche, je me suis éloigné de tout ce qui concerne les systèmes de monétisation. J’ai uniquement traité les situations dans lesquelles l’échange de ressources n’est pas monétisé ; n’a pas de valeur équivalente dans le monde réel ; où la transaction a lieu au sein même de l’écosystème du jeu et sert son expérience ; et dont le résultat n’est pas transférable en dehors du jeu.

La cartographie des mécaniques de commerce

Ce schéma montre le résultat de mon analyse. Le reste de l’article rentre dans les détails de chaque élément et de leur fonctionnement.

Le fondement d’une transaction est de transformer une quantité de ressource A en une ressource B, généralement par la comparaison de leurs valeurs respectives. Le plus souvent, une monnaie fictive est utilisée de facto pour gérer les échanges (ex : les Septims, le Gil, les Capsules, les Zeni, l’Or, les Rubis, etc.)

1. Les paramètres du commerce

Il y a 4 paramètres qui ont un impact significatif sur le commerce.

1. L’apparence : la forme que prend l’activité délivrée aux joueurs et joueuses. Elle impacte principalement l’atmosphère et la praticité de l’échange.
   (ex : l’interface du magasin de “Baldur’s Gate 3”(2023) permet de naviguer de façon détaillée parmi plusieurs centaines d’objets, tandis que la console de commandes de “Lethal Compagny”(2023) ajoute à l’ambiance générale d’un vaisseau décrépi. Le magasin dans “The legend of Zelda: Link’s Awakening”(2019), où Link a besoin de porter les objets jusqu’au comptoir pour les acheter, donne une présence physique à ces objets, comme dans un diorama, un jardin miniature ou une maison de poupée.)

2. Le résultat de l’échange.
   (ex : la quantité ou le type de ressource (objets, devises, services, etc) qu’un joueur reçoit à la suite d’une transaction.)

3. Les variables : les paramètres que la simulation prend en compte pour résoudre l’échange.
   (ex : le taux de change entre deux ressources, le niveau de progression dans l’histoire, le niveau de réputation avec un PNJ, etc.)

4. Le contexte : l’importance d’un échange sur un plan macro (en dehors du résultat de la transaction elle-même).
   (ex : quelle est l’importance de cet échange dans la stratégie actuelle des joueurs et joueuses ? Qu’est-ce qui est disponible ou nécessaire à l’achat, en fonction de l’état présent du monde ? Etc.)

L’apparence et le résultat sont les plus notables pour les joueurs et joueuses, car ils ont un retour visuel instantané sur la représentation et le résultat d’une transaction. Certaines variables peuvent être visibles2 pour les joueurs et joueuses, mais la plupart font partie de la boîte noire des mécaniques de jeu. Le contexte est le paramètre le plus abstrait pour les dévs, parce qu’il est difficile de prédire les effets qu’il aura sur les décisions des joueurs et joueuses en jeu.

2. Les activités satellites

Les activités de jeu les plus récurrentes que j’ai pu rencontrer autour du commerce.

• Les activités de marchandage ou de négociations : elles servent à améliorer le résultat d’un échange en faveur des joueurs et joueuses. Ces situations impactent le prix, le coût ou la quantité des ressources impliquées dans une transaction.

• Les activités de relations humaines : elles servent à changer les rapports avec un PNJ, impactant des éléments au premier plan : comme des capacités, des embranchements d’histoire ou des quêtes ; et des éléments en arrière-plan : comme le comportement des PNJ envers les joueurs et joueuses. Si3 le système de réputation ou de relations est relié au commerce, alors il impactera ses variables.

• Les activités qui impactent l’économie4 : elles modifient l’état du monde et influent sur les flux de ressources présentes (rareté, localisation, type, etc). L’économie du monde a un impact sur le contexte du commerce, au travers de la répartition et de l’accessibilité des ressources pour les joueurs et joueuses.

• Les systèmes de gestion d’inventaire : ils définissent comment les joueurs et joueuses peuvent stocker et transporter les équipements ou butins. Ces limites les forcent à réfléchir à l’organisation de ce qu’ils achètent et vont influencer le contexte d’un échange.

3. Les agents

Sur le plan de l’intégration en jeu, les activités sont construites par-dessus 3 agents majeurs, qui vont les impacter en fonction de leurs attributs.

Le joueur, qui comprend à la fois le personnage jouable (PJ) et les joueurs et joueuses eux-mêmes. Il y a 3 attributs qui définissent cet agent et peuvent apporter de la nuance aux échanges.

• Les statistiques & compétences : les statistiques du PJ (ex : vitesse, charisme, force, etc.) et les compétences débloquées (ex : dans le cas d’un arbre de compétences).

• La réputation : tout système qui attache un niveau de réputation au PJ à l’encontre de factions ou PNJ individuels.

• Ses actions : la capacité des joueurs et joueuses à agir sur le jeu.

Le personnage non-joueur (PNJ), qui est composé de 2 attributs.

• Le comportement : le squelette d’un PNJ. Composé d’un ensemble de règles qui commandent, pour chaque situation, une liste d’actions disponibles à exécuter.

• La personnalité : la chair d’un PNJ. Ce qui les fait apparaître comme des entités vivantes dans le monde. Par exemple, leurs goûts et préférences qui influencent leur relation avec un autre personnage.

Le monde, qui est composé de 2 attributs.

• La simulation : l’ensemble des systèmes qui sont simulés dans le monde du jeu. Cela concerne toutes les interactions non scriptées (émergentes) qui se produisent sur la base des règles de la simulation.

• L’histoire : elle concerne l’intrigue et l’état du monde, basé sur des évènements scriptés. Incluant les histoires à branches multiples où les joueurs et joueuses ont un impact, mais dont les ramifications sont pré-conçues.

Dans n’importe quel jeu, l’ajustement de ces agents est une façon d’impacter l’expérience du jeu, la façon de jouer et les effets des activités de jeu.

NOTE : nous voici à la fin de la partie théorique. C’est un bon moment pour relire ce schéma et comprendre les différentes relations entre le commerce, les 4 paramètres, les activités satellites et les agents. La suite de l’article détail les mécaniques utilisées pour chaque activité de jeu.

Les mécaniques de commerce

1. Les mécaniques de marchandage

Marchander est une négociation entre le vendeur et le client autour d’un ensemble de biens, dans le but de changer le résultat d’un échange. Elle prend place avant la validation d’une transaction. Dans les jeux vidéo, il s’agit principalement d’un moyen pour maximiser le rendement d’un échange pour les joueurs et joueuses.

Les mécaniques de marchandage sont :

• Utiliser les statistiques ou compétences du joueur pour avoir un effet passif sur les prix (basés sur une formule mathématique), que ce soit réduire le coût d’achat et/ou augmenter le prix de vente.
  (ex : les magasins de “Divinity: Original Sin 2”(2017), “Octopath Traveler II””(2023) et “The Elder Scroll V: Skyrim”(2011).)

  

• Le tir à la corde : bouger un curseur entre deux extrémités pour accaparer le meilleur résultat, au détriment de son adversaire.
  (ex : choisir le prix des objets dans “Recettear: An Item Shop Tale”(2007), le marchandage dans “The Elder Scroll IV: Oblivion”(2006), la négociation des contrats dans “The Witcher 3: Wild Hunt”(2015).)

• Dialogue verrouillé : un choix de dialogue avec un PNJ qui permet de marchander durant la transaction. Cette option est bloquée et nécessite un seuil nécessaire dans une statistique du joueur ou un jet de dés réussi pour être sélectionnée.
  (ex : durant les disputes de “Discord Elysium”(2019), lors des confrontations dans “Vampire: The Masquerade - Swansong”(2022).)

• Mini-jeu : une petite portion de ‘gameplay‘ autonome où les performances des joueurs et joueuses vont impacter les récompenses reçues. Les mini-jeux de négociation ont tendance à demander des performances d’action.
  (ex : la résolution de commerce dans “Great Houses of Calderia”(2024), le jeu de rythme lors de la vente de potion dans “Potion Craft: Alchemist Simulator”(2021).)

Les trois premières mécaniques mettent l’emphase sur les choix des joueurs et joueuses : récompensant la connaissance des adversaires et des systèmes dans le tir à la corde ; et les décisions dans le développement des caractéristiques de son personnage (investir dans une statistique ou débloquer une compétence). Quant aux mini-jeux, ils sont utiles pour interrompre le déroulement d’une session en engageant les joueurs et joueuses dans une activité secondaire afin de faire une pause et de renouveler l’intérêt du chemin principal.

2. Les mécaniques des relations humaines

Les relations entre les personnages sont utilisées à la fois pour la narration et/ou les besoins du ‘gameplay’. Elles peuvent symboliser des conflits entre personnages ou matérialiser les conséquences des actions des joueurs et joueuses. Dans le contexte du commerce, les relations entre client et vendeur ont un effet passif sur les variables des transactions ou des négociations (ex : le prix, le nombre d’essais pour négocier, la quantité de ressources achetable, etc.).

Les mécaniques des relations humaines liées au commerce sont :

• Cadeaux : offrir un objet est la façon la plus simple d’améliorer ses relations avec un PNJ, à condition que le cadeau corresponde à ses préférences.
  (ex : “Animal Crossing: New Horizons”(2020), “Persona 5”(2016) et “Stardew Valley”(2016).)

• Choix de dialogue : ce que les joueurs et joueuses choisissent de dire à un PNJ peut impacter leur relation avec ce dernier.
  (ex : les arbres de dialogues dans “Baldur’s Gate 3”(2023), “Detroit: Become Human”(2018) et “Jack Jeanne”(2021).)

• Mini-jeu : une petite portion de ‘gameplay‘ autonome où les performances des joueurs et joueuses vont impacter les récompenses. Ces mini-jeux ont tendance à être plus tournés vers de la réflexion que leurs homologues du marchandage.
  (ex : l’abre de dialogue chronométré des “Mind Chess” dans “Ace Attorney Investigations 2: Prosecutor’s Gambit”(2011), le pierre-papier-ciseaux pour persuader un PNJ dans “Divinity: Original Sin”(2014), la roue de flatterie pour soudoyer un PNJ dans “The Elder Scroll IV: Oblivion”(2006).)

3. Les mécaniques de l’économie

L’économie dans le monde d’un jeu peut être traitée de deux façons.

1. La première, les joueurs et joueuses ne peuvent pas interargir avec, l’économie est gravée dans le marbre par les dévs, du début à la fin de l’expérience. C’est ce que l’on retrouve dans des jeux avec une forte linéarité dans leurs niveaux, leur narration ou ‘gameplay’ ; ainsi que dans plusieurs jeux d’aventures.

2. La seconde, les joueurs et joueuses peuvent l’influencer via leurs actions ‘gameplay’ ou leurs choix de narration. C’est commun dans les jeux de gestion, les jeux de rôle ou les bacs à sable. Certains de ces jeux essayent parfois de simuler un système économique proche du monde réel.

Les mécaniques de l’économie sont :

• La disponibilité des ressources : cet aspect est entièrement déterminé par les dévs qui décident où les objets, consommables et matériaux d’artisanat, devraient être accessibles dans le monde. Cela impacte le comportement des joueurs et joueuses, ainsi que des PNJ. Les deux questions à se poser sont :

  • Est-ce que cette ressource est disponible dans tous les magasins, ou seulement dans un magasin spécialisé ?

  • Et, est-ce que son prix est global au monde, local à une région, et/ou évolue en fonction de la progression du monde ?

    

• L’offre et la demande : qui cherchent à émuler un monde économique organique. Ces variations impactent la simulation du monde et par conséquent le contexte des échanges futurs.
  (ex : “Anno 1800”(2019), “Mount & Blade II: Bannerlord”(2020), “Read Dead Redemption 2”(2018).)

• Les évènements aléatoires : ils sont pratiques pour changer l’état du monde durant une partie. En relation avec le commerce, ces évènements peuvent impacter les autres mécaniques économiques, ainsi que les relations.
  (ex : les assauts de village dans “Battle Brothers”(2017), les rencontres aléatoires dans “Griftland”(2019), les évènements dans “Victoria 3”(2022).)

• Les revenus passifs : qu’il s’agisse d’un terrain virtuel, d’une maison ou d’un service tenu par un PNJ qui peut être acheté et procure des revenus passifs aux joueurs et joueuses. Ces propriétés sont généralement jumelées avec d’autres activités, comme l’artisanat, la décoration ou le déblocage d’objets spéciaux.
  (ex : l’achat de propriétés dans “Assassin’s Creed Unity”(2014) et “Fable III”(2010), “Final Profit: A Shop RPG”(2023).)

4. Les mécaniques de la gestion d’inventaire

Les règles et les limites de l’inventaire impactent le contexte d’un échange. Surtout quand il y a un défi dans la gestion de son stockage. Les joueurs et joueuses vont considérer ces contraintes lors de la réflexion sur un achat.

Les types d’inventaires sont :

• Illimité : il n’y a pas de contraintes sur le nombre ou le type de ressource qui peut être stockée (sans considérer les limites du matériel informatique).
  (ex : “Chained Echoes”(2022), “Kindgom: Come Deliverance”(2018), “Like A Dragon 7”(2020).)

• Limite de poids : il y a une limite sur le poids total des ressources stockées. Le poids est une valeur numérique attachée à chacune d’entre elles. Ce système sert à limiter le transport d’un excès de ressources tout en donnant aux joueurs et joueuses le choix de prioriser ce qu’ils veulent prendre avec eux.
  (ex : “Baldur’s Gate 3”(2023), “The Elder Scroll : Skyrim”(2011), et “The Long Dark”7).)

• Limite d’espace : il y a une limite sur le nombre de cases disponibles dans l’inventaire. J’ai rencontré trois types d’interactions avec les cases :

  • Numérique, quand chaque ressource prend une case et que leur nombre total est limité. (ex : “Minecraft”(2009).)

  • Puzzle, quand les cases sont représentées par une grille. Chaque ressource a une forme et doit pouvoir rentrer dans les espaces vides de la grille pour être stockée. (ex : “Dredge”(2023).)

  • Physique, quand les ressources sont simulées physiquement et tombent en dehors de l’inventaire s’il n’y a plus d’espace disponible. (ex : “Kingdom: Classic”(2015).)

Mots de la fin

Dans cet article, nous avons vu que la mécanique principale de transaction est influencée par 4 paramètres : l’apparence, le résultat, les variables et le contexte. Qu’il existe au moins 4 activités de jeu, avec différentes mécaniques, qui sont utilisées pour ajouter un ‘gameplay’ secondaire au commerce : le marchandage, les relations humaines, l’économie et la gestion d’inventaire. Chacune de ces activités interagit avec un des 3 agents : le PJ, le PNJ ou le monde.

Maintenant que nous avons les clés pour comprendre les différentes mécaniques qui sont utilisées, on peut se demander quelle est leur efficacité à délivrer une expérience de jeu satisfaisante, en opposition avec l’utilisation traditionnelle d’une interface utilisateur. Dans le second article de cette série, je vous partagerai la méthode que j’utilise pour établir les pour et les contres de chaque mécanique.

NOTE : J’aimerais placer un mot au sujet des jeux qui choisissent de faire du commerce leur ‘gameplay’ principal. Ces jeux ont tendances à utiliser une des activités que nous avons vues plus haut comme cœur de leur boucle de jeu (ex : un jeu de carte centré sur les relations humaines “Potionomics”(2022), un RPG incrémental centré sur la gestion et la narration “Final Profit: A Shop RPG“(2023), ou “Merchant of the Skies”(2020) un jeu de marchand ambulant centré sur l’économie du monde.) Dans ces jeux, les objectifs, les tâches et les conditions de victoires sont tous rattachés à l’activité principale. Par conséquent, même s’ils ne sont pas toujours des exemples efficaces quand on veut seulement utiliser le commerce comme une occupation secondaire, ils sont propices à créer de nouvelles activités en rattachant le commerce avec un ‘gameplay’ qui lui était auparavant déconnecté. Et peuvent servir d’inspiration pour approfondir les échanges dans nos jeux.

Voici la fin de cette publication. Merci pour votre lecture !

La deuxième partie de cette série est disponible :

Remerciements à Martin et Victor pour la relecture.

Source

Game Maker’s Toolkit | 2021

• Mark Brown : concepteur de jeu et journaliste avec plus de 15 ans de couverture de l’industrie du jeu vidéo.

Sommaire

• Introduction

• Scinder les tutoriels

  • 1. Avantages

  • 2. Le cas des jeux complexes

  • 3. Scinder les décisions

  • 4. Scinder l’interface

  • 5. Scinder par public cible

• Scinder les fonctionnalités

• Rendre l’apprentissage ludique

• Privilégier l’affordance

• Autres techniques

• Conclusion

Introduction

Ces dernières décénis, de nombreux jeux ont pu montrer qu’il est possible de faire un tutoriel qui se mélange à la narration, avec un rythme qui évite l’ennui, à la fois subtil et non-intrusif dans l’expérience de jeu.

Mais pour certains genres comme la stratégie en temps réel, la grande stratégie ou les ‘city-builder’ — appellons les “jeux complexes” — l’expérience d’apprentissage est encore trop longue, trop verbeuse et peut parfois être un obstacle pour atteindre la partie amusante du jeu. Cette publication passe en revue certains moyens d’améliorer cette expérience.

Scinder les tutoriels

Une des évolutions des tutoriels a été de les scinder en petites parties, pour les répartir à plusieurs moments de l’expérience, plutôt que d’avoir un gros bloc avant de jouer au “vrai” jeu.

1. Avantages

• D’après le développeur de “Plants vs. Zombies”(2009) George Fan1: la volonté des joueurs et joueuses à apprendre s’accroît avec leur niveau d’investissement dans le jeu. Un jeu qui met face à énormément de tutoriels en début de partie, souvent, outrepasse cette volonté. En repoussant certaines leçons, le jeu peut attendre que son public soit plus investi.

• Un autre avantage est de pouvoir jouer réellement au jeu dès le début, au lieu d’avoir à subir un passage ennuyant ou académique sur comment jouer. Si chaque étape du tutoriel est suffisamment courte, il est possible d’enseigner sans même que ça ne se remarque. Par exemple, dans “Portal”(2007), chaque mini-puzzle du début de jeu enseigne quelque chose aux joueurs et joueuses, mais ils ont l’impression de simplement jouer au jeu.

• Le troisième avantage est de pouvoir délivrer les informations quand elles sont pertinentes. Par exemple, présenter le tutoriel de ‘craft’ la première fois que les joueurs et joueuses accèdent à l’établi.

NOTE : le troisième avantage est déjà souvent appliqué dans les jeux, mais trop à la lettre. Son implémentation prend rarement en compte la vitesse de progression du jeu et le temps d’assimilation de cette nouvelle information. Si bien que l’on peut se retrouver avec un enchaînement de deux, trois, quatre nouvelles fonctionnalités dans un temps très court, ce qui conduit à une surdose d’information, même si chaque élément a un tutoriel séparé.

Je prends par exemple les jeux où les joueurs et joueuses arrivent dans ce qui leur servira de base principale et se retrouvent bombardés de didacticiels sur les différents établis et fonctionnalités du lieu.

2. Le cas des jeux complexes

Les genres complexes ont un désavantage majeur sur la séparation des tutoriels. Il est plus difficile de créer une progression dans laquelle les mécaniques sont introduites au goutte-à-goutte, avec l’acquisition graduée de nouvelles capacités et d’améliorations. La raison est que les jeux complexes ont des systèmes qui interagissent les uns avec les autres, en arrière-plan des actions des joueurs et joueuses, qui nécessitent parfois d’être actifs dès le début de la partie.

3. Scinder les décisions

Bruce Shelley, qui a travaillé sur les premiers jeux de la série “Civilization”, propose de diriger la prise de décisions. Quand on commence une partie, on n’a qu’une seule décision à prendre, puis deux, puis trois. Ce nombre augmente graduellement jusqu’à ce qu’à la fin du jeu, les joueurs et joueuses soient occupés à gérer plusieurs dizaines de décisions par tour.

Exemple dans “Civilization” :

• Tour 1 : Construire une ville

• Tour 2 : Construire un bâtiment

• Tour 3 : Construire ; Déplacer une unité

Le but est d’augmenter organiquement la complexité du jeu, d’un village isolé à un empire multicontinental. Et grâce à cette lente évolution de la complexité, le jeu est capable d’enseigner ses systèmes au fur et à mesure qu’ils sont découverts.

“Frostpunk”(2018) utilise la même astuce pour introduire son ‘gameplay’. La première tâche consiste à ramasser des ressources, le jeu affiche un panneau didacticiel2. Puis, il faut allumer le générateur, le jeu affiche un didacticiel sur la température. Etc. Toute la campagne est ponctuée de micro tutoriels, mais ils sont intégrés à une vraie partie en cours.

4. Scinder l’interface

Un autre élément qui peut être scindé en plusieurs morceaux est l’interface utilisateur (UI). Un jeu qui doit partager beaucoup d’informations risque d’avoir une UI complexe, mais quelle est la nécessité que tous les éléments soient affichés dès le premier tour de jeu ?

Exemples

Au début de “Mini Metro“(2015), il n’y a pas d’interface. La seule chose à faire est de connecter les stations de métros. Ce n’est qu’en progressant dans le jeu que les éléments commencent à apparaître : le menu des lignes, l’horloge et le nombre de passagers.

“Animal Crossing : New Horizons”(2020) est un autre exemple. La roue à outils est pratique pour une sélection rapide d’éléments, mais il serait difficile de ne pas créer de confusion avec le menu d’inventaire pour un nouveau joueur ou joueuse. Donc, cette roue n’est pas disponible dès le début et peut être achetée comme une amélioration. De cette façon, les joueurs et joueuses ont la main sur le rythme auquel leur UI se complexifie.

“Total War Saga : Troy”(2020) essaye de mettre ça en place en dévoilant au fur et à mesure l’UI.

AVIS : je suis encore incertain sur les bonnes pratiques à mettre en place pour que cette technique soit un succès. Je pense qu’il y a plus à creuser, sur la façon de procéde, que de bêtement masquer une partie des interfaces. C’est un sujet à approfondir.

5. Scinder par public cible

Si de nouveaux joueurs et joueuses ont envie de se lancer dans un jeu de versus, ils n’ont pas besoin de connaître des concepts avancés comme le ‘trip guard’ ou les ‘frame data’. Il est préférable d’abord de leur enseigner à ne pas utiliser les contrôles au hasard. Et après, de rentrer dans la complexité.

Les designers de “Mortal Kombat 11”(2019) ont décidé de séparer leur base de joueurs et joueuses en plusieurs segments : les joueurs du canapé, les amateurs, les connaisseurs et les tueurs. Puis, ils ont défini quelles connaissances sont nécessaires à apprendre en fonction du segment et ont réparti les leçons en 3 groupes : basique, avancé et stratégie. Ces 3 groupes ne sont pas faits pour être joués d’une traite. À la fin de chaque groupe, les joueurs et joueuses sont encouragés à jouer une vraie partie pour mettre en pratique ces nouvelles connaissances et s’amuser. Ils pourront toujours revenir plus tard pour faire évoluer leurs connaissances quand ils en auront l’envie.

Scinder les fonctionnalités

La plupart des jeux complexes ne sont pas faits pour être joués une unique fois, comme un jeu narratif ou d’aventure. Leur design permet une grande re-jouabilité. Donc, il serait possible de prendre cette idée de séparer le tutoriel au sein d’une campagne, mais de l’appliquer entre plusieurs parties.

Étude de cas

“Civilization V”(2010) est le premier jeu de la série auquel Mark Brown a joué. Le jeu a été bien reçu, mais critiqué pour avoir simplifié ou retiré des fonctionnalités présentes dans les jeux précédents, comme l’espionnage et la religion. Mais, cela a été un avantage pour Mark, car la présence de moins de systèmes a rendu plus facile son apprentissage du jeu et lui a donné envie de faire plusieurs parties.

Ultérieurement, les fonctionnalités manquantes ont été réintroduites dans les packs d’expansion “Gods & Kings” et “Brave New World”. Mark a pu facilement les prendre en main, car il avait déjà une bonne maîtrise du jeu de base.

Une approche similaire pourrait être utilisée pour d’autres jeux (sans passer par la vente d’expansion). Au lieu d’avoir un mode facile avec une IA moins avantagée, il pourrait s’agir d’une version du jeu avec moins de systèmes actifs. Et entre chaque partie, les joueurs et joueuses peuvent jouer avec de plus en plus de fonctionnalités, jusqu’à atteindre la version complète du jeu.

NOTE : pour l’instant, je ne crois pas connaître de jeu qui applique cela volontairement. L’exemple qui s’en rapproche le plus serait la campagne de “Two Point Museum”(2025)3 qui verrouille certaines fonctionnalités derrière un nombre d’étoile global, étoiles que l’on débloque en achevant les objectifs de différents musées du mode campagne.

Rendre l’apprentissage ludique

Peut-être que les solutions précédentes ne sont pas applicables à tous les projets, surtout si ce n’est pas prévu dès la conception. Dans ce cas, comment rendre l’apprentissage des bases plus intéressant, amusant et efficace ?

1. Apprendre par l’expérimentation

Dans la plupart des jeux d’actions, le tutoriel va demander aux joueurs et joueuses d’exécuter l’action qui leur a été enseignée. C’est une façon simple et efficace, car on leur demande de pratiquer sur le tas pour apprendre.

Certains jeux complexes mettent cette méthode en place, avec des indicateurs qui montrent où cliquer, quelle sera la prochaine action, etc. Malheureusement, avoir un guide montrant la bonne solution n’est pas suffisant pour ancrer l’apprentissage. Une part du problème est que suivre aveuglément les instructions n’est pas une bonne manière d’apprendre.

En ce qui concerne le jeu ; j’ai progressé.
Mais en ce qui concerne mon cerveau ; je n’ai rien appris du tout.
- Asher Vollmer, Designer du jeu “Threes”(2014)4

Études de cas

Dans son jeu “Threes”(2014), Asher a décidé de créer une série de mini-puzzles à résoudre en guise de tutoriels5. Au lieu de donner des instructions précises : “Glissez deux fois sur la gauche, puis une fois vers le haut.”, il laisse l’exécution libre et se contente d’expliquer les outils à disposition : “Réarrangez les nombres en les poussant contre les murs.“ C’est une tâche très simple, mais qui permet aux joueurs et joueuses d’engager leur attention sur un outil qui leur servira plus tard.

“Planet Zoo”(2019) utilise cette solution dans son tutoriel. Le jeu commence en introduisant les modalités du bien-être animal. Il faut rénover l’enclos dédié aux tigres et améliorer leur contentement en fonction de leurs besoins. Puis, le jeu demandera de faire la même chose pour les autres enclos pré-construits. À ce moment du jeu, il y a très peu de guidage. Les joueurs et joueuses doivent aller chercher eux-même dans les interfaces les informations dont ils ont besoin pour améliorer le bonheur des animaux. La campagne du jeu répète ce motif en arrivant dans de nouveaux zoos avec leurs problèmes, qu’il faudra résoudre un à un en autonomie. Cette segmentation permet de gagner des connaissances petit à petit, pour ensuite être autonome sur un plus grand nombre d’éléments.

Dans les missions tutorielles de “Offworld Trading Compagny”(2016), le jeu affiche une liste d’objectifs et laisse les joueurs et joueuses se débrouiller pour les accomplir. En supprimant les interfaces directrices et en laissant place à l’autonomie, ils et elles se sentiront plus engagés et auront le sentiment qu’ils jouent déjà au jeu.

2. L’importance des ‘feedback’

Cependant, la solution précédente n’est pas parfaite. Quand on apprend par expérimentation, ce sont les retours du jeu qui indiquent si l’action est une réussite ou un échec. Dans un jeu d’action, l’erreur sera visible très rapidement, mais dans un jeu de stratégie, il est possible de ne pas réaliser l’impact de son erreur avant un long moment. Les jeux complexes ont généralement un cycle de retours lent, ce qui ne facilitie par l’apprentissage par expérimentation. Parfois, il faut jouer une campagne entière pour comprendre comment des décisions antérieures vont impacter le reste de la partie.

Certaines solutions sont possibles pour essayer de mitiger le problème. Par exemple, les parties rapides dans “Civilization”, qui réduisent drastiquement le temps de construction, pourraient servir d’outil d’entraînement. Ou bien les personnages conseillers, dans les tutoriels, qui pourraient alerter les joueurs et joueuses quand ils font quelque chose qui aura un impact négatif sur le long terme, comme dans “Offworld Trading Compagny”(2016).

Ces solutions répondent aussi à un autre problème des jeux complexes. Il est facile de dire quoi faire, mais difficile d’expliquer pourquoi. Dans un “Civilization”, construire un bâtiment est simple, mais il est difficile d’expliquer facilement quand un bâtiment devrait être construit et où. Accélérer le cycle de ‘feedback’ permet aux joueurs et joueuses de voir les conséquences de leurs choix par eux-mêmes.

Privilégier l’affordance

Il y a autre chose que les jeux peuvent faire pour faciliter leur apprentissage. Utiliser des points de référence qui sont familiers au public. Comme, les piques infligent des dégâts ; la glace fait glisser ; les pièces permettent d’acheter des choses ; les clés dévérrouillent des serrures ; etc.

1. Les connaissances du monde réel

“Plants vs. Zombies”(2009) n’a pas besoin d’expliquer qu’un zombie coiffé d’un seau en métal est plus résistant que ceux avec un cône en plastique. Les joueurs et joueuses savent comment ces matériaux fonctionnent dans la vie courante.

Dans les jeux complexes, une façon de faire est de situer son thème dans un contexte réaliste ou historique. Dans “Civilization”, le public peut amener sa propre connaissance historique pour assumer comment certaines choses fonctionnent.

En se basant sur des savoirs déjà assimilés, les jeux peuvent sembler plus intuitifs et peuvent parfois éviter d’avoir à faire un tutoriel.

2. Les habitudes quotidiennes

Peut-être que le meilleur endroit pour s’inspirer de choses familières est de regarder les interfaces de tous les jours.

Comme “Reings”(2016), qui s’inspire du glissement gauche et droite sur l’écran, repris des applications de rencontres amoureuses. Ou les dialogues de “Disco Elysium”(2019) qui s’inspirent des fils de discussion de Twitter. Dans l’exemple précédent de “Planet Zoo”(2019), l’interface reprend le système de tri des informations d’un tableur et l’icône de position de Google Maps pour trouver un des animaux.

À cause de cette familiarité, “Total War Saga : Troy”(2020) a eu quelques difficultés durant ses tests du jeu. Certains testeurs et testeuses n’arrivaient pas à trouver le bouton de fin du tour dans l’interface. L’un d’eux a passé 40 minutes sur le premier tour, incapable d’avancer. La faute au bouton qui aborde une icône de sablier. Celles et ceux qui jouent à des jeux de stratégie depuis longtemps peuvent associer le sablier avec le bouton de fin du tour, mais pour la plupart, cela correspond à une icône de chargement. Les dévs ont changé l’icône pour une flèche pour résoudre le problème.

Les leçons à tirer sont de ne pas assumer que son public a joué à d’autres jeux du genre, et de toujours faire tester son tutoriel en amont.

Autres techniques

• ‘Show don’t tell’ s’applique aussi aux didacticiels. Une bonne image ou vidéo peut informer autant que du texte en moins de temps. Exemple : “Into the Breach”(2018) la prévisualisation des armes dans le menu de sélection des méchas.

• Réduire le texte au minimum. Être consistant dans son vocabulaire. Ne pas utiliser de jargon.

• Mettre à disposition des moyens de s’informer quand les joueurs et joueuses sont bloqués. Comme des infobulles, une encyclopédie, la possibilité de rejouer un fragment du tutoriel. Si quelqu’un bloc, vous ne voulez pas que sa seule solution soit d’aller sur internet. Cela leur donnera plus confiance pour expérimenter, s’ils savent qu’une aide est à disposition en cas de besoins.

• Différentes personnes vont apprendre de différentes manières. Il est donc préférable d’avoir plusieurs sortes d’apprentissage6. Exemples : “Offworld Trading Compagny”(2016) a 2 types de tutoriels. Une version scriptée linéaire et une version qui pousse à l’expérimentation. “Total War” propose souvent un tutoriel pour les nouveaux joueurs et joueuses et un pour ceux qui veulent seulement apprendre les éléments différenciants avec un opus précédent.

Conclusion

L’importance et la complexité des tutoriels sont parfois sous-évaluées. Pourtant, ils ne devraient pas, car ils sont parfois critiques pour le succès d’un jeu. Les développeurs et développeuses de jeux complexes sont bien conscients qu’apprendre à des nouveaux joueurs et joueuses comment jouer est essentiel pour agrandir la communauté de la franchise, et éviter de perdre en intérêt au fil du temps.

Dans cet article, on identifie certaines techniques pour essayer d’améliorer les tutoriels.

• Scinder le tutoriel en petits morceaux, au sein d’une seule ou entre plusieurs campagnes.

• Supporter l’apprentissage par expérimentation plutôt que la lecture.

• Trouver des façons d’être intuitif, familier et accueillant.

Voici la fin de cette publication. Comme vous pouvez le lire dans mes remarques, certains détails sont encore manquants et mériteraient d’être approfondis pour comprendre comment réussir leur implémentation. J’aimerai beaucoup traiter de nouveau le sujet dans le futur pour le mettre à jour.7

Merci pour votre lecture !

Source

The Architect of Games | Décembre 2022

• Adam Millard : Vidéaste essayiste sur le jeu-vidéo depuis 7+ ans

Sommaire

• Introduction

• Les compagnons

• Le bon compagnon

  • 1. Être accommodant

  • 2. Les limites de la complaisance

  • 3. Être utile

  • 4. Le fardeau des bons à rien

  • 5. Être récalcitrant

  • 6. De relations à mécaniques

• Conclusion

Introduction

“Marvel's Midnight Suns”(2022) est un jeu de rôle tactique, basé sur l’utilisation de cartes en combats, qui nous fait incarner une équipe de super-héros reconnaissables de l’univers Marvel. Ces derniers ont tendance à parler comme dans des comics, à avoir des anxiétés qu’il faut résoudre, et d’étranges demandes à satisfaire. Cette combinaison est à priori parfaite pour créer des personnages agaçants avec qui les joueurs et joueuses auront horreur d’interagir.

Contre toute attente, ça n’a pas été le cas pour Adam Millard. Il a pris goût à ces personnages. Ce qui l’étonne, au vu de la difficulté historique des jeux vidéos à créer des personnages non-joueurs (PNJ) attachants. Entre ceux qui sont des moulins à tutoriels, l’acolyte autoritaire et les tristement célèbres PNJ sans défense des missions d’escortes. Même les jeux les plus reconnus tombent souvent dans le piège de créer des compagnons qui deviennent une source d’irritation et de frustration, au lieu d’enrichir la compréhension du monde et d’être des personnages avec qui l’on veut passer du temps.

Le plus étrange, ce sont souvent les PNJ que les dévs, auteurs et autrices, veulent le plus faire apprécier aux joueurs et joueuses, qui finissent par être les plus irritants. On peut penser à Fi et Navi dans les jeux “Zelda” qui sont reconnues pour être embêtantes, alors qu’elles sont censées être amicales, utiles et dispenser de bons conseils. Les mascottes censées être humoristiques et attrayantes, comme Claptrap dans “Borderland”, sont immédiatement rebutantes. Et surprenamment, beaucoup de compagnons adorés par les communautés sont ceux avec qui elles ont le plus de mal à se lier d’amitié et qui demandent de nombreux efforts ; ceux qui ont un petit côté étrange et qui n’étaient pas destinés à être les favoris ; ou ceux qui sont désagréables. Pourquoi est-ce que l’on préfère ces PNJ étranges ou hostiles, plutôt que celles et ceux créés pour nous aider ?

Les compagnons

En premier, nous devons comprendre comment ces personnages fonctionnent.

1. Leur rôle

Le rôle des compagnons est crucial dans les jeux où ils existent. Ils et elles servent à expliquer le monde, comment jouer, et poser les fondations narratives auxquelles les joueurs et joueuses peuvent s’attacher pour créer leur propre histoire. Ainsi que servir d’entité ‘gameplay’ indépendantes qui peuvent changer et évoluer différemment des avatars principaux. Pour les dévs, ce sont des outils narratifs précieux qui leur permettent de communiquer avec leur public sans briser l’immersion.

2. Les difficultés

Cependant, toutes ces choses sont vraies uniquement si le PNJ en question est apprécié. Si les joueurs et joueuses sont positivement disposés envers un personnage, toutes ses actions vont enrichir leur expérience grâce à ce lien empathique. Dans le cas où il serait ennuyant, contrariant ou écœurant, les joueurs et joueuses seront moins enclins à l’écouter et plus à lui désobéir. Ce qui les mettra parfois face aux limites de leur liberté en jeu, quand ils seront forcés de se coltiner ce PNJ, le rendant par la même occasion encore plus détestable.

Puisqu’il est si important d’apprécier les compagnons, pourquoi est-ce si dur ? Adam penche sur le fait qu’écrire un personnage interactif pour un jeu vidéo est beaucoup plus complexe que sur d’autres médiums. Ces PNJ n’ont pas seulement besoin d’être plaisants narrativement, ils ont aussi besoin de justifier leur existence dans le ‘gameplay’. Les joueurs et joueuses veulent avoir un sentiment de contrôle, progresser dans le jeu et rencontrer des défis intéressants. Tout personnage qui fait obstacle à cela sera considéré frustrant, peu importe à quel point il est bien écrit.

Le bon compagnon

Comment les meilleurs compagnons atteignent cet équilibre ?

1. Être accommodant

La première façon est de souligner l’autonomie des joueurs et joueuses en étant le plus accommodant possible. Leur faire ressentir qu’ils sont le personnage principal, tout en leur enseignant comment jouer le plus secrètement possible.

Exemple

Un excellent exemple se retrouve dans le personnage d’Alyx dans “Half Life 2”(2004). Elle informe et signale sans jamais dire quoi faire. Ses réactions et son comportement indiquent aux joueurs et joueuses ce qu’ils doivent ressentir et penser à ce moment-là du jeu : elle prend un moment pour observer les dégâts dans la citadelle et renforcer la notion de danger ; la discussion avec son père pose les enjeux émotionnels ; et elle clame à haute voix toutes les questions que le jeu souhaite poser aux joueurs et joueuses, donnant la réponse après qu’elle soit trouvée. Alyx est un compagnon subtil. Les dévs font confiance à son public pour prendre note de son raisonnement et suivre son développement émotionnel sans jamais donner des instructions explicites. Le rôle du personnage change même pendant la mission, passant d’un PNJ qui vous guide à quelqu’un qui vous suit, démontrant que vous êtes le personnage principal.

2. Les limites de la complaisance

D’autres jeux tentant la même approche ont tendance à avoir la main lourde sur la prise de pouvoir des joueurs et joueuses, et finissent par sembler condescendant.

Exemple

Le jeu “God of War”(2018) est dans ce cas-là, malgré leur bonne écriture et caractérisation des personnages. Les PNJ vont souvent indiquer des conditions d’état évidentes (comme le fait d’être en feu) ; rappeler les objectifs encours ; ou divulguer la solution de puzzles.

L’intention de départ des compagnons est de donner les informations nécessaires pour jouer au jeu, mais leur aide est si flagrante et parfois inutile qu’ils peuvent donner l’impression de baby-sitter. C’est souvent la raison qui rend les PNJ tutoriels irritants. Ils sont réglés pour indiquer les informations utiles aux joueurs et joueuses les plus débutants, au détriment des plus expérimentés qui se voient gâcher leur plaisir à résoudre des puzzles ou de chercher les faiblesses d’un ennemi. Proposer l’option de les désactiver (“Shadow of the Tomb Raider”(2018)) ou de demander un indice par la pression d’un bouton (“Jedi: Fallen Order”(2019)), peut rendre ce type de compagnon plus agréable sans changer aucun de leurs dialogues.

Il est crucial pour ces PNJ, qui veulent mettre en avant leurs joueurs et joueuses, d’être capable de proposer le bon type d’expérience. Cela demande des prédictions du côté des dévs pour aller dans le sens des envies de leur public.

Dans “Marvel's Midnight Suns”(2022), le cœur du jeu est de diriger une équipe de super-héros et d’avoir des combats cool. Chaque battement de l’histoire sert une de ces deux fantaisies. Donner la chance de définir le genre d’équipe et de chef que vous êtes, en donnant la possibilité d’avoir autorité sur Iron-man par exemple ; ou utiliser l’histoire personnelle des héros pour justifier un combat épique.

Par ailleurs, le jeu admet ouvertement qu’il n’est pas obligatoire d’apprécier ou de passer du temps avec tous les personnages parmi celles et ceux disponibles. Il n’y a pas de conséquences négative à en ignorer un complètement et le laisser sur le banc de touche. Cela dit, augmenter l’affinité avec les héros leur permet de débloquer de nouveaux passifs, améliorer leurs cartes, ou d’autres bonus. Augmenter le niveau d’amitié d’une équipe va également débloquer des combos d’équipe très efficaces.

3. Être utile

Pourquoi le jeu bloque des fonctionnalités derrière le niveau d’amitié ?

De cette façon, le jeu procure une montée en puissance d’un personnage, le rendant plus appréciable au fur et à mesure que ses succès en mission augmentent. De nombreux jeux qui n’ont pas fait le choix de créer des compagnons tutoriels ou accommodants, usent de l’utilité des PNJ pour vous les faire apprécier. Dans différents jeux tactiques, les personnages les plus importants pour l’histoire sont généralement les plus forts.

Exemples

Dans “Fire Emblem: Three Houses“(2019), les trois protagonistes et leurs officiers, autour desquels tourne principalement l’histoire, sont également la colonne vertébrale de l’équipe en combat. Ce qui pousse à être plus investi dans leurs histoires, car ils ont déjà beaucoup d’importance dans le ‘gameplay’. Dans “Symphony of War“(2022), les protagonistes comme Zelos et Diana sont dominants sur le champ de bataille, incitant à les apprécier plus parce qu’ils remportent des missions ardues. Une autre forme d’utilisation se retrouve dans la bande de “Final Fantasy XV”(2016). Différentes mécaniques de jeux qui pourraient, sur le papier, être associées aux joueurs et joueuses sont, à la place, reléguées à la responsabilité des compagnons : Ignis cuisine, Gladio récolte la nourriture et Prompto prend des photos de l’aventure. Rien de change mécaniquement, mais la répartition des tâches établie une atmosphère de dynamique d’équipe au-delà des combats, et rend les compagnons plus vivants, avec leur propre vie et centres d’intérêt.

Les PNJ qui aident activement sont plus susceptibles d’être appréciés, même si leur aide ne pousse pas toujours les joueurs et joueuses à être le centre de l’attention, car elles contribuent tout de même à la victoire.

4. Le fardeau des bons à rien

Malheureusement, cela peut aussi se retourner contre eux. Si un compagnon semble ne pas contribuer ou être peu fiable, il va très certainement finir par être détesté. Cela peut être désastreux pour le plaisir de jeu.

Exemples

Dans “Final Fantasy VII”(1997), Cait Sith à la notoriété d’être inutile : il est le plus faible et capable de tirs alliés. Si bien qu’au moment de sa trahison, c’est un soulagement d’être enfin débarrassé de lui, jusqu’à ce qu’il revienne quelques minutes plus tard. Et, dans divers jeux coop supposés être joués en multijoueurs comme “Left 4 Dead”(2008), les compagnons IA sont si incompétents et plus dangereux que les zombies eux-mêmes, qu’ils sont haïs très vite.

Cette dynamique est particulièrement ressentie dans les missions d’escorte, où l’inutilité d’un compagnon qui doit être baby-sitté, s’accompagne d’une aversion à son égard, car il rend le jeu plus dur, alors qu’on est supposé éprouver de la sympathie pour eux.

Autres exemples

Dans “Resident Evil 4”(2005), Ashley Graham est sans défense et fait peu pour se racheter au cours du jeu. L’impression qu’elle semble ne rien faire et rend tout plus dur, remplace le fait qu’elle est censée rendre (secrètement) le jeu plus amusant, en ajoutant de la tension et plus de gestion de ressources propre aux jeux de survie horreur. De l’autre côté, Elizabeth dans “BioShock Infinite”(2013) contourne le problème en apparaissant sans défense dans les cinématiques, mais en combat, elle est immortelle et aide même en invoquant des provisions. Transformant une dynamique délicate de compagnon en avantages indéniable, tout en maintenant son importance dans l’histoire.

5. Être récalcitrant

Bien entendu, un PNJ qui met au défi les joueurs et joueuses en les faisant travailler n’est pas automatiquement rangé dans la catégorie des personnages agaçants. Ce serait même plutôt l’inverse. Quelques-uns des meilleurs compagnons dans les jeux, ne vont pas aider directement et vont d’abord proposer un défi intéressant à résoudre avant de rejoindre les joueurs et joueuses.

Exemples

C’est le cas de Kim Kitsugari dans “Disco Elysium”(2019). Contrairement au protagoniste, il est un bon policier et va réprimander ce dernier s’il fait l’idiot ou ne se comporte pas de façon professionnelle. Empêchant activement de faire certaines actions quand il est à ses côtés. Et, du point de vue relationnel il n’a pas une bonne opinion du protagoniste, mais au lieu de tirer le jeu vers le bas, le parcours pour gagner son respect et redresser les comportements du protagoniste est une des intrigues les plus gratifiantes à atteindre dans le jeu, précisément à cause de cette relation en froid au démarrage. Kreia, dans “Star Wars Knights of the Old Republic II”(2004), opère sur le même principe, mais dans un but différent. En critiquant à la fois les actions des joueurs et joueuses suivant la voie des Jedi ou des Sith, elle sert à faire réfléchir sur leurs choix, à les défendre ou les reconsidérer, pour construire une vision plus sophistiquée du monde.

L’idée d’encourager les joueurs et joueuses à faire des efforts pour se lier d’amitié avec quelqu’un et les comprendre est une bonne astuce psychologique. Tous ces efforts qui sont engagés dans ces personnages leur donnent plus de valeur. Et en récompensant ces efforts de façon appropriée, le jeu va créer des liens fort entre les joueurs et joueuses et les compagnons, qui vont s’endurcir avec le temps.

6. De relations à mécaniques

Exemple

Regardez n’importe quel jeu qui traque les relations avec les personnages, comme “Persona 5”(2016). Une large partie de la progression est basé sur l’évolution des relations avec les différents confidents rencontrés, dans le but de gagner de nouvelles compétences, de nouveaux accès à des objets spéciaux, etc. Par défaut, faire monter de niveau une relation est long, mais peut être accéléré en choisissant les bonnes répliques durant les dialogues ou offrant des objets adaptés aux goûts des confidents. Cela motive à se soucier suffisamment de chaque personnage pour retenir leurs préférences et histoire personnelle.

Ce système utilise le processus narratif d’apprendre à connaître et s’attacher à quelqu’un, et lui donne un poids tangible sur les mécaniques. Choisir de passer du temps avec quelqu’un n’est pas simplement du texte à l’écran, mais va influencer la façon de jouer. Cela rend plus gratifiant l’acte de faire attention aux dialogues et de cerner un personnage organiquement plutôt que de devenir son ami instantanément, sans efforts. Et cela nous ramène à “Marvel's Midnight Suns”(2022), pour répondre à la question : pourquoi leurs héros maussades, exigeant et parfois à l’humour raté sont attachants ?

En fin de compte, le jeu ne force pas un héros sur le devant de la scène et n’oblige pas à écouter des heures de dialogues. Il encourage à se soucier des personnages de façon à récompenser sur le plan mécanique et narratif.

Exemple

Le personnage le plus marquant pour Adam dans ce jeu était Magik. Il voulait améliorer sa relation avec elle car il adore son style de combat jouant avec des portails, mais Magik était difficilement approchable et ne l’aimait pas trop. Réussir à débloquer cette relation a nécessité de faire attention aux indices divulgués par les autres compagnons parlants d’elle, en apprendre plus sur son passé et en l’encourageant lors d’un moment narratif difficile. Le jeu a utilisé ses personnages pour mettre en place un scénario intéressant, tout en donnant la responsabilité aux joueurs et joueuses de résoudre l’intrigue, et récompense par une augmentation tangible de la puissance ; sans être effrayé de permettre l’échec où Magik continue de les détester. Rendant encore plus important l’attache portée à ce personnage quand on a réussi à la faire s’ouvrir à nous.

Conclusion

Les compagnons sont rendus meilleurs quand le jeu reconnaît le lien entre le personnage joueur (PJ ou avatar) et les joueurs et joueuses.

Cela fait défaut aux jeux qui utilisent beaucoup de cinématiques et dialogues pour expliquer pourquoi le protagoniste est attaché à ses compagnons, sans donner de réelles raisons aux joueurs et joueuses de faire de même. Ou, aux jeux dont les compagnons sont des moulins à instructions, finissant par apparaître incohérent avec le monde auquel ils sont censés appartenir. Les meilleurs compagnons : les plus mémorables, touchants ou amusant à détester ; sont ceux qui attraients à la fois sur le plan pratique et le contexte du monde.

Navi est utile à Link, mais plus qu’agaçante pour les joueurs et joueuses. Midna de “The Legend of Zelda: Twilight Princess”(2006) est similaire, mais s’en sort mieux car elle a un rôle actif en combat et un impact dans l’histoire.

Aujourd’hui, la tendance est de fuir les personnages sympathiques et d’apprécier celles et ceux plus abrasifs, car les plus amicaux sont souvent une façade pour ceux qui vont ralentir ou donner des ordres, alors que les plus hostiles représentantes un défi pour gagner leur respect.

Voici la fin de cette publication. J’espère que vous avez repensé avec nostalgie à ce compagnon de toujours, qui vous a accompagné dans les bons et les mauvais moments.

Merci pour votre lecture !

Remerciements à Jeremy pour la relecture.

Source

GDC2019 | 18 - 22 mars 2019

• David “Rez” Graham : Programmeur IA sur la série “Les Sims“ ; A majoritairement travaillé sur de nombreux systèmes hors combat : simulations, figurants, etc.

Sommaire

• Introduction

• ‘Utility UI’

  • 1. Statistiques et besoins

  • 2. Étiquettes

  • 3. Aléatoire

  • 4. Relations

• Assemblage

• Emplois du temps

  • 1. Structure

  • 2. Décisions

  • 3. Actualisation

Introduction

Dans “Pillars of Eternity”(2015), les personnages non-joueurs (PNJ) figurants ne réagissent pas aux combats qui se déroulent parfois juste à côté d’eux. Ils vont simplement jouer leur animation ‘idle’. Pourtant, le jeu a un système de réputation poussé pour le personnage joueur, joueuse (PJ). Par exemple, on peut être considéré “bienveillant” par les PNJ d’un lieu particulier, car on les a aidés par le passé. Et si les PNJ aux alentours, voyant qu’on se fait attaquer, réagissaient pour aider quelqu’un de “bienveillant” en difficulté ? Ne serait-ce pas cool ?!1

On pourrait se demander pourquoi on ne met pas en place ce genre d’interaction plus souvent dans les jeux. David “Rez” répond par une anecdote : un jour, un producteur lui a posé la question : “Pourquoi est-ce que les IA dans “The Sims 4”(2014) sont plus coûteuses en temps de production que celles de “Battlefield 4”(2014) ?”

Parce que mes personnages [sur les “Sims 4”] sont présent à l’écran sur un temps long, et doivent bien rendre, car les joueurs et joueuses les regardes constamment. Alors que sur “Battlefield“, ils [les personnages] ne sont présent que pour quelques secondes [le temps d’être tiré dessus].

- David “Rez” Graham

C’est une des principales leçons à retenir. Si vous voulez des personnages figurants riches et profonds, vous devez vous préparer à en payer le prix.

Cette contrepartie est le principal obstacle qui ralentit l’évolution d’AI non-combattantes dans les jeux. Après tout, le plus efficace est de dépenser le temps de production sur le cœur du jeu (l’activité que les joueurs et joueuses feront le plus souvent) pour rentabiliser la valeur ajoutée que l’ont créée. C’est pourquoi je crois que les innovations dans ce domaine viendront des jeux qui n’incorporent pas de combat dans leur cœur de jeu.

La suite de cette conférence présente une myriade de différentes techniques, et comment elles sont assemblées pour former des PNJ figurants. L’important n’est pas de simuler la réalité2, de créer des comportements complexes. Le but est de créer des situations immersives et intéressantes à jouer.

‘Utility AI’

Dans la poursuite de comportements nuancés chez ses PNJ, David “Rez” se tourne vers l’utilisation de systèmes utilitaires. Aussi appelés ‘utility systems’ ou ‘utility AI’.

L’’utility AI’ est un processus de prise de décision, qui évalue différentes actions à disposition du PNJ, fondé sur leur utilité dans l’instant présent.

Basiquement, chaque action a un score d’utilité attribué, qui évolue en fonction des circonstances et de paramètres desdites actions. Et, le système choisit l’une des actions avec le plus haut score comme étant la plus bénéfique à effectuer pour le PNJ. Cela permet de créer des réactions dynamiques, non limité par des protocoles linéaires.

Le conférencier ne rentre pas dans les détails du système. Si vous voulez creuser le sujet, je vous mets des références3 à disposition (exclusivement en anglais).

Ce système peut être utilisé pour donner des comportements émergeant, qui vont offrir cet aspect magique d’un récit qui s’adapte aux actions des joueurs et joueuses.

1. Statistiques et besoins

Attacher des statistiques aux PNJ permet d’avoir de multiples éléments qui vont influencer les calculs d’utilité, comme : leurs compétences, leurs relations, etc.

Ou des jauges à remplir, qui se traduisent par des besoins, comme : la faim, l’hygiène, la socialisation, la sécurité d’une ville, le bonheur des habitants, etc. Qui changent l’objectif que souhaite atteindre le système de décision.

Toutes ces valeurs qui peuvent changer ou décliner, peuvent s’attacher à des personnes, des objets ou des concepts.

2. Étiquettes

Un système d’étiquettes (ou ‘Tags’) peuvent également diriger les décisions.

Par exemple, être un “glouton” ou “rat de bibliothèque” permet d’avoir un score plus élevé sur les actions “lecture” ou “manger“. Cela ne veut pas dire qu’elles seront choisies par défaut, mais qu’elles auront tendance à être choisi plus souvent.

C’est ce genre d’impulsion qui permet de donner une direction et du caractère aux PNJ. On peut aussi penser aux ‘buffs’ de combat, qui sont similaires.

3. Aléatoire

Le conférencier pense qu’il est important d’ajouter de l’aléatoire dans la sélection des meilleures actions, déduit par le système utilitaire, car cela permet d’éviter un résultat trop déterministe, et donc prévisible. Et donne l’opportunité à des coïncidences bienvenues.

Exemple

Dans “Les Sims 4”(2014) : “Il envoie son Sims se lier d’amitié avec quelqu’un. Étant un rat de bibliothèque, le Sims parle de livres. Plus tard, le Sims invite son nouvel ami chez lui et va lire sur le canapé. Son ami se met à côté de lui et va également lire.” En tant que joueur, il a trouvé cela super que les deux Sims aient choisi de lire des livres ensemble après avoir (probablement) discuté d’une saga qu’ils adorent tous les deux.

Évidemment, cette anecdote est le fruit du narratif que s’est construit le conférencier fasse à une série d’évènements. Ce qui est réellement arrivé : le Sims en a eu marre de socialiser et a voulu satisfaire son besoin en “amusement”. L’IA a calculé les actions qui peuvent satisfaire ce besoin et il avait 50% de chance de choisir de lire. Son ami avait seulement 25% de chance de lire, mais l’aspect aléatoire a permis à cet évènement d’advenir.

4. Relations

Si nous avons un ensemble de personnages, ce que nous voulons faire c’est créer un écosystème d’entités qui existent dans ce monde. Ces personnages savent ce qu’ils ressentent à propos de quelqu’un, pas nécessairement l’inverse.

Par exemple : si vous ne m’aimez pas trop, mais moi, je vous adore ; je risque de vous suivre partout comme un chiot. Si on s’adore tous les deux, on va vouloir se parler. Si on se déteste tous les deux, on peut très bien imaginer vouloir se confronter l’un l’autre plutôt que de s’éviter. Cela peut entrainer des situations intéressantes. Tout comme avoir conscience de la propriété d’un objet : ma chaise, ma guitare, etc.

Dans l’exemple précédent, peu importe si l’ami Sims eu choisi de lire ou non, il aurait probablement essayé de s’assoir à côté de mon Sims pour son activité, car ils sont amis.

Assemblage

Ce que nous essayons de faire, c’est relier toutes ces différentes pièces ensemble pour créer quelque chose de plus que la somme de ses parties. Aménager un terrain fertile pour des comportements émergents.

1. Niveau de détails

En créant une simulation étendue, il faut prendre en compte le niveau de détail que l’on traite moment après moment.

Une façon de faire est de faire de la planification statistique. Si l’on utilise des courbes d’utilités ou de mesures, on peut observer une tendance des comportements (dans le temps) des personnages ou éléments, et l’utiliser.

Par exemple, si une ville est en déclin, que les joueurs et joueuses décident s’en éloigner jusqu’à ce qu’elle soit en faible niveau de détail, alors cette ville va probablement continuer de décliner. On peut prédire et utiliser cette tendance pour actualiser l’état du monde et récupérer ces informations au moment de re-simuler la ville à niveau de détail poussé, quand les joueurs et joueuses seront de nouveau proches.

Autre exemple, dans les Sims : Si un Sims est en faible niveau de détail, alors son modèle 3D n’est pas affiché. Et, lorsque l’on a besoin de le faire apparaître, la simulation récupère les informations d’activités du Sims, lié à l’heure de la journée, pour actualiser ses vêtements, lieu et activité sur le moment. Des ajustements peuvent être apportés manuellement entre ces étapes pour avoir quelque chose de plus personnalisé.

2. Outils

N’importe quelle application de calculatrice graphique, pour visualiser les courbes d’utilités et les superposer les une aux autres afin de prévisualiser leurs interactions. Cela permet également d’itérer en amont, de changer les valeurs dans le projet.

Le niveau supérieur est d’utiliser un tableur. On peut faire des simulations entières sur un tableur et utiliser le générateur de nombre aléatoire pour éprouver nos formules. Sur “Les Sims 4”(2014), David “Rez” a construit son modèle pour simuler comment choisir les Sims appropriés quand l’un d’eux veut organiser une soirée. Après avoir fait son tableur, il l’a partagé avec l’équipe de designs qui ont pu ajuster et itérer sur des variables jusqu’à avoir ce qu’ils désiraient, avant de renvoyer le tableur à David “Rez” pour l’intégration.

Les prototypes sont un bon moyen de tester des petites simulations, indépendantes du jeu, pour répondre à une question bien précise.

Mon meilleur conseil concernant les prototypes est de le jeter complètement une fois terminé. […] Seulement 1 personne sur ~200 [présent dans la salle de conférence] a eu une expérience positive en emmenant un prototype jusqu’en production.

- David “Rez” Graham

Emploi du temps

1. Structure

Maintenant, nous allons nous pencher sur le système d’emploi du temps. Nous humains suivons un emploi du temps, on a tendance à répéter les mêmes activités sur les mêmes tranches horaires, au jour le jour, ou semaine par semaine, ou mois par mois. Les Sims, en général, suivent un semainier. Les Sims soldats stellaires suivent un programme journalier, car c’est un vaisseau militaire.

L’architecture de base consiste en un agent, qui possède un certain nombre d’emplois du temps, qui ont un certain nombre entrées, emballées autour d’un système de temps.

Les entrées de multiples emplois du temps peuvent se superposer (segment 1000 de l’image). L’espace blanc (segment 1400-1600) est considéré comme vide et le comportement dans ce cas-là dépendra de ce qu’on a défini.

Les entrées ont leur unité de début et de fin, ainsi qu’un ensemble de tâches. Ces tâches vont dépendre de votre jeu. Elles peuvent être aussi simples que marcher et lancer une animation à destination, ou elles pourraient être complexes.

2. Décisions

Aléatoire

Pour la sélection d’un choix parmi les entrées disponibles. Dans le cas d’une IA figurant, l’utilisation d’un échantillonnage aléatoire uniforme ou pondéré (respectivement ‘URS’ et ‘WRS’ en anglais) suffit probablement. Mais, David “Rez” préfère utiliser les courbes d’utilités (‘Utility Curve’) pour influencer le choix de toutes sortes d’IA.

Ensemble

Une tâche est égale à l’union de l’ensemble des tâches parmi toutes les entrées de tous les emplois du temps, sur la période de temps concernée. Sur cette image, en période 1000, on considère 3 entrées différentes, et 2 entrées en période 1300.

Priorités

On peut donner des priorités à certains emplois du temps. Dans cet exemple, sur la période 0800, on ignore l’emploi du temps 3 (prioritaire) car l’entrée est vide, pour choisir parmi les entrées de l’emploi du temps 1 ou 2. Sur la période 1300, l’emploi du temps 3 s’applique et on ignore le 1 et 2 entièrement.

Cela permet d’avoir des emplois du temps qui se superposent et se remplacent. Exemple : voici votre emploi du temps par défaut. C’est ce que vous faites habituellement, mais vous êtes un traître de la rébellion, donc pendant cette période particulière, vous partez en espionnage.

L’énumération du nombre de priorités d’un programme doit rester petit. Pas plus de 2 ou 3 priorités, sinon on se retrouve comme dans les Sims avec 13 niveaux de priorités et cela devient ingérable à long terme.

Espace vide

Dans les Sims, il est défini comme le temps libre où l’IA peut faire ce qu’elle désire en fonction de ses besoins. Pour certains projets, cela pourrait être considéré comme un état d’erreur. Il faut définir ce qui arrive quand vos IA ne sont pas dans un emploi du temps, car si vous les concevez pour être sans arrêt dedans, vous aurez forcément des bogues liés à cette restriction.

3. Actualisation

De quelle façon allons-nous planifier les actualisations des IA ? Nous ne voulons pas demander une actualisation pour chaque personnage du monde, chaque emploi du temps, chaque entrée. Le jeu exploserait.

L’avantage des emplois du temps, c’est d’avoir des moments distincts qui nous importent de surveiller pour actualiser un changement de tâche.

En code, cela se traduit par un ‘Manager’ qui stockent une liste de rappels, organisés par priorité et durée les séparant du temps en cours, qui déclenchent l’actualisation de certains éléments établie sur cette liste de rappels. Quand un emploi du temps est ajouté ou retiré, on ajoute ou retire les rappels de la liste.

Voici la fin de cette publication. Comme je le disais en tout début, il est difficile de s’imaginer pouvoir tout mettre en place sur nos projets à la vue des coûts de développement. Mais, on peut certainement récupérer une astuce ou deux pour améliorer un tant soit peu nos comportements d’IA non-combattantes.

Merci pour votre lecture !

Remerciements à Thomas pour la relecture.

Il y a une multitude de façons d’approcher la phase de concepts. Il y a également, une multitude de raisons de vouloir faire un jeu. Cette approche penche vers une observation rigoureuse de l’industrie, à laquelle on ajoute une touche de surprise. Ce n’est qu’une façon parmi d’autres de confronter ses idées. Bonne lecture !

Sources

Brace Yourself Games | 2020

• Ryan Clark : Fondateur du studio Brace Yourself Game ; développeur indépendant depuis bientôt 20 ans

Sommaire

• Définitions

• La composition d’une accroche

• Le marché

• Les deux types d’accroches

• Choisir son concept

• Les ancrages

• (Bonus) Comment générer des idées d’accroches

Définitions

Une accroche (‘hook’) est un concept. C’est un élément à propos de votre jeu qui reste gravé dans la mémoire.

Comme : Un rencard avec votre arme. “Boyfriend Dungeon”(2021) ; Un pistolet qui tire des portails. “Portal”(2007) ; Un ‘dungeon-crawler’ où vous bougez au rythme de la musique. “Crypt of the NecroDancer”(2015).

La composition d’une accroche

Une bonne accroche a besoin de 2 éléments :

• Être surprenant

• Être désirable, pour votre audience cible

Un exemple dans la vie réelle.
Imaginez que vous ouvrez un restaurant et vous décidez de faire de la cuisine italienne. C’est certainement désirable comme cuisine, mais ce n’est pas surprenant. L’idée n’accroche pas.

Une autre idée serait un restaurant qui utilise les restes d’ingrédients qui allaient être jetées. C’est assurément surprenant, mais peu désirable.

Une dernière idée serait d’ouvrir un bar tendance, où vous entrez par un passage secret dans une fausse cabine téléphonique et vous avez besoin d’un mot de passe. C’est surprenant, du moins quand le premier du genre a ouvert, et désirable, car les personnes aiment avoir l’impression d’être dans le secret.

Études de cas

“Darkest Dungeon”(2016) propose de l’exploration de donjons avec des conséquences sur la psyché des personnages.
C’est surprenant, puisque les jeux ont l’habitude de représenter leurs héros comme stoïque et non affectés mentalement. Et, c'est désirable pour l’audience, la popularité de “Dungeons & Dragons” a intéressé de plus en plus de monde à l’univers du jeu de rôle. Et, un jeu vidéo qui offre un aspect plus humain, plus réaliste, va dans le sens de cette popularité.

NOTE : Mon projet perso, en développement, est un petit jeu 2D de culture d’un jardin potager. L’espace de jeu sera limité à un seul écran et reprend des mécaniques de jeux d’agricultures.

• Est-ce un concept désirable ? Très certainement, les jeux ‘cozy’ et de plantations (qui se sont bien développés depuis le covid) ont toujours du succès en ce moment.

• Est-ce surprenant ? La question se pose. Est-ce que la limitation au potager domestique et le minimalisme sont suffisants comme critères différenciant ? Doot (co-développeur de “Minami Lane”(2024)), pense que prendre un genre populaire et le réduire en une version miniature est un critère de démarcation suffisant", comme il l’a montré sur son projet. On peut ne pas être d’accord.

Si l’un des critères n’est pas rempli, il faut retravailler son idée jusqu’à trouver un concept qui nous satisfasse pleinement.

Le marché

1. La désirabilité

Pour savoir ce qui est surprenant ou désirable, il faut étudier le marché actuel. Quels sont les jeux existants et les prochaines sorties ? Quelles sont leurs accroches ? Et, quels jeux se vendent et ne se vendent pas ?

2. La viabilité

Une accroche n’est pas suffisante pour avoir un jeu rentable. Il faut également avoir un genre viable.

Évaluer la viabilité d’un genre suit globalement la même méthode que pour évaluer le marché, mais se concentre sur les revenus médians et le nombre de joueurs et joueuses dans un genre.

Si le genre de votre concept est viable, l’accroche n’a pas besoin d’être forte, car vous pouvez vous contenter d’une tranche de l’audience pour être rentable.

Mais, dans le cas où le genre serait peu viable (si les jeux qui se vendent le mieux dans ce genre sont peu fructueux, ou si les joueurs et joueuses restent sur le même jeu encore et encore) alors, il faut une accroche extrêmement puissante pour capturer une large part de l’audience.

Exemple

Il semblerait que les ‘Factorio-like’ n’ont pas forcément besoin d’une accroche unique pour avoir du succès et peuvent même se contenter de notes moins bonnes que “Factorio”(2020) avec peu d’accroches qui les différencient.

À l’inverse, “Baba is You”(2019) a une accroche si forte qu’il a capturé une large audience dans le genre des jeux de puzzle, et a même réussi à étendre sa renommée en dehors de ce cercle.

NOTE : Malheureusement, il y a peu de littérature en français, sur les méthodes d’étude du marché jeu-vidéo, vers laquelle vous redirigez.

Quelques conseils que j’ai souvent vus ou entendus répéter :

• Régulièrement décortiquer les jeux en top des ventes sur votre plateforme (étude globale).

• Décortiquer le top des ventes dans votre genre, comparé au nombre de sorties (étude ciblée).

• Estimer le revenu médian d’un genre de jeux (étude ciblée).

• Faire attention aux aberrations statistiques, dû à des influences contextuelles, extérieurs, ou anormales pour un jeu ou un genre.

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Les deux types d’accroches

1. Les types d’accroches

Il existe deux types d’accroches :

• L’accroche pré-jeu : accroche en amont

• L’accroche post-jeu : accroche ‘gameplay’

L’accroche en amont prend effet avant même que les joueurs et joueuses aient joué au jeu. Cela se transmet par les bandes-annonces, les captures d’écrans, ou le concept du jeu.
Par exemple, “No Man Sky”(2016) étaient dans le top des ventes avant même leur sortie, ils ont fait énormément de revenus lors des pré-commandes. Cela leur a permis de réduire les risques financiers avant la sortie.

Une accroche ‘gameplay’ prend effet après que les joueurs et joueuses aient joué au jeu. C’est quand quelque chose à propos du jeu créé du bouche-à-oreille.
Par exemple, “Dwarf Fortress”(2006) n’est visuellement pas très attractif, et est complexe à démarrer, mais une fois que les joueurs et joueuses sont pris au jeu, ils vont répandre leur amour pour le jeu autour d’eux.

NOTE : C’est ce que tous les jeux cherchent à faire en présentant des démos sur Steam, ils cherchent à manifester de la réputation avant la sortie, en permettant aux joueurs et joueuses de tester une version pré-sortie.

Chris Zukowski et Ryan Clark conseillent de faire tester son jeu pendant la production pour découvrir s’il a une accroche ‘gameplay’, sans attendre la toute fin du projet.

2. Les avantages d’une accroche en amont

Une accroche en amont est préférable si le but est de réduire les risques. On peut tester son accroche en avance en postant une courte vidéo, ou du contenu, sur les réseaux sociaux et analyser les résultats en les comparant avec ceux des jeux concurrents.

• Si la performance est moindre, on peut réduire le risque en annulant le jeu ou en réduisant son ampleur.

• Cela peut aussi servir si on cherche des financements ou un éditeur. On peut leur montrer le nombre de vues, et le nombre d’inscriptions dans les listes de souhaits, pour prouver l’ampleur de sa communauté.

Choisir son concept

En évaluant une liste d’idées de jeux, on peut regarder deux choses pour les départager :

• Est-ce que le concept possède une accroche qui pourrait être mise en avant dans des bandes-annonces, captures d’écrans, ou la description ?

• Combien de temps de développement est nécessaire avant de pouvoir tester l’accroche lors d’un ‘playtest’ ?

Les ancrages

Il serait une erreur de penser que plus, on a d’accroches, plus le jeu sera un succès. Il est important de garder des ancrages solides.

Un ancrage1 est un élément familier appartenant au genre de référence.

Quand les utilisateurs parcourent Steam, ils vont chercher à connaître le genre de votre jeu le plus vite possible, pour savoir si cela peut correspondre à leurs goûts. Les ancrages permettent au public de reconnaître un genre auquel ils et elles sont familiers.

Exemple

Pour “Crypt of the NecroDancer”(2015), Clark a choisi de rester le plus fidèle possible au genre du ‘rogue-like’ (tel que définit à l’époque) pour rester familier auprès des joueurs et joueuses du genre, malgré sa particularité d’être aussi un jeu de rythme.

(Bonus) Comment générer des idées d’accroches

1. Épiphanie

Avoir un coup de génie. Cela peut arriver, mais rarement.

2. Mixer les genres

Le mix de genres peut être surprenant, si la combinaison n’a pas souvent été exploitée. Et, sera désirable par celles et ceux qui sont dans le chevauchement des deux genres. Cependant, mixer deux genres qui ne possèdent pas de synergies risque de ne répondre à aucun chevauchement.

Une stratégie serait de prendre un genre et d’analyser une faiblesse. Puis, de pallier cette faiblesse grâce au mélange d’un autre genre.

3. Créer un ‘twist’

Une autre façon de générer des idées serait de regarder les stéréotypes d’un genre de jeux et de les détourner. Prendre un genre viable et regarder lesquels de ses stéréotypes peuvent être détournés. Puis évaluer si l’idée répond aux critères d’une bonne accroche.

Il est important de prendre du recul, car les idées provenant d’un ‘twist’ ont fréquemment l’aspect surprenant d’une accroche, mais ne sont pas toujours désirables.

Sur ce, nous arrivons à la fin de la publication. J’espère que son contenu vous sera utile pour ajouter un angle de réflexion à vos recherches de concepts.

Merci pour votre lecture !

Cette publication a beaucoup d’images qui sont importantes pour la compréhension. Pensez à bien charger les images pour lire dans les meilleures conditions.

Source

GDC2018 | 19 - 23 Mars 2018

• Zach Gage : Programmeur et designer indépendant ; (notamment) sur iOS depuis 2008

Sommaire

• Introduction

• Lisibilité dans le métro (‘Subway-Legibility’)

• Étude de cas (PC)

• Les 3 niveaux de lecture

  • 1. Le 1er niveau de lecture

  • 2. Le 2ème niveau de lecture

  • 3. Le 3ème niveau de lecture

  • 4. Étude de cas (PC)

• Quid des tutoriels ?

• Concepts avancés

• Récapitulatif

Introduction

Découvrir de nouveaux jeux est très différent selon si l’on recherche des jeux mobiles ou sur d’autres plateformes. Pour mobile, Zach va principalement regarder par-dessus l’épaule des personnes à côté de lui, dans le métro, le train, l’avion, le bureau, sur les réseaux sociaux, etc.

Parfois, il accroche au jeu et commence à y jouer dans sa tête, critiquer en silence les actions de la personne qui tient le téléphone. Quand cela arrive, il s’est rendu compte qu’il avait envie de télécharger le jeu pour y jouer de son côté. Quelquefois, le nom du jeu est écrit sur l’écran et parfois, il devait le demander. Les personnes étaient toujours ravies d’expliquer ce qu’était le jeu et pourquoi ils l’adoraient donc il a fini par toujours demander. À force de faire de plus en plus de jeux, Zach s’est mis à vouloir créer cet effet pour ses propres jeux.

Lui et un ami ont appelé cet effet : la Lisibilité dans le Métro (‘Subway-Legibility’).

Lisibilité dans le métro (‘Subway-Legibility’)

Dans son parcours, chercher à provoquer cet effet est un outil puissant, car il lui sert à régler 3 problèmes en 1, et en tant que solo développeur c’est un avantage considérable. Ces 3 solutions sont :

1. Simplifie la tutorielisation

Implémenter les tutoriels prend moins de temps. Le jeu est naturellement plus compréhensible, parce que les informations et l’état du jeu sont présentés d’une façon plus accessible aux joueurs et joueuses.

Avoir de meilleurs tutoriels va permettre à un plus grand nombre de joueurs et joueuses, aux capacités différentes, d’apprécier le jeu.

2. Améliore la découverte organique

Quand votre jeu est bon à enseigner aux autres comment jouer, cela attire plus de public et les vidéastes pourront se concentrer sur louer les qualités de votre jeu plutôt que de réexpliquer les règles à chaque fois.

3. Simplifie la promotion

Les captures d’écrans et les GIFs n’auront pas besoin de beaucoup de contextes pour être compris. Présenter son jeu ou devenir viral sur les réseaux sociaux est plus simple.

On dit qu’une image vaut 1.000 mots.
Encore faut-il que l’on puisse comprendre votre image.
- Zach Gage

Étude de cas (PC)

Vous vous dites surement que créer cette lisibilité sur des jeux mobiles est facile, mais qu’en est-il des jeux PC ou consoles ?

“Into The Breach” est reconnu comme un jeu tactique brillant et Zach le considère comme exemplaire dans l’organisation de ses informations et interfaces (‘UI’).

Cette capture d’écran a beaucoup circulé sur les réseaux sociaux avant que le jeu ne sorte et à raison : tout le monde est capable de dire que le jeu mêle des méchas géants et des insectes titanesques, le mot ‘mech’ est littéralement écrit à l’écran. Le jeu est au tour par tour. Il y a plusieurs unités. Les insectes sont méchants. Des choses excitantes se passent comme l’indique l’explosion. La grille fait penser à “Advance Wars”. C’est de la science-fiction et des capsules temporelles sont impliquées, le terme ‘Time Pod‘ est marqué à l’écran lui aussi.

Tout cela semble plutôt excitant et on peut déjà imaginer à quoi va ressembler le jeu.

Les 3 niveaux de lecture

Les clés de la capture résident dans, ce que le professeur d’université de Zach appelle, les 3 niveaux de lecture.

La meilleure façon de les expliquer est d’imaginer une affiche de concert.

Réfléchissons à la manière dont on interagit avec les affiches. Généralement, on les croise dans la rue et cela veut dire que l’audience qui peut être accueillie par une affiche est principalement limité par la distance à laquelle on peut lire les informations. Une affiche qui ne peut être lue qu’à 3 mètres va toucher beaucoup moins de monde que celle que l’on peut lire de 10 mètres. Cela veut dire que l’on veut des gros textes, mais pas tous car cela serait confus et on manquerait de place sur l’affiche.

1. Le 1er niveau de lecture

Qu’est-ce qui devrait être écrit en gros ? Probablement, ce qui inciterait à s’approcher de l’affiche. On veut que l’affiche se vende elle-même aux passants.

En premier, la personne qui performe. La cible est définie : si vous aimez David Bowie, vous allez vous rapprocher, si vous ne l'appréciez pas alors je me fiche que vous voyez le reste de l’affiche.

2. Le 2ème niveau de lecture

Ce niveau est pour celles et ceux qui se sont approchés de l’affiche et cherchent plus d’informations. On peut donc mettre le texte en plus petit, car ils et elles sont proches.

En second, la date, le lieu, le type de performance. Avec un peu de chance, le spectateur est intéressé, il et elle aime la salle et est libre le mardi.

3. Le 3ème niveau de lecture

Maintenant, on peut ajouter tous les petits détails.

En dernier, l’affiche donne le prix, rappelle l’adresse spécifique de la salle et tous les petits détails spécifiques.

4. Étude de cas (PC)

Cette structure ne fonctionne pas seulement pour les affiches, mais également pour les jeux vidéos. Si nous revenons à la capture d’écran.

L’œil est d’abord attiré par la grille géante. Cela ressemble de loin à “Advance Wars”, une des unités semble contrôlée par le joueur ou la joueuse, quelque chose est en feu, il y a des insectes.

Ensuite, on voit de nouvelles informations à intégrer. Le jeu est en tour par tour, on a 3 unités, la vie semble être le réseau électrique, le but semble être de survivre 4 tours, un mécha est sélectionné et il semblerait qu’il puisse y avoir des effets spéciaux sur certaines cases.

Et, sur le 3ème niveau, on voit la vie de nos unités, les objectifs bonus, des détails propres aux jeux tactique et à l’univers de science-fiction.

La lecture des captures nous fait passer de “C’est comme Advance Wars” à “C’est beaucoup plus excitant qu’Advance Wars !”, simplement par la disposition des informations.

Quid des tutoriels ?

Dans un tutoriel1, on cherche à introduire les règles dans un ordre spécifique pour que les joueurs et joueuses construisent un modèle mental du fonctionnement du jeu, en partant des règles les plus abstraites aux règles les plus spécifiques.

C’est très similaire eux 3 niveaux de lecture :

1. Ce qui attire → Le cœur du jeu,

2. Les détails clés → Les grandes règles non-intuitives,

3. Les informations contextuelles importantes → Les règles contextuelles.

Un bon tutoriel enseigne dans le bon ordre et un bon design vous montre les éléments dans le bon ordre.

Bon exemple : SpellTower

Dans “SpeelTower”on cherche à empêcher les empilements de lettres d’attendre le haut de l’écran. On retire des lettres en épelant des mots, à chaque tour des lettres sont ajoutées depuis le bas de l’écran.

Les 3 niveaux de lecture du jeu :

1. Remarquer les lettres et commencer à réfléchir aux mots que l’on veut composer,

2. Pouvoir identifier quelle colonne est dangereusement proche du haut de l’écran et quelles sont les lettres à effets/score spéciaux,

3. Les informations contextuelles comme votre record personnel, les lettres utilisables et celles qui ont une condition d’activation.

La mise en page renforce la manière d’approcher le jeu, à la fois pour ses joueurs et joueuses, mais aussi pour les personnes qui regarderaient par-dessus leur épaule.

Mauvais exemple : Slay the Spire

“Slay the Spire” est un jeu de construction de ‘deck’ ‘roguelike’ où l’on combat avec des cartes dans un donjon pour vaincre le chef ennemi.

NOTE : Le jeu est extrêmement populaire et Zach Gage est aussi un grand fan du jeu, mais il souhaite faire une critique constructive sur leur disposition de l’interface.

Le jeu a un excellent tutoriel et de très bonnes infobulles pour qu’un joueur ou joueuse sache absolument tout ce qu’il a à savoir pour jouer correctement. Le problème, c’est si une personne commence à regarder par-dessus l’épaule de quelqu’un qui joue au jeu, ou plus spécifiquement sur PC, quand on lance un live du jeu sur Twitch pour la première fois.

Si vous n’avez jamais joué à “Slay the Spire” vous ne devinerez jamais que les informations les plus importantes à l’écran sont ces petites icônes en dessous de la barre de vie. Non seulement ils sont petits, mais même en les remarquant, un néophyte n’a aucune idée de leurs significations. Elles devraient être dans le 2scd niveau de lecture, mais sont dans le 3ème.

De plus, l’écran à beaucoup d’espaces vides, mais semble pourtant très plein.
Pourquoi avoir autant d’icônes en haut ? Comment peut-on avoir un objet avec un 0 ? Pourquoi les points de vie sont notés 2 fois, mais de deux couleurs différentes ? Quels sont ces deux ‘decks’ en bas de l’écran à gauche et à droite, pourquoi y a-t-il des numéros dessus ? (Le paquet de droite n’est en réalité pas une pioche, mais une défausse.)
Le problème n’est pas que tout soit affiché, mais que tout ait relativement la même taille et que ce qui est important soit le plus petit de tous.

Les 3 niveaux de lecture :

1. 2 personnages, une main de cartes, le bouton “Fin de tour” et le mana,

2. Le reste des icônes

3. Des petits nombres ainsi que les icônes les plus importantes sous les barres de vie.

Le fait de difficilement réussir à voir la différence entre le 2ème et 3ème niveau de lecture est un avertissement que l’écran est plutôt surchargé.

Concepts avancés

Maintenant que vous avez une bonne compréhension des 3 niveaux de lecture, Zach donne quelques astuces supplémentaires que l’on peut utiliser en jeu-vidéo, mais pas sur des affiches.

1. Utiliser des animations pour changer la lecture

Une des options est d’utiliser le mouvement ou les animations pour temporairement monter ou baisser la lecture d’un élément de jeu. Blizzard est très bon à ça dans leur jeu “Hearthstone”.

Observez les changements de taille et comment vos yeux les suivent.

NOTE : Pour le bien de la présentation, Zach renonce à faire une analyse détaillée de “Hearthstone” par manque de temps et montre un exemple d’application sur un de ses projets.

Dans son jeu “Typeshift”, Zach a changé l’animation de la propagation des couleurs sur les lettres pour qu’il soit progressif et non pas instantané, dans le but de renforcer l’importance de la couleur comme marqueur des lettres déjà utilisées et d’éviter la confusion avec un feedback purement esthétique qu’il avait reçu pendant ses sessions de test. Cette modification a été un succès et l’idée résulte de son utilisation des niveaux de lecture pour observer son jeu.

2. Basculer vers le 4ème niveau de lecture

Une autre possibilité dans les jeux est de fournir des informations cachées que l’on fait basculer au premier plan en temps voulu. Il appelle cela le 4ème niveau de lecture.

Really Bad Chess

Dans son jeu “Really Bad Chess” les menus nécessaires pour la navigation et des infos supplémentaires ont fini en haut de l’écran. Cependant, ils créent beaucoup de distractions car les pièces d’échecs sont petites, mais détaillées.

La solution est de basculer les menus du 1er niveau de lecture au 4ème quand le joueur ou la joueuse appuie sur le plateau d’échec, pour concentrer le regard sur le jeu. Cliquer au niveau des menus les ramène au premier plan, mais c’est un choix volontaire.

Sage Solitaire

“Sage Solitaire” est un jeu de solitaire où il faut jouer des mains de Poker pour défausser les cartes jusqu’à ce qu’il n’en reste plus dans la pioche, comme au Solitaire.

La première itération de son interface ressemblait à cela. Les cartes sont bien au 1er niveau de lecture. Cependant, tout le reste est au 2scd niveau, alors que certains éléments n’ont rien à faire là.

Le plus important pour le 2ème niveau, c’est la description des mains de Poker et leur valeur en point. Les éléments restants sont soit contextuels (la défausse et les suites bonus), soit décoratif (le paquet de cartes).

Sa solution a été de diviser l’écran avec un grand espace de jeu et un plus petit sur le côté de l’écran. Il se divise comme suit :

1. Les cartes,

2. Le nom de la main et le bouton pour jouer la main,

3. Le score, les suites, la défausse et le paquet décoratif.

Une erreur que l’on peut soulever serait d’avoir des éléments contextuels au 2 niveau de lecture comme le nom de la main et le bouton pour la jouer. Que deviennent ces informations quand aucune main n’est jouée ? Si elles étaient vides, cela créerait un trou entre le 1er niveau et le 3ème niveau de lecture et cela serait confus.

Lorsque aucune carte n’est sélectionnée, le bouton disparaît et le texte en haut est remplacé “Tapez pour la Liste des Combinaisons”. Ce texte devient le seul élément du 2ème niveau de lecture. Le changement est intentionnel car “Sage Solitaire” est un jeu de Solitaire, mais son ‘gameplay’ est très différent et non-conventionnel.
Les personnes regardant par-dessus l’épaule ne pourront pas deviner le genre de jeu et les habitués du Solitaire sont probablement peu familiers avec les mains du Poker. Et donc, montrer vers cette unique information au 2ème niveau est un moyen de guider tout le monde sur deux informations : c’est un jeu où il faut jouer des mains. Et, si vous ne connaissez pas les combinaisons, voici un bouton qui va vous les montrer.

Il serait tentant de faire de la liste des combinaisons un petit bouton à ajouter sur le côté, mais en faisant cela, on n’aide pas les spectateurs ni les joueurs et joueuses de Solitaire à se sentir confiant de jouer au jeu.

Récapitulatif

Tenir compte des 3 niveaux de lecture ; utiliser le 4ème et les animations pour changer de niveau permet :

• De faciliter la création d’un bon tutoriel,

• De faire comprendre votre jeu aux joueurs et joueuses quand ils le voient sur Twitch ou ailleurs,

• D’expliquer plus rapidement votre jeu avec une capture d’écran ou un GIF animé.

Voici la fin de cette publication. J’espère que cette façon d’interpréter une interface vous donnera de nouvelles opportunités pour améliorer votre jeu !

Merci pour votre lecture !

L’étude de cas sera exclusivement conduite sur le jeu de plateforme 2D “Levelhead: Platformer Maker” mais la réflexion derrière peut s’appliquer à tous les types de jeux.

Source

GDC2020 | 16 - 20 Mars 2020

• Seth Coster : Cofondateur, designer et programmeur chez Butterscotch Shenanigans

Sommaire

• Introduction

• Étude de cas

• Saisies

  • 1. Indulgence des saisies prématurées

  • 2. Indulgence des saisies tardives

  • 3. Pallier aux erreurs de saisies

• Collisions

  • 1. Pincement des boîtes de collisions

  • 2. Tailles et formes des collisions

  • 3. Arbre de décision en faveur des joueurs et joueuses

• Mot de la fin

Introduction

“Les contrôles ne sont pas réactifs.”

Cette phrase est une sentence de mort pour tous les jeux-vidéos. Des contrôles non réactifs conduisent à des échecs injustes, de la frustration, des joueurs et joueuses qui quittent le jeu et laissent des avis négatifs.

Qu’est-ce que sont des contrôles “réactifs” ?

Si cela veut dire que le jeu fait ce que les joueurs et joueuses lui disent de faire, cela ne devrait pas être dur à implémenter. Il suffit de rentrer dans le code : si la saisie est sur le bouton droit, le personnage va à droite. - FAUX ;

Faire un jeu réactif nécessite de comprendre les inconsistances de ses joueurs et joueuses, et de leur pardonner. Non pas philosophiquement mais littéralement, intégrer l’indulgence dans le design du jeu pour qu’ils et elles passent un bon moment malgré leurs imperfections et leurs erreurs.

Étude de cas

“Levelhead” est un jeu de plateformes 2D nerveux, centré autour de la création de niveaux par la communauté, dans la lignée d’un “Mario Maker”.

Lors d’un test en interne, après le premier mois de développement du jeu, un des artistes a remonté qu’il avait du mal à utiliser le ‘boost’ de saut après avoir rebondi sur la tête d’un ennemi. Il n’arrivait à l’utiliser que la moitié du temps.

Le code de la mécanique était pourtant simple : si le bouton saut est maintenu au moment du rebond, le ‘boost’ s’active. S’il n’est pas maintenu, il ne s’active pas.

Seth a observé cette personne et a remarqué qu’il essayait de synchroniser la pression du bouton saut au moment exact où il touchait la tête de l’ennemi. La moitié du temps il appuyait en avance, ce qui activait le ‘boost’. Et, l'autre moitié du temps il appuyait quelques millisecondes plus tard, ce qui n’activait pas le ‘boost’.

Dans ces moments-là, en tant que designer, vous devez reconnaître que les personnes sont inconsistantes et qu’attendre d’eux des saisies rigoureuses sur les contrôles ne donnera pas de bons résultats.
La philosophie des mécaniques indulgentes consiste à apprendre à anticiper ces inconsistances et intégrer des solutions dans les mécaniques de jeu.

Saisies

1. Indulgence des saisies prématurées

Parfois les personnes appuient sur les boutons trop tôt. Par exemple, si la commande du saut est saisie avant que les pieds du personnage touchent le sol. Pour rendre l’expérience plus agréable, il faut trouver une mécanique pour pallier ces erreurs de ‘timing’.

a. Mise en mémoire des saisies (‘Input Buffering’)

La mise en mémoire des saisies consiste à enregistrer une saisie pour une très courte période de temps (variable) et la déclencher si les conditions deviennent valides.

Dans n’importe quel jeu de plateformes, le déclenchement du saut est conditionné au contact du personnage avec le sol. Si la saisie du bouton de saut doit être faite en même temps que la condition soit valide, alors il y aurait beaucoup de sauts qui ne se déclencheraient pas. Dans le média ci-dessus, un trait apparaît au moment où le bouton de saut est pressé. En observant cela, on peut assumer que le personnage ne devrait normalement pas pouvoir enchaîner les sauts. Mais la mise en mémoire des saisies permet d’enregistrer l’intention des joueurs et joueuses de faire un saut, et comme la condition se valide dans la seconde qui suit, le saut se déclenche.

Une fois ce système installé sur le saut, l’équipe a cherché à l’appliquer partout où ils pouvaient : le grappin, les bonus, etc.

2. Indulgence des saisies tardives

Et dans le cas où les boutons seraient pressés trop tard. Quelles sont les solutions ? Les mécaniques du saut du Coyote (a.) et de l’étirement du câble (b.) permettent de donner le résultat attendu des joueurs et joueuses malgré une pression tardive des contrôles.

a. Le saut du Coyote (‘Coyote Jump’)

Dans le prototype d’origine de “Levelhead”, la variable can_jump était booléenne. Si la valeur était vraie, le joueur pouvait sauter, fausse il ne pouvait pas. La valeur changeait à vraie uniquement si un saut était valide au moment exact de la pression du bouton. Cela ne laissait pas le droit à l’erreur.

La solution a été de changer le booléen par un chronomètre. can_jump devient can_jump_timer avec une valeur de 0.1 seconde. Par conséquent, le saut devient possible si can_jump_timer > 0. Soudainement, les erreurs d’une pression tardive disparaissent.

Pour les joueurs et joueuse, ce système leur donne la possibilité de lancer un saut même si leur personnage ne touche plus le sol pendant une fraction de secondes.

Cette astuce a été nommée à partir du personnage de dessin animé Vil Coyote, qui ne tombe que lorsqu’il se rend compte qu’il n’a plus de sol sous ses pieds.
- Seth

Pour les joueurs et joueuses, cette solution assure des contrôles réactifs car leur intention était de franchir un trou en sautant et ils pensent avoir appuyé sur le bouton au bon moment. Donc ils s’attendent à le franchir sans encombre. Si le jeu le leur permet, alors ils seront comblés.

b. Étirement du câble (‘Cable Stretching’)

Une fois que l’équipe a ouvert son esprit à la possibilité d’accepter les saisies tardives, ils ont commencé à réfléchir comment l’appliquer sur d’autres éléments.

Dans le jeu, le grappin donne la possibilité d’attraper des objets à distance. La portée maximale du grappin est de 3 unités. Cette mécanique a donné naissance au mouvement signature du jeu : sauter sur une caisse et d’activer le grappin sous ses pieds pour attraper la caisse de nouveau. Cela permet de réutiliser une caisse comme une plateforme mobile.

L’équipe s’est retrouvée face à un problème. Le personnage peut sauter jusqu’à 4 unités, mais la portée maximale du grappin est de 3 unités. Si les joueurs et joueuses utilisent le grappin trop tard, ils ne pourront pas attraper la caisse.

La solution a été de créer une règle d’étirement pour le câble. La destination du grappin est verrouillée au moment de son activation. Dans le cas où le personnage s’éloigne au-delà de la portée maximale, l’extrémité du câble va s’étirer pour atteindre la position verrouillée. Cela permet de faciliter l’utilisation du mouvement spécial.

À ce stade, tous les problèmes de synchronisation de saisie des contrôles ont été traités.

Le design est passé d’une pression exacte des contrôles à un intervalle de temps, permettant aux joueurs et joueuses de valider leur action même s’ils appuient un peu avant ou après le 'timing' exacte. Leur offrant ainsi une marge d'erreur. C’est ce qu’ils appelleront des contrôles “réactifs”.

3. Pallier aux erreurs de saisies

Lors des tests du jeu, l’équipe s’est rendu compte que, dans les moments de tension, le cerveau des joueurs et joueuses est parfois déconnecté de leurs mouvements. Ils pensent appuyer sur un bouton mais ne pressent pas le bon, ou alors, ils le maintiennent au lieu de faire des pressions successives.

Que faire quand les joueurs et joueuses appuient sur les mauvais boutons ?

a. Réinitialiser la saisie

Exemple, le mode “chute” est un système qui permet de passer au travers de multiples plateformes en maintenant la pression sur le bouton du bas.

Le souci apparaît lors de son utilisation dans des situations dangereuses. Dans un couloir rempli de piques du sol au plafond, les joueurs et joueuses vont parfois nerveusement maintenir le bouton vers le bas et ainsi entrer en mode “chute” par accident, les faisant passer à travers les plateformes et s’empaler sur les piques.

Pour résoudre cela, lorsque le saut se déclenche, le personnage arrête de chuter. Ils ont supposé que celles et ceux qui sautent veulent aller vers le haut, tandis que la “chute” sert à aller vers le bas. Le saut réinitialise l’état de “chute”.

La seconde solution a été de permettre l’activation du mode uniquement lorsque le personnage touche une surface. Ainsi, le mode ne peut pas être activé par erreur pendant une chute aérienne.

Ces règles fonctionnent car elles sont alignées avec les attentes des joueurs et joueuses.

Les designers doivent accepter que parfois, les joueurs et joueuses vont oublier qu’ils continuent d’appuyer sur un bouton. C’est leur travail de faire en sorte que le jeu prenne cela en compte élégamment.
- Seth

b. Maintenir pour valider

Dans leur jeu, la gâchette numérique de gauche (LB) réinitialise le niveau au dernier point de sauvegarde. L’idée est de rendre cette option facile d’accès pour permettre aux sprinteurs et sprinteuses de jeux (‘speedrunner’) de tester de nouvelles stratégies rapidement. Environ un tiers des joueurs et joueuses pressent ce bouton par accident quand leurs mains agrippent la manette dans des moments de tension.

La solution a été de nécessiter une pression prolongée de 0.3 seconde pour valider la réinitialisation. C’était suffisamment long pour permettre à la panique de se dissiper et d’éviter les erreurs de pression.

Collisions

Lors des premiers tests du jeu, il était très difficile de naviguer dans les espaces étroits. Le personnage tombait dans le moindre relief et se cognait la tête en essayant de passer dans les trous du plafond. Le traitement des collisions était trop rigide et agissait au pixel près.

1. Pincement des boîtes de collisions (‘Hitbox Pinching‘)

Dans le cas d’un sol plat avec une petite marche, le personnage se retrouvait bloqué contre la marche, à moins de sauter. C’était extrêmement frustrant.

Pour résoudre cela, l’équipe a réduit momentanément la taille des collisions en fonction du mouvement du personnage. Cela lui permet de se faufiler dans des zones où il ne pouvait pas précédemment.

a. Pincement horizontal

Pour un mouvement horizontal, la collision du personnage est rétrécie en haut et en bas. Cela lui permet d’ignorer les aspérités du terrain le temps de son mouvement. En parallèle, le jeu réajuste la position du personnage pour qu’il ne rentre pas dans l’obstacle. Sur l’image ci-dessus, le jeu va surélever le personnage pour que la boîte carrée orange ne rentre pas dans la collision verte.

Cela a permis d’éviter d’interrompre la course du personnage à cause de petites marches ou de trous.

b. Pincement vertical

Lors d’un saut, la collision du personnage est rétrécie à gauche et à droite. Comme on peut le voir sur le média ci-dessus, ils ont réduit la collision à quelques pixels (centre du personnage), ce qui lui permet d’initier un saut même en étant partiellement dans un mur et le jeu va réajuster sa position par la suite.

Lors de la chute, la collision va se ré-élargir à sa taille normale (extrémités du personnage) pour éviter qu’il ne passe à travers des obstacles ou manque des plateformes en tombant.

2. Tailles et formes des collisions

Jouer sur les paramètres des collisions est la façon la plus simple et efficace de rendre plus indulgent le jeu.

a. Tronquer les collisions

Concernant les éléments qui infligent des dégâts au personnage, une pratique courante est de réduire la taille de leur collision comparée à leur visuel, pour réduire les risques de toucher le personnage.

Une autre pratique sur “Levelhead” est d’avoir des collisions rondes même si le visuel est carré pour permettre au personnage de naviguer entre les obstacles plus facilement et de créer un sentiment de tension et de maîtrise.

b. Exagérer les bonus

Concernant les éléments positifs comme les pièces à ramasser, leur collision est carrée et agrandie au-delà du visuel pour être touchée plus facilement.

c. Magnétiser les bonus

Parfois, avoir une grande collision n’est pas assez. Pour exagérer encore plus la récupération des pièces, ils ont mis en place un système d’aimantation où les pièces vont être attirées vers le personnage s’il est passé assez proche d’elles.

Cela permet aux joueurs et joueuses de ne pas avoir à revenir en arrière pour récupérer des pièces.

Ces éléments peuvent paraître trop exagérés. Mais quand le jeu tourne à une vitesse normale, les joueurs et joueuses n’auront pas le temps de percevoir ces supercheries.
- Seth

3. Arbre de décision en faveur des joueurs et joueuses

Quand le personnage est dans une situation qui peut se résoudre de différentes façons (positives ou négatives), le jeu va toujours privilégier le résultat le plus favorable pour les joueurs et joueuses.

Dans “Levelhead”, les ennemis sont le meilleur exemple. Toucher un ennemi c’est le vaincre, être touché c’est perdre.

Dans le jeu, les ennemis ont une collision rectangulaire sur leur moitié supérieure et une collision circulaire à leur centre. La zone rectangulaire est plus large que le visuel, et ses coins la rendent plus facile à toucher. Celle circulaire est plus petite que le visuel, et ses bords arrondis laissent une marge pour que le personnage puisse esquiver.

Quand le personnage saute sur l’ennemi, le jeu va d’abord vérifier si la collision rectangulaire est touchée. Seulement si cette condition est fausse, il va vérifier si la collision ronde est touchée. Cela permet de prioriser le résultat favorable (toucher l’ennemi) et de laisser une échappatoire en cas d’échec (la taille de la collision circulaire).

Le but est de donner aux joueurs et joueuses autant d’opportunités que possible pour vaincre et se sentir bon au jeu. Et seulement quand ils sont à court d’options pour s’en sortir, alors ils perdent.

Mot de la fin

Certains concepts sont plus compliqués que d’autres à intégrer et tous ne s’appliquent pas à tous les jeux. L’intégration dans votre projet risque d’être très différente de ce qui a été montré aujourd’hui. Mais ce n’est pas grave. La leçon principale à retenir est :

Vos joueurs et joueuses sont des personnes (imparfaites).
Concevez vos systèmes pour qu’ils soient utilisés par des personnes (et non des robots).
- Seth

C’est le travail des concepteurs d’aller à la rencontre de ses joueurs et joueuses et de leur donner la meilleure expérience de jeu possible. Et pour cela, il faut pardonner leurs inconsistances et établir des règles dans le jeu pour en tenir compte. Et seulement là vous aurez un vrai jeu “réactif”.

Voici la fin de cette publication. J’espère que vous trouverez les astuces qui correspondent à votre projet, pour le rendre plus indulgent.

N’hésitez pas à partager en commentaire quelles astuces vous utilisez pour votre genre de jeu !

Merci pour votre lecture !

Remerciements à Martin pour la relecture.

Le sujet est souvent intuitif chez les développeurs et développeuses, mais peu discutées en détail. Dans cette publication, l’analyse des différentes formes est approfondie pour en tirer des leçons et étendre le vocabulaire utilisé pour les décrire.
L’utilisation d’un vocabulaire plus étendu permet d’installer des nuances dans les discussions et de clarifier les situations lors d’une production.

Source

The Architect of Games | Septembre 2023

• Adam Millard : Vidéaste essayiste sur le jeu-vidéo depuis 7+ ans

Sommaire

• Pourquoi les didacticiels ne fonctionnent pas

• Didacticiel

• Méthodes alternatives

  • 1. Découverte (ou expérimentation)

  • 2. Recherche

  • 3. Acclimatation

• Mélanger les sources d’enseignements

• Mot de la fin

Pourquoi les didacticiels ne fonctionnent pas.

• Un didacticiel2 dans “Magic: The Gathering Arena” peut transmettre les règles et la structure globale du jeu, mais n’est pas suffisant pour enseigner les compétences nécessaires pour analyser l’état d’une partie ou quelles cartes synergisent dans un paquet.

• Une simulation de vie comme “Stardew Valley” pousse vers une expérience de jeu ‘cozy’ mais jouer avec les pages du wiki devient nécessaire pour comprendre les mécaniques principales et comment récupérer des ressources essentielles à la progression.

Tous ces jeux ont des didacticiels, mais échouent à enseigner comment réellement jouer.

Didacticiel

Les didacticiels sont bons pour transmettre un type d’information particulier, en la communiquant directement aux joueurs et joueuses. Des informations comme les objectifs ou des données indépendantes : les contrôles, les règles, les interactions.

C’est pour cela qu’ils fonctionnent bien sur les jeux de plateformes. Il y a souvent peu de stratégies ou concepts complexes, tout ce qui est nécessaire de savoir est à l’écran et fonctionne de façon prédictible.

+ Les didacticiels sont bons pour :

• Expliquer des interactions simples,

• Communiquer les objectifs,

• Apprendre les b.a.-ba.

- Les didacticiels sont mauvais pour :

• Transmettre une large quantité de données de façon efficace,

• Construire sur des connaissances existantes,

• Expliquer des concepts qui requièrent des connaissances plus abstraites ou intuitives.

Aucun didacticiel ne permet de savoir quel est le meilleur cadeau pour Makoto dans “Persona 5”, comment contrer une attaque de Zergling sur “Star Craft” ou déchiffrer les règles des puzzles dans “The Witness” car ce sont des problèmes qui requièrent une compréhension plus large ou nuancée que les didacticiels seuls ne peuvent fournir.

Ces derniers sont pourtant devenus omniprésents, car les développeurs ont appris à bien les faire, au détriment d’autres méthodes, menant à leur sur-utilisation jusqu’à essayer d’enseigner des concepts et techniques qu’ils ne sont pas adaptés à expliquer correctement. Créant ainsi un ressentiment contre l’ensemble des didacticiels de la part d’un public peu éduqué à reconnaître et poursuivre d’autres formes d’apprentissages.

Quelles sont les alternatives possibles ?

Méthodes alternatives

Les méthodes alternatives pour enseigner le jeu aux joueurs et joueuses sont caractérisées par 3 formes d’apprentissage : l’apprentissage par la découverte, par la recherche et par l’acclimatation.

1. Découverte (ou expérimentation)

L’apprentissage par la découverte est la méthode la plus familière après les didacticiels, plusieurs jeux utilisent les processus d’expérimentations comme part intégrante du ‘fun’ de leur expérience. Se poser une question et trouver soi-même la réponse est une activité récompensant en soi.

+ La découverte est bonne pour :

• Faire de l’apprentissage un défi amusant,

• Encrer une information sur le long terme par l’expérience,

• Développer une compréhension poussée d’un concept précis.

Un jeu comme “Portal”, grâce à son enrobage scientifique, utilise le ‘fun’ de la découverte pour transmettre des informations complexes sur son environnement, sans donner de directives aux joueurs et joueuses. GLaDOS ne donne aucune réponse avant que les joueurs et joueuses n’aient trouvé la solution par eux-mêmes.
De la même façon, le jeu de puzzle “LOK Digital” prend le temps de proposer des niveaux impossibles à résoudre pour faire intégrer les mécaniques du jeu plutôt que de les expliquer.

- La découverte est mauvaise pour :

• Garantir l’assimilation d’une leçon.

Dans le cas de “Super Metroid”, la plupart des joueurs et joueuses se sont retrouvés bloqués à cause de la ‘Power Bomb’ car son utilisation n’est pas évidente et il n’y avait pas d’indices qui incitaient à l’utiliser sur les tubes de verre.

Comment pallier le problème ?

Pour éviter les erreurs de communication, les jeux qui privilégient la découverte doivent savoir quand lâcher prise et quand donner directement les bonnes informations.

“Elden Ring” ne guide jamais les joueurs et joueuses dans le monde, car il est facilement parcourable et cela permet de créer une connexion plus personnelle aux différents lieux. Cependant, les placements des points de sauvegardes sont disséminés le long du chemin principal pour s’assurer que les joueurs et joueuses se dirigent globalement dans la bonne direction.

“TUNIC” fait reposer son apprentissage presque entièrement sur le décryptage du manuel de jeu. Chaque page devient un puzzle à résoudre, ce qui rend l’apprentissage beaucoup plus mémorable sur le long terme. Mais, pour s’assurer que les joueurs et joueuses ne soient jamais complètement perdus, le manuel utilise délibérément des mots de la langue courante à la place des certaines runes sur des éléments peu intuitifs, difficiles à découvrir par soi-même ou des informations obligatoires pour la progression.
Par exemple, le mot “lanterne” apparaît sur la page de la crypte pour indiquer sa nécessité. Utiliser seulement le pictogramme aurait risqué que les joueurs et joueuses passent à côté de l’information.

2. Recherche

Dans l’objectif d’avoir une compréhension générale d’un jeu, en particulier ceux avec différents systèmes et mécaniques qui fonctionnent en parallèle, il faut parfois que les joueurs et joueuses aillent chercher les informations qui leur manque par eux-mêmes.
Dans cette optique, les développeurs peuvent les assister en rendant accessibles ces informations.

Un contre-exemple serait les débuts de “The Binding of Isaac” où il n’y avait aucun moyen de connaître les effets de l’objet que l’on s’apprêtait à ramasser, ce qui a pour risque de ruiner la stratégie actuelle par manque d’informations.

+ La recherche est bonne pour :

• Développer une large base de connaissances,

• Rendre autonome les joueurs et joueuses dans leur utilisation d’informations importantes.

La présence d’un mode entraînement ou de bots permet de pratiquer les mécaniques et appliquer les connaissances avant de se lancer dans le grand bain. Et, pour un jeu sans ces modes, un accès transparent à ces informations en jeu permet également d’améliorer l’enseignement du jeu.

- La recherche est mauvaise pour :

• Approfondir la compréhension intuitive des systèmes d‘un jeu,

• Offrir des compétences pratiques de ‘gameplay’.

Aujourd’hui, les manuels de jeux sont dévalorisés, car une compréhension académique d’un jeu ne permet pas d’apprendre en pratique les fonctionnements d’un jeu ou les compétences fondamentales pour les supporter.

3. Acclimatation

L’acclimatation consiste à graduellement introduire de nouveaux concepts, de doucement itérer sur des mécaniques existantes et stratégies pour développer une compréhension intuitive au fil du temps.

Un exemple d’utilisation d’acclimatation se retrouve dans le Pays des Sables de “Mario Odyssey” qui propose de prendre possession des roquettes, tout au long du niveau, pour les faire slalomer entre des obstacles de plus en plus difficiles dans le but de savoir déjà utiliser la mécanique lorsque l’on affronte le ‘Boss’ du niveau.

+ L’acclimatation est bonne pour :

• Créer une compréhension intuitive des mécaniques,

• Servir d’enseignement non intrusif pour l’expérience.

Le mode campagne d’un jeu de stratégie en temps réel sert souvent à discrètement préparer les joueurs et joueuses pour les affrontements en multijoueur.
La même chose peut être faite sur le plan psychologique, un jeu de survie horreur comme “Resident Evil 4” va monter la difficulté tôt dans le jeu pour vous convaincre que manquer de vie et de munitions ne veut pas dire que vous perdez et est complètement normal.
Le tutoriel de “XCOM: Enemy Unknown” va tuer la plupart de vos bleus pour montrer qu’ils sont remplaçables et vous préparer à la perte permanente d’unités dans le futur.

NOTE : Une aventure comme “Celeste” va débloquer les compétences au fur et à mesure de la progression du jeu pour laisser le temps de bien se familiariser avec les mécaniques.

- L’acclimatation :

• N’est pas applicable à tous les jeux,

• Est un procédé dont le temps nécessaire varie en fonction des personnes.

Un jeu Paradox peut difficilement se permettre d’omettre des mécaniques pour faciliter son apprentissage, car tout leur jeu fonctionne sur des systèmes imbriqués.

Mélanger les sources d’enseignements

NOTE : Du point de vue des joueurs et joueuses, l’apprentissage n’est pas confiné à un seul environnement. Ils et elles ont plusieurs moyens d’apprendre un jeu ou un genre.

1. Les méthodes d’enseignement

Avoir connaissance des forces et faiblesses de chaque méthode permet aux développeurs et développeuses d’utiliser leurs forces et pallier les faiblesses en variant l’utilisation des méthodes.

2. Les autres jeux

De la même façon, certaines connaissances peuvent être acquises depuis des jeux similaires.
Certains jeux inaccessibles nécessitent parfois de jouer à d’autres jeux, plus abordables, qui vont créer des fondations qui seront utilisables plus tard dans des jeux plus complexes ou opaques.

Un jeu comme “Magic: The Gathering” est difficilement approchable comme beaucoup d’anciens jeux de cartes à collectionner, mais aujourd’hui, il existe des jeux comme “Hearthstone “, “Marvel Snap” ou “Slay the Spire” qui permettent de se lancer directement dans le ‘fun’ tout en apprenant progressivement les tenants et aboutissants d’un jeu de carte à collectionner. Ces connaissances transversales peuvent ensuite s’appliquer à des jeux plus complexes.

La série des ‘Pikmins’ peut donner un avant-goût de certains concepts pour les jeux de stratégie en temps réel.

“My Friendly Neighborhood” reprend les caractéristiques des jeux de survie horreur comme la série des ‘Resident Evil’ mais en retirant toute forme de gore et proposant un ton presque humoristique.

NOTE : Avoir analysé avec précision les prérequis nécessaires pour jouer au jeu que l’on développe permet de mieux prévoir les besoins futurs des joueurs et joueuses. Ce qui donne la possibilité d’affiner le choix de la cible et de la communication du jeu, ainsi que de savoir sur quels éléments les tutoriels devront se concentrer pour améliorer l’expérience.

3. Les communautés

Les ressources communautaires peuvent aussi servir d’options d’accessibilité. Les joueurs et joueuses peuvent les utiliser pour s’enquérir sur des informations spécifiques ou demander des conseils à la communauté. Leur demande servira de filtre sur la quantité d’informations qu’ils jugent nécessaire à apprendre avant de continuer à jouer.
Cela peut aussi être utile aux développeurs qui n’ont pas le budget pour maintenir eux-mêmes un espace d’information.

Certains jeux ont même gagné en popularité grâce aux partages communautaires des découvertes faites en jeu. Être opaque est parfois un choix volontaire qui peut être considéré.

Mot de la fin

AVIS : De mon point de vue, l’apprentissage des mécaniques n’est pas quelque chose qui doit uniquement être réfléchi et réalisé en fin de production, dans le but de créer un segment d’introduction en début de jeu. Mais bien, un effort collectif qui peut être considéré sur toute la production (au cas par cas selon le budget du projet) ; que ce soit dans la progression du jeu, ses niveaux de difficultés, son interface, la communication, etc. dans le but de faciliter l’expérience des joueurs et joueuses sur tous les plans du jeu.

Apprendre ne se limite pas à recevoir des informations. C’est une compétence qui se cultive et se forme au fur et à mesure. Chacun, chacune possède une affinité différente à son égard.

En insistant sur une seule forme d’enseignement, les jeux laissent derrière eux les joueurs et joueuses qui n’ont pas la patience ou la compréhension de cette méthode et, ironiquement, ne leur permettent pas de développer la capacité d’apprendre à apprendre. Ce qui les rend moins autonomes à essayer de se renseigner via d’autres méthodes dans le futur.

Voici la fin de cette publication. J’espère que ce vocabulaire vous sera utile.

Merci pour votre lecture !

Remerciements à Victor pour la relecture.

La conférence couvre leur perspective en tant qu’éditeur sur la création d’une bande-annonce, une analyse des différents types de bandes-annonces et ce qu’elles permettent, en plus de leurs réflexions sur adapter ses bandes-annonces à leur contexte de diffusion.

Source

GDC2024 | 18 - 22 Mars 2024

• Adrien Marie : Chef de marque chez Dotemu ; anciennement chez Rockstar Games dans l’équipe d’éditions en France, et avant cela dans l’industrie du cinéma

Sommaire

• Les bandes-annonces dans le jeu-vidéo

• Pourquoi les bandes-annonces ne sont pas créées égales ?

• Construire une bande-annonce personnalisée pour chaque battement mercatique

  • 1. Annonce du jeu

  • 2. Bande-annonce ‘gameplay’

  • 3. Bande-annonce de lancement

  • 4. Bande-annonce d’après-lancement

• De l’animation dans les bandes-annonces

• Le contexte de diffusion d’une bande-annonce peut tout changer

• Conseils additionnels

Les bandes-annonces dans le jeu-vidéo

• La production d’une bande-annonce n’est pas similaire à celle des films :

  • En jeu-vidéo, il est facile de tricher ou de refaire des prises de vues rapidement.

  • Elle peut ne pas du tout ressembler au produit final grâce aux images de synthèse ou bandes-annonces animées, qui permettent d’installer une ambiance, au risque de créer un décalage entre la vision et la réalité du jeu à sa sortie.

• Les films signés et en début de production sont déjà plus ou moins annoncés dans la presse spécialisée. Alors que dans le jeu vidéo, la culture de la bande-annonce s’est construite sur l’effet de surprise, la “première mondiale”, ce qui est assez unique dans l’industrie du divertissement.
  Des conférences promotionnelles entières se sont dédiées aux bandes-annonces, annonces et révélations de ‘gameplay’.

Pourquoi les bandes-annonces ne sont pas créées égales ?

1. Les bandes-annonces des jeux Triple-A

Les bandes-annonces Triple-A sont régis par différentes règles, objectifs et outils. Révéler un jeu Triple-A, c’est annoncer une démonstration pour une console de jeu, en partie sur les graphismes et les performances. C’est une façon de se projeter dans le futur du catalogue d’une console, avec des jeux qui poussent les limites du matériel informatique.

Ces bandes-annonces peuvent s’approcher des règles, rythmes, mises en tensions proches de ce que l’on peut retrouver dans les films ou à la télévision.

NOTE : C’est pour cela qu’un conseil primordial en tant qu’indé est de ne pas copier les stratégies mercatiques des Triple-A, car ces jeux ne jouent pas dans la même catégorie que les nôtres.

2. Les bandes-annonces des jeux indé

Côté indé, les bandes-annonces sont souvent produites avec des séquences de ‘gameplay’ par nécessité. Elles se concentrent sur la boucle de jeu, la direction artistique et l’univers.

L’immédiateté est cruciale dans un milieu aussi compétitif. C’est le moment où vous devez répondre à : comment on joue au jeu ? Comment ce jeu se différencie des autres ?

3. Quels sont les objectifs de votre bande-annonce ?

Gardez toujours en tête les objectifs de votre bande-annonce quand vous la concevez :

• Aider les joueurs et joueuses à comprendre le jeu, mais aussi les accueillir sur la page du magasin.

• C’est un support visuel pour votre annonce dans les médias.

• Quel est votre ‘timing’ : pourquoi cette bande-annonce est pertinente sur ce battement mercatique et quelles informations clés sont incluses dans cette bande-annonce ?

Construire une bande-annonce personnalisée pour chaque battement mercatique

Puisque les objectifs sont intimement liés au ‘timing’ d’une annonce, il est important de réaliser une bande-annonce spécifique et pertinente pour chaque battement.

Voici à quoi ressemble une campagne d’annonces standard.

1. Annonce du jeu

• L’annonce la plus importante : présenter l’accroche le plus vite possible, plongez dans l’univers et le ‘gameplay’ rapidement, à moins de compter sur une propriété intellectuelle connue.

• Il s’agit probablement de votre ressource vidéo principale pendant un long moment avant qu’une autre bande-annonce ne soit publiée, surtout si des retards arrivent durant la production.

• Il faut toujours montrer des fragments de ‘gameplay’. Il s’agit d’aider les joueurs et joueuses à savoir comment le jeu se jouera. Et, de toute façon, des captures d’écrans sont aussi nécessaires si vous lancez votre page de magasin simultanément.

NOTE : Dans le cas de toutes petites équipes ou de tout petits jeux, la première bande-annonce sera souvent la seule vidéo promotionnelle jusqu’à l’annonce de la date de sortie. Dans ce cas, une emphase sur les images de ‘gameplay’ du jeu est plus que nécessaire pour accomplir les objectifs d’une présentation de ‘gameplay’ dans cette bande-annonce-ci.

Études de cas

• La séquence d’ouverture sert à annoncer la collaboration avec SNK (0-6 s).

• Courte séquence d’animation puis des images du ‘gameplay’ pour présenter le rebondissement d’un jeu tactique avec la licence Metal Slug et éviter la confusion sur le genre du jeu (7-17 s).
  

• Séquence d’1 minute d’animation. En temps normal, cela aurait été trop long, mais cette séquence est une recréation du générique du dessin animé de la série Tortue Ninja de 1987, avec la musique originale réenregistrée. C’est un coup de cœur pour les fans.

• Pour compenser, les 30 secondes suivantes sont entièrement dédiées à du ‘gameplay’ sans artifices ni coupures.
  

• Les 30 premières secondes sont dédiées à l’introduction de la narration et du studio. Cependant, le moment le plus revisionné de la vidéo se situe quand l’introduction laisse place au ‘gameplay’. L’intérêt de l’audience n’est pas dans les cinématiques ou la narration, mais dans le ‘gameplay’.

2. Bande-annonce ‘gameplay’

Une bande-annonce du ‘gameplay’ permet de présenter une analyse approfondie de ce que votre jeu a à offrir.

• Ce genre de vidéo peut se permettre d’être longue. Prenez votre temps pour expliquer votre boucle de jeu et travaillez particulièrement la structure de la vidéo : sections, chapitres et autres sont les bienvenus ici.

• La meilleure façon d’être précis et de guider votre audience là où vous le voulez, c’est d’utiliser une voix-off. C’est très efficace pour les jeux à systèmes.
  Quand vous travaillez cette partie, ayez toujours une première version de votre vidéo avec votre voix par-dessus pour tester le débit de vos captures et de votre élocution, avant de collaborer avec un ou une comédienne de doublage.

• Dotemu a observé que ce type de vidéo est surprenamment efficace après la sortie du jeu, encore plus pour les jeux en accès anticipé. Leur vidéo de ‘gameplay’ pour le jeu “The last Spell” a été postée avant le début de l’accès anticipé et a doublé en nombre de vues depuis, car chaque mise à jour du jeu a donné un pic de visibilité à la vidéo.

3. Bande-annonce de lancement

• C’est le moment tant attendu par votre audience (et votre équipe de développement).

• C’est aussi l’occasion de réintroduire votre jeu à l’audience générale, car ce sera la bande-annonce principale attachée à votre page du magasin.
  Si cela doit être l’unique bande-annonce que votre audience va voir, que doit-elle voir ? Qu’est-ce qui peut être mis de côté ? Et qu’est-ce qui ne peut pas ? Si les joueurs et joueuses ne vont pas plus loin pour lire la description, qu’est-ce qu’ils et elles verront ?

• Ne présumez pas que tout le monde a vu toutes vos précédentes bandes-annonces. C’est ici que vous pouvez recycler tous les moments les plus populaires des vidéos antérieures !

4. Bande-annonce d’après-lancement

Si votre jeu a des mises à jour après son lancement, il est important de se demander si cette mise à jour pourrait faire partie d’une bande-annonce.

• C’est l’occasion de créer de l’engouement dans votre communauté sur ce qui pourrait être considéré par ailleurs comme du contenu mineur.

De l’animation dans les bandes-annonces

Plusieurs bandes-annonces réalisées par Dotemu et Arcade Crew contiennent des séquences animées. Qu’est-ce-que cela implique ?

1. Pourquoi ?

• Cela aide à mettre en scène de façon claire les environnements et les intentions du projet.

• Ce format fonctionne mieux avec des battements importants, comme l’annonce ou la sortie du jeu.

• Mais cela doit faire sens du point de vue éditorial du jeu. Un jeu 3D avec une bande-annonce en animation 2D ou vice-versa ne fonctionne pas.

• Avantages :

  • Augmenter de façon explosive la valeur ajoutée de votre titre,

  • Offrir quelque chose de différent si votre bande-annonce n’a pas beaucoup d’images de ‘gameplay’.

• Inconvénients :

  • Le coût : de 1 000 à 4 000€ par seconde d’animation ainsi que plusieurs mois de production,

  • Potentiellement de la déception à cause de la disparité entre le style d’animation vidéo et les graphismes du jeu.

ANECDOTE : Comme exemples récents de bandes-annonces animées, qui ont divisé les spectateurs par leur disparité, durant les conférences de cet été : “Battle Aces” et “WILD Tactics”. Elles sont dotées de magnifiques animations, mais ont un manque total de clarifications du genre du jeu. D’ailleurs, on peut remarquer qu’il s’agit dans les deux cas de jeux en 3D avec une bande-annonce animée en 2D.

2. Résultats en interne

Ces bandes-annonces animées font environ 3 fois plus de vues que celle non animées, à l’exception de celles qui ne montrent aucun ‘gameplay’ comme pour “Pharaoh: A New Era”, qui a performé moitié moins que les autres bandes-annonces du projet.

Un contre-exemple se retrouve dans la bande-annonce animée de “Dead Cells” pour le contenu téléchargeable “Castlevania” car l’audience du jeu a été habituée dès le début à recevoir ce genre de bandes-annonces pour révéler les thèmes des nouveaux contenus téléchargeables. Et, ce format était parfait dans le contexte d’une “première mondiale” lors de sa diffusion à la pré-conférence des ‘Game Awards 2022’.

Le contexte de diffusion d’une bande-annonce peut tout changer

1. Conférences promotionnelles

Diffuser une première lors d’une conférence promotionnelle est une des meilleures situations possibles. C’est le meilleur format que vous puissiez espérer car :

• C’est une émission pour des bandes-annonces ! Les spectateurs présents restent pour l’entièreté de l’émission.

• Vous avez la combinaison de l’audience en direct ainsi que celle qui regardera les rediffusions plus tard.

• Vous pouvez vous permettre de garder vos meilleurs cartouches pour la fin, car la bande-annonce sera montrée dans son intégralité.

• Gardez en tête que certaines émissions obéissent à différentes règles.

• Ces conférences promotionnelles offrent beaucoup de réactions en commentaire ou vidéos de la part de la presse ou des créateurs et créatrices de contenu. C’est un excellent moyen de voir si votre bande-annonce fonctionne.
  De plus, regarder vos créateurs et créatrices de contenu préférés réagir à votre bande-annonce et observer de la joie sur leur visage est une expérience qui fait chaud au cœur.

2. Steam

Steam est, aujourd’hui, la meilleure plateforme pour partager votre bande-annonce, car les autres boutiques nécessitent bien plus de clics de la part des joueurs et joueuses pour accéder à la vidéo.

• Les premières secondes de votre bande-annonce sont cruciales. Comme réussir à accrocher l’audience avec les secondes d’ouvertures de la bande-annonce et sans son.

• Ne perdez pas de temps sur les informations secondaires : les noms d’éditeur et de studio ne sont pas des accroches sur Steam. Jouez avec la transparence des logos plutôt que de les afficher en plein écran.

• Sur Steam, il ne faut pas hésiter à mettre à jour sa bande-annonce pour l’optimiser, car contrairement à une conférence promotionnelle, vous avez toujours la main sur ce que vous diffusez tout au long de la campagne.

Conseils additionnels

Créer un processus de documentation

• Il est important de documenter tout ce qui, dans votre jeu, pourrait être utile plus tard. Du document de conception à la propriété intellectuelle, aux animations ou art en cours de production. C’est quelque chose qui demande du temps, mais il est beaucoup plus simple de créer des ressources pour les bandes-annonces par la suite.

• Documenter tout ce que vous avez déjà utilisé dans vos précédentes bandes-annonces : personnages, niveaux, actions, etc. Et vous demandez : qu’avez-vous déjà inclus ? Et comment éviter de répéter trop de fois les mêmes choses ?

• Ce document peut être utile pour tous, car il peut aussi être utilisé plus tard par l’équipe de relations presse ou pour les publications sur les réseaux sociaux, etc.

Ce document est aussi créé et mis à jour avec l’aide de l’équipe d’Assurance qualité, car ses membres sont les plus au courant de ce qui est dans le jeu ou non.

Ce document regroupe le contenu des personnages révélé lors des différentes bandes-annonces planifiées.

Partagez vos captures de jeu avec votre éditeur

• Les captures de jeux du studio de développement sont extrêmement précieuses pour l’équipe d’éditions, même les captures primitives du jeu, car cela les aide à comprendre le plus tôt possible le but du jeu et le déroulement attendu du ‘gameplay’. Cela leur permet d’identifier des éléments clés qu’ils pourront utiliser pour la campagne promotionnelle et le ton qu’ils et elles devront employer.

• Partager les captures vous assure que votre équipe n’aura pas à refaire les mêmes captures vidéo dans le futur.

Attendez d’avoir un ‘gameplay’ génial

Avant de présenter votre ‘gameplay’ au monde entier dans une bande-annonce, attendez qu’il soit génial.

• Vous n’avez qu’une seule chance de faire une première bonne impression auprès d’un large public, donc faites en sorte d’utiliser ce qui résonne exactement avec votre vision.

• Si la boucle de jeu n’est pas claire pour la personne qui édite la bande-annonce, alors cela ne sera pas clair non plus pour l’audience qui la regardera.

• Si la qualité n’est pas encore au rendez-vous, vous risquez de devoir attendre que votre ‘gameplay’ soit meilleur pour l’exposer, mais c’est toujours pour le mieux.

NOTE : Cela ne veut pas dire qu’il ne faut pas faire tester votre jeu par votre cible en interne. Il parle seulement de “montrer votre ‘gameplay’” dans le sens commercial une fois que le jeu est agréable à jouer et suffisamment peaufiné visuellement.
Dans le milieu du développement en solo, même si vous misez sur la meilleure bande-annonce possible pour toucher le grand public, il est nécessaire de communiquer en amont sur son jeu via des blogs, des posts, des GIFs, etc. Cela vous permettra de créer une base de fans solide, de recevoir des retours sur votre jeu tout en permettant à la presse spécialisée et créateurs créatrices de contenus de vous découvrir. Ensuite, vous devez faire des tests de votre jeu en privé. N’attendez pas le dernier moment pour montrer votre jeu tout court, car vous prenez un énorme risque de ne pas plaire à votre public, et donc de perdre du temps de développement à rendre votre ‘gameplay’ meilleur.

Pour un ou une indé qui fait soi-même son montage, il est important de tester la bande-annonce avec quelques personnes en dehors du projet (des proches ou des fans) pour éviter nos propres biais de concepteur et conceptrice.

Réutilisez votre plan le plus impactant

• Réutiliser le plan le plus impactant de votre bande-annonce dans vos communications promotionnelles est très courant dans l’industrie du cinéma.

• Recyclez ce moment spécial dans votre communication via captures d’écrans, GIFs, extraits vidéo ou toute autre ressource médiatique est une façon très efficace de l’associer à l’identité de votre jeu. Faites-en quelque chose de mémorable.

Apprenez des bandes-annonces en Réalité Virtuelle (RV)

• Ce sont les meilleures bandes-annonces pour montrer du ‘gameplay’ le plus vite possible, parce que c’est absolument nécessaire pour eux d’être identifié comme un jeu en RV.

• Ils vont concentrer tous leurs efforts sur la présentation du ‘gameplay’ et sur la manière dont le public interagira avec le jeu.

L’importance de l’illustration clé

Ne sous-estimez jamais l’utilisation d’une illustration clé dans votre bande-annonce.

• Il s’agit du dernier plan de votre bande-annonce. Si l’illustration devient trop chargée avec des dates, plateformes, etc. ajoutez un second plan pour que le visuel reste clair.

• L’illustration clé doit être la prolongation du narratif de votre bande-annonce.

• N’oubliez pas que c’est la première ressource finale que les joueurs et joueuses verront sur le magasin.

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Voici la fin de cette publication. J’espère qu’elle vous aura instruit.

Merci pour votre lecture !

Remerciements à Mathilde pour la relecture.

Le ‘Platformer 2D’ n’est pas un genre à succès commercial en indé1, pourtant Nintendo a réussi à sortir un succès avec “Super Mario Bros. Wonder”. À noter qu’ils ont la licence Mario pour supporter leur jeu et qu’ils ont infiniment plus de moyens qu’une équipe indé. Cependant, on peut reconnaître que pour une série qui approche de ses 40 ans, ils ont réussi à renouveler le ‘gameplay’ encore une fois.

Avec cette conférence, on en apprend plus sur leur processus créatif, leur travail collaboratif et la philosophie des développeurs et développeuses chez Nintendo.
Je pense que ces éléments sont inspirants même quand on ne travaille pas sur un ‘platformer’ et qui sait si cela peut vous aider à créer de meilleurs jeux.

Source

GDC2024 | 18 - 22 Mars 2024

• Takashi Tezuka : Producteur sur Mario Wonder ; chez Nintendo depuis 40 ans

• Shiro Mouri : Directeur sur Mario Wonder et Mario Bros. U Deluxe ; principal programmeur d’anciens Zelda et Mario 2D

Sommaire

• L’attrait du développement d’un jeu 2D

• La vision de Tezuoka en créant un jeu Mario

  • 1. La “Réalification” des jeux

  • 2. Tirer parti des Expressions

  • 3. Quel gâchis ! “mottainai”

  • 4. Comment renouveler la surprise ?

• Comment créer en tant qu’équipe ?

• L’évolution de la franchise Mario 2D

• Jouer en ligne dans un Mario

• Le futur des jeux 2D

L’attrait du développement d’un jeu 2D

INFO : Quels sont les avantages à créer un jeu 2D plutôt que 3D ?

• La caméra est l’élément qui prend le plus de temps à concevoir et à régler sur un jeu 3D. En 2D, on peut se concentrer très vite sur le ‘gameplay’ principal.

• Il est plus aisé d’offrir l’expérience de jeu souhaitée dans un jeu 2D :

  • Représenter une idée qui serait impossible dans le monde réel est plus facile en 2D. La 2D rend plus naturel un élément qui paraîtrait étrange en 3D.
    → Un changement de la gravité du personnage ou un saut-mural.

  • Les intentions des créateurs sur un niveau sont plus rapidement comprises par le public.

  • Les niveaux peuvent être retouchés plus facilement sur le long terme (avec les bons outils).

La vision de Tezuoka en créant un jeu Mario

Cette section présente différentes idées et points d’attention partagés par Tezuoka pour la production du jeu.

1. La “Réalification”* des jeux

NOTE : *J’interprète son utilisation de “réalification” comme l’attribution de caractéristiques du réel à des éléments fictifs afin de rendre le monde du jeu plus tangible et plus expressif.

L’imagerie des jeux vidéos a évolué à travers le temps, les sons et les images sont produits pour imiter la réalité. Mais comment évolue le réalisme du gameplay ?
- Tezuoka, Producteur sur Mario Wonder

Dans le cadre d’un jeu Mario, dont les graphismes ne sont pas réalistes, Tezuoka pense qu’il est tout de même important de faire ressentir l’expérience de jeu comme réelle.

Il énonce : Imaginons que Mario pouvait avoir mal en heurtant un ennemi. Ou qu’il exprimait son anxiété quand il se déplace en altitude. Ou qu’il devenait plus prudent quand son cœur bat d’excitation.

Les joueurs et joueuses qui ressentent cette expérience seront mieux immergés dans le jeu.

2. Tirer parti des Expressions

Quand on développe des expressions pour les entités, il est important que les ‘leads’ des équipes communiquent sur les intentions derrière la production de ressources pour que les autres équipes puissent les exploiter au mieux.

Par exemple : quand deux Koopas rouges se rencontrent, une petite animation se joue. Afin que cette rencontre se remarque dans le jeu, et que l’expression soit exploitée au mieux, il serait idéal que des scénettes soient spécifiquement mises en place pour produire cette interaction lors de la création d’un niveau. Ce qui encouragera ensuite l’équipe du son à créer un effet sonore pertinent pour aller encore plus loin dans l’expression.

De cette façon, les différentes équipes peuvent s’influencer pour donner plus de vie dans les niveaux.

3. Quel gâchis ! “mottainai”

Le mot japonais “mottainai” ( 勿体ない ) signifie le regret et la frustration de gaspiller quelque chose, car on n’a pas réussi à exploiter son plein potentiel.

Par exemple : ne jouer qu’une seule fois à un niveau et passer aux suivants sans jamais le relancer. Ou, garder son badge préféré tout le long du jeu sans en changer ; sont tous deux “mottainai”.
→ La rejouabilité n’est pas exploité et cela gâche le travail qui a été mis dedans.

En prenant en compte ce concept, des solutions ont été développées pour éviter ces gâchis :

• Le système de badges dans Mario Wonder a été pensé pour que les joueurs et joueuses s’amusent à rejouer aux niveaux d’une nouvelle façon.

• Sur l’écran de K.O., l’option pour changer de badge pousse à essayer différentes options si l’on échoue.

4. Comment renouveler la surprise ?

[…] faire évoluer un jeu 2D pour le rendre pertinent sur le marché actuel.
- Mouri, Directeur sur Mario Wonder

Dans les premiers jeux Mario, tout était nouveau et plein de secrets. Mais aujourd’hui, il s’agit de la norme dans les jeux de ‘plateform’ 2D.

Pour cette raison, ils ont dû trouver de nouvelles façons de créer de la surprise dans Mario Wonder. Le premier prototype du ‘Wonder Effect‘ a été imaginé par Mouri dans ce but, puis l’équipe entière a été mise à contribution pour en ajouter dans tout le jeu et varier les effets pour créer de la surprise dans chaque niveau.

Comment créer en tant qu’équipe ?

Travailler avec de nombreuses personnes signifie aussi travailler avec de nombreuses capacités et approches. Il s’agit de trouver comment représenter en production l’individualité et les forces de chacun.
La gestion d’une équipe doit s’articuler autour de cet objectif.
- Tezuoka, Producteur sur Mario Wonder

Le meilleur moyen de mettre toute l’équipe à contribution sur la création de plein de petites idées a été d’organiser des grosses sessions de ‘brainstorming’, puis de les transformer en prototype et de les faire tester lors de sessions de tests.

1. ‘Brainstorm’

Toute l’équipe participe à la phase de ‘brainstorming’ peu importe leur rôle ou leur ancienneté. Chez Nintendo, l’adage est de considérer chaque membre de l’équipe comme un ‘game designer’.

ANECDOTE : De ce que j’ai pu apprendre sur l’industrie japonaise (pas uniquement celle du jeu vidéo), il est plus courant chez eux de demander la participation de toute l’équipe, même des moins expérimentés. C’est le rôle des supérieurs de porter la vision et de guider le potentiel des idées pour les faire maturer ou les rejeter, mais sans décourager les participations futures.

D’ailleurs, on peut en voir un exemple dans les prototypes présentés à la conférence. Je le rajoute en bas de page.2

Puis les idées sont passées en revue, sélectionnées, prototypées et testées.

Au cours de ce processus ont été découverts des critères propices à la sélection d’une bonne idée :

1. Il doit y avoir une connexion visible, dans le niveau, entre l’avant et pendant le ‘Wonder Effect’ afin de le rendre naturel pour les joueurs et joueuses.
   Par exemple : L’effet ballon sur Mario n’est cohérent que parce qu’on aperçoit des ennemis ballons plus tôt dans le niveau.
   → Cette astuce est utilisée tout au long du jeu et permet de tutorialiser les effets de façon inconsciente.

2. Les joueurs et joueuses doivent pouvoir faire quelque chose qu’ils ne pouvaient pas faire avant en tant que Mario.
   → Cela évite la redondance des actions de jeu.

3. L’effet doit pouvoir être expliqué en 1 courte phrase.
   → Souvent, si l’on ne peut pas l’expliquer facilement c’’est peut-être que l’idée est trop complexe.

2. Sessions de tests

La création des prototypes se fait en petite équipe composée d’un membre de chaque corps de métier. Puis, les résultats sont partagés avec le reste de l’équipe. Tous les membres participent aux tests des prototypes. Chacun et chacune partage leurs opinions et leurs nouvelles idées.

Les bénéfices pour l’équipe

• Tout le monde a gagné de l’expérience en développement.
  → La formation de toutes petites équipes de prototypages crée un espace favorable à l’évolution : donne des responsabilités, annule les conséquences d’un échec (ref.3).

• La motivation générale a augmenté.

• La solidarité de l’équipe s’est renforcée.

• Créer des prototypes, c’est amusant. Et ça a rendu le développement du jeu beaucoup plus agréable.

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  NOTE : Avec des temps de développements de plus en plus longs, il est toujours plus important d’assurer le bien-être des équipes sur le long terme. L’intérêt et l’amusement que porte l’équipe à la création du jeu est pour moi essentiel dans ce but.

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3. Prototypes : Études de cas

Pour voir les prototypes de différentes idées et leurs résultats, je vous laisse regarder sur la conférence directement.

L’évolution de la franchise Mario 2D

INFO : Dans cette partie, ils expliquent les raisons qui ont poussées à la présence de deux éléments absents des précédents jeux de la série. À savoir la sélection des niveaux en zones semi-ouvertes et les fleurs parlantes.

1. ‘Gameplay’ et Choix du Joueur

Comment donner plus de liberté aux joueurs et joueuses que dans les précédents jeux 2D Mario ?

• Créer une carte-monde avec un déplacement libre. Les joueurs et joueuses peuvent choisir entre plusieurs niveaux en fonction de la vignette ou du niveau de difficulté.

• La progression est centrée sur la possession de ‘Wonder Seeds’. Ces dernières peuvent être récupérées d’autrement qu’en finissant des niveaux, afin de ne pas bloquer la progression.

• Certains badges peuvent donner un coup de main ou au contraire ajouter un défi supplémentaire au niveau. La clarté de l’effet des badges au moment de leur sélection permet d’ouvrir les choix.

2. La création des fleurs parlantes

Le bruit de fanfare à la complétion d’un objectif sert à encenser les joueurs et joueuses pour leur accomplissement ‘gameplay’.

Les fleurs servent à créer de plus petites et récurrentes récompenses avec leurs dialogues humoristiques. Elles supportent les actions ‘gameplay’, ont pour but d’augmenter la motivation et de rendre le ‘gameplay’ plus gratifiant encore.

Jouer en ligne dans un Mario

Quels sont les défis du jeu en ligne et comment y répondre ?

1. Les défis du jeu en ligne

• Compétitif : les nouveaux joueurs et joueuses risquent de perdre beaucoup et quitter le jeu.

• Coop : les joueurs et joueuses moins expérimentés risquent de ralentir la partie.

• Il y a toujours le risque de rencontrer quelqu’un avec un mauvais comportement en ligne.

2. Les solutions

• Les seules interactions possibles avec l’environnement sont positives : secourir un joueur K.O. ou partager des items.

• Les autres joueurs et joueuses sont représentées de façon transparente pour signifier qu’ils n’ont pas d’impact sur votre environnement (‘feedback’ visuel).

• Des silhouettes en carton peuvent être posées pour aider la réanimation sans être présent sur place.

• Ces silhouettes peuvent être placées de façon à indiquer un secret dans le niveau.

Ces solutions permettent aux parents d’accompagner leurs enfants sans les priver du défi du jeu. Et elles empêchent le harcèlement en jeu (pour aller plus loin4).

Le futur des jeux 2D

Super Mario Bothers aura 40 ans l’an prochain.
Vous pouvez penser qu’il est difficile de faire évoluer une série pendant si longtemps. Toutefois, on créé du neuf en faisant face et en résolvant les défis qui proviennent des jeux 2D. Ce n’est pas limité aux jeux Super Mario Brothers.
En suivant cette direction, je pense que les jeux 2D vont continuer d’évoluer dans le futur.
- Mouri, Directeur sur Mario Wonder

Dans leurs jeux, Nintendo se concentre sur le cœur du jeu. Le ‘fun’ du jeu doit être défini avant d’attaquer les graphismes et les sons. Autrement, le jeu ne sera pas intéressant. Il est donc important de mettre un effort considérable dans la recherche du cœur du jeu.

NOTE : D’où l’importance de pouvoir faire participer toute l’équipe au ‘game design’. Si le reste de l’équipe doit passivement attendre que le design se fasse, ou commencer à produire alors que le cœur du jeu n’a pas été trouvé, on se retrouve face aux problèmes qu’ils veulent éviter.

Additionnellement, il faut vérifier que le ‘gameplay’ fonctionne. C’est plus facile à faire sur des jeux 2D. Les jeux 2D ont une structure simple qui permet de se concentrer plus facilement sur créer du ‘gameplay’.

Un jeu 3D ou 2D met le même temps à être produit. Mais dans le cas d’un Mario 2D, il est plus simple de faire des ajustements et rajouter de nouveaux éléments tout au long du développement.

Pendant que nous avançons en affrontant les défis inhérents à la franchise, une variété de nouvelles technologies seront crées mélangées avec la 2D traditionnelle et peut-être que le ‘gameplay’ lui même changera.
- Tezuoka, Producteur sur Mario Wonder

Et voici la fin de cette publication. J’espère qu’elle vous aura inspiré. Vous trouverez ci-dessous le lien vers d’autres sources pour approfondir certains sujets.

Merci pour votre lecture !

Pour conclure, je finirai par une citation de Tezuoka :

Certaines personnes peuvent penser qu’il y a une méthode secrète derrière la création de jeux Nintendo. Mais la réalité c’est qu’il n’y a pas qu’une seule façon de faire un jeu. Chaque projet a ses propres priorités et c’est à vous de voir.
- Tezuoka, Producteur sur Mario Wonder

Remerciements à Anna et Taïs pour la relecture.

2

Exemple de la participation d’un junior :
Pendant la phase de ‘brainstorming’ un programmeur, durant sa première année chez Nintendo, écrit sur un post-it : “Un Quiz se Lance”, sans contexte supplémentaire.

Peut-on appeler ça une bonne idée ?

Quand Mouri lu la proposition, il s’est dit : “Cette idée a du potentiel.”
Elle a le potentiel de créer une interaction unique avec les actions de Mario (le saut) ; de compléter la vision du monde (questionne le joueur sur des détails du monde) ; de motiver les joueurs et joueuses à rejouer le niveau pour lire toutes les questions.

Voici un exemple fructueux d’un échange junior-senior et de la philosophie de certaines équipes au Japon.

Laissez-moi vous présenter ce à quoi vous pouvez vous attendre dans les prochains mois :

Calendrier

Juin / Juillet

• Mise en place du Substack

• E-mail d’introduction aux bêta lecteurs et lectrices, que j’ai contacté personnellement

Août

• La publication du pilote sur le blogue et dans vos boîtes mails

• Traitement (de mon côté) de vos retours sur la publication et retouches si nécessaire

Septembre

• La 2eme publication

• Traitement (de mon côté) de vos retours sur la publication et retouches si nécessaire

Dans le futur…

• Un rythme d’1 publication par mois (tous les 15 du mois)

• Éventuellement différents sondages pour cerner le lectorat ou chercher des retours spécifiques

• Tester l’écriture d’un plus petit format pour parsemer le temps entre deux grosses publications (expérimental)

• Partage progressif de l’infolettre sur mes réseaux

Pour en apprendre plus sur cette infolettre et moi :

À Propos